Mundos Hipotéticos

[Cómic - Reseña Breve] Adam Strange: El Hombre de Dos Mundos

2012-02-06T19:20:00.003+01:00

Desencantado con el rumbo que ha tomado la editorial en los últimos tiempos, sigo recuperando viejos cómics DC que considero merecedores de atención. Es el caso de la miniserie de tres números titulada "Adam Strange: El Hombre de Dos Mundos", publicada hace algún tiempo por Planeta en un único tomo que incluía diversos bocetos e ilustraciones.

Antes de comentar estos cómics es necesario repasar algunos antecedentes sobre el personaje de Adam Strange. Este aventurero espacial fue creado en 1958 por Gardner Fox y Mike Sekowsky, quienes muy probablemente se inspiraron en grandes clásicos como "Flash Gordon" o "John Carter de Marte". Adam Strange era un arqueólogo que gracias al poder de los Rayos Zeta inventados por el científico Sardath era transportado al exótico planeta Rann. Armado con una mochila propulsora, Adam se convertiría rápidamente en el héroe de Rann, un lugar de maravillas tecnológicas donde una civilización altamente avanzada convivía con extrañas y peligrosas criaturas. Su caracter aventurero le hizo ganarse el corazón de Alanna, la bella hija de Sardath, con la que compartiría muchas de sus aventuras. Durante los años siguientes a su primera aparición en la colección "Showcase" Adam sería una presencia habitual en diversos cómics DC.

Sin embargo, la naturaleza despreocupada y aventurera de sus aventuras originales de finales de los años 50 sufrió un brusco giro tres décadas después. El pesimismo era la tónica reinante en los cómics de los años 80 (baste recordar "Batman: El Regreso del Caballero Oscuro" o "Watchmen") y no tardó en apoderarse del destino de este alegre aventurero. El guionista británico Alan Moore recuperó a Adam Strange en una de sus historias para "La Cosa del Pantano", en la que narró una versión bastante más siniestra de su origen. Moore presentó un planeta Rann devastado por una antigua guerra nuclear y casi carente de vida. Sus habitantes, pese a sus conocimientos tecnológicos, habían ido perdiendo progresivamente la fertilidad, por lo que eran incapaces de concebir y se enfrentaban a una lenta extinción. Por este motivo Sardath exploró el universo con la esperanza de traer alguien a Rann que consiguiese revitalizar a su decadente especie. Lo consiguió cuando la casualidad guió a los Rayos Zeta hasta Adam Strange, quien acabaría emparejándose con su hija Alanna y dejándola embarazada.

Esta visión mucho más cínica del personaje es la que se exploró con más detalle en "Adam Strange: El Hombre de Dos Mundos", miniserie que iba a titularse originalmente y de forma muy apropiada "La Caída de Adam Strange", obra de Richard Bruning, Andy Kubert y Adam Kubert.

Bruning, que había colaborado con Alan Moore como editor durante la creación de "Watchmen", siempre se había sentido atraído por el personaje y llevaba tiempo tratando de devolverle algo del protagonismo que había perdido con el tiempo. A pesar de su inexperiencia como escritor, se encargó de realizar los guiones de "Adam Strange: El Hombre de Dos Mundos", muy influenciados por la visión de Moore y por la dinámica de los cómics del momento. La parte gráfica contó con los hermanos Kubert (Andy a los lápices y Adam como colorista), hoy artistas consagrados pero quienes por aquel entonces aún estaban empezando a hacerse un nombre en la industria del cómic. Finalmente, "Adam Strange: El Hombre de Dos Mundos" se publicó en 1990.

La historia crepuscular narrada por Bruning comienza cuando Sardath encuentra la manera de transportar a Adam de forma permanente a Rann (hasta entonces el efecto de los Rayos Zeta había sido temporal, devolviendo a Adam a su mundo natal tras cada aventura). Con Alanna embarazada y una hija en camino, Adam desea despedirse de su familia terrestre para asentarse definitivamente en Rann. Sin embargo, las cosas no van como esperaba. Su padre se está muriendo y su hermana le culpa por haber desatendido sus responsabilidades familiares en favor de su loca pasión por la arqueología, desconociendo sus aventuras en el lejano planeta. Todo empeora al volver a Rann: el nuevo Rayo Zeta enloquece temporalmente a Adam y hace que ataque brutalmente a Sardath, dejándolo malherido. Perseguido y exiliado por aquellos a los que antes protegía, temeroso de haber perdido tanto su vida en la Tierra como su vida en Rann, Adam se encontrará en su situación que cambiará radicalmente su vida.

Adam descubre, muy a su pesar, que pertenecer a dos mundos es como no pertenecer a ninguno. Durante su visita a la Tierra, los recuerdos sobre su hermano muerto, las recriminaciones de su hermana y el delicado estado de su padre le torturan. Al volver a Rann confirma lo que ya sospechaba: por muy heroico que sea, para los rannianos siempre será un simple alienígena. Sardath es un hombre de ciencia obsesionado por preservar el futuro de su mundo a cualquier precio y por cualquier método. Nunca buscó a un héroe, sino a alguien capaz de procrear. El atractivo planeta Rann dista mucho de ser un paraíso de ciencia ficción: aquellos que amenazan el orden son condenados al exilio y el fantasma de la guerra nuclear vuelve a estar presente. Esta dura realidad azota despiadadamente a Adam, de forma que el lector asiste atónico al completo desmoronamiento del héroe.

Se trata, como ya he comentado, de una historia con un marcado tono crepuscular, como el "Hawkworld" de Timothy Truman y Quique Alcatena. Sin embargo, mientras que las vicisitudes de Katar Hol en "Hawkworld" contribuían a forjar la personalidad desencantada y cínica de Hawkman, los eventos de "Adam Strange: El Hombre de Dos Mundos" le arrebatan la inocencia de épocas pasadas al personaje y lo lanzan a una realidad mucho más oscura de la que no hay salida posible. Ésta bien podría haber sido la última historia de Adam Strange, pues tiene aroma de epílogo. En cambio, la historia de Adam prosiguió y sus posteriores aventuras recuperaron un tono más jovial, proyectándole hacia su madurez como criatura de ficción.

No obstante, pese a lo interesante que resulta su argumento, esta miniserie cuenta con un elemento mucho más destacado: su magnífico apartado artístico. Andy Kubert realizó este trabajo cuando aún era una estrella emergente, por lo que puso un gran esfuerzo en él. Se trata de un trabajo heredero de las fórmulas clásicas, minuciosamente detallista y profundamente expresivo. Kubert demuestra que en ocasiones el talento se hereda (no en vano es hijo del gran Joe Kubert) y que trabajar codo con codo con alguien conocido influye con intensidad en el resultado final. En conjunción con el coloreado de su hermano Adam, el trabajo de Andy se convierte en una deliciosa obra de artesanía de las que hoy en día escasean en el cómic comercial. Basta un mero vistazo a sus páginas para despertar la nostalgia por tiempos pasados.

Quizá resulte una obra muy pesimista, pero "Adam Strange: El Hombre de Dos Mundos" es un trabajo a reivindicar. Es un valeroso intento por humanizar al personaje y cuenta con un dibujo verdaderamente estupendo. Es también una gran historia de ciencia ficción, con muchos elementos de las corrientes cyberpunk. Es, en último lugar, el reflejo de una época en la que los creadores parecían haber perdido la fe en los héroes de antaño, a los que enfrentaban a una realidad menos idealista y más dañina que aquella que habían conocido en sus orígenes. Bien podría haberse titulado "La Caída de Adam Strange", puesto que esto es precisamente lo que narra y esto es lo que transmite al lector, al que consigue sumir en la tristeza en la que se sumerge este personaje y despertar más de una emoción encontrada con la triste conclusión de la historia.

[Libros - Reseña] 1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir

2012-01-30T22:30:00.002+01:00

Las personas somos amantes de las listas. Nos encantan. Nos fascinan. Dejamos que nos orienten en nuestras decisiones y que influyan en nuestras opiniones. Sentimos una atracción irracional hacia las listas, especialmente hacia las que seleccionan aquello que conocemos como "lo mejor". Esto es especialmente cierto en el mundo de los videojuegos, en el que las listas de los mejores juegos del año tienen un papel importantísimo. El libro sobre el que versa esta entrada va un paso más allá, pues pretende elaborar una lista no con los mejores juegos de un año concreto, sino con los mejores juegos de la historia. Ahí es nada. Si a los aficionados a este mundillo les vuelven locos los "top 10", "top 50" y "top 100", un "top 1001" con los juegos a los que hay que jugar antes de morir debe ser una experiencia orgásmica.

Siguiendo la estela de libros similares como "1001 canciones que hay que escuchar antes de morir" y "1001 películas que hay que ver antes de morir", la editorial Grijalbo nos trajo hace unos meses "1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir". Veamos qué nos ofrece este libro.

LOS AUTORES:

En "1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir" encontramos aportaciones de más de treinta periodistas especializados en videojuegos de diferentes medios del ámbito anglosajón. La mayoría de ellos han colaborado en algún momento con la popular revista Edge, que muchos consideran uno de los principales puntos de referencia del mundillo. No en vano el editor de "1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir" es Tony Mott, editor jefe de esta revista inglesa. Por otro lado, el prefacio del libro es obra de Peter Molyneux, conocido diseñador de videojuegos y cabeza visible de Lionheart Studios (responsables de juegos como "Black & White" y la saga "Fable"). Aunque la aportación de Molyneux al conjunto del libro es minúscula, su fama como figura polémica dentro del mundo de los videojuegos sin duda ha servido para llamar la atención sobre esta obra.

LA OBRA:

"1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir" es un tocho de considerables dimensiones (supera las 950 páginas) en el que se realiza una amplia selección de 1001 títulos relevantes dentro de la industria del ocio interactivo. Abarcando un periodo que va desde 1970 a 2010 (año de publicación de la versión original del libro), se pretende dar una visión de los juegos más destacados de la historia desde los orígenes de esta forma de entretenimiento. Divido por bloques, cada uno de ellos correspondiente a una década concreta, el libro dedica apenas un par de párrafos y una pequeña ilustración a cada juego. Por tanto, no se ofrece un análisis sino únicamente unas breves pinceladas acerca de cada título. La edición es sencilla pero atractiva y se encuentra a todo color. Esto repercute sobre el precio del libro (35€), lo cual puede desanimar a más de un comprador potencial.

VALORACIÓN:

Aunque el libro nació con la clara vocación de elaborar una lista de los mejores juegos de la historia, el resultado final dista bastante de esta concepción. Evidentemente, el lector lo puede interpretar como un "top 1001" si lo desea, pero esto hará que la inclusión de ciertos títulos le resulte polémica e innecesaria. El caso que mejor ilustra esta situación es la inclusión de "Garry´s Mod", que difícilmente se puede calificar como juego. Sin embargo, las posibilidades que este mod basado en "Half-Life 2" ha ofrecido a la comunidad de jugadores para modificar y crear sus propios contenidos han tenido una enorme influencia sobre la industria y sobre la propia manera de entender los videojuegos. Se debería considerar más una herramienta que un videojuego, pero el hecho es que "Garry´s Mod" está en la lista de estos "1001 videojuegos a los que jugar antes de morir" con todo el derecho del mundo. A lo largo del libro se pueden encontrar ejemplos similares a éste: títulos que difícilmente podrían codearse con los mejores de la industria pero que destacan por algún punto innovador, por explotar una idea novedosa o por abrirse a un sector antes desconocido del mercado.

Desde mi punto de vista, lo que hace atractivo este libro no es su afán de listar juegos imprescindibles, sino la visión de conjunto que queda tras leer sus páginas. Es una visión sobre el desarrollo y expansión de la industria del videojuego, salpicada por algunos hitos fundamentales y en permanente cambio. Por tanto, creo que considerar este libro como una visión global de la historia de este mundillo es bastante más correcto que verlo como una selección de "los mejores juegos de la historia".

La visión subjetiva de los autores es un elemento a tener en cuenta en la lectura de este libro, lo cual apoya el punto anterior. Los juegos elegidos no siguen ningún criterio concreto, sino que obedecen a una selección subjetiva y un tanto arbitraria que únicamente se apoya en el prestigio de medios como Edge. Sin embargo, ni Edge ni ninguna otra revista, por prestigiosa que ésta sea, son portadores de la verdad absoluta. El único valor que tiene una lista elaborada por los medios es el que el lector de dicho medio quiera darle. "1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir" es bastante cuestionable como "top", pero muy interesante como repaso a la historia del entretenimiento interactivo y del desarrollo de esta industria. Tener esto en cuenta casi me ha hecho obviar las sangrantes ausencias en la lista de "ICO", "Lost Odyssey" y "Mirror´s Edge". Casi.

Es necesario romper una lanza a favor del afán del libro por ser representativo, ya que incluye juegos de casi todas las plataformas posibles, incluyendo portátiles, juegos descargables y juegos para móviles. También abarca todos los géneros posibles, desde el arcade clásico al survival horror, pasando por la estrategia en tiempo real, las aventuras gráficas, los juegos deportivos y los juegos musicales. Se trata de proporcionar una visión amplia de la industria del videojuego, lo cual podrá interesar el lector ocasional pero puede aburrir al lector versado en este campo.

Para alguien que conozca el mundillo, probablemente este libro no le aporte gran cosa. Más allá de bucear en sus orígenes y de rescatar algún título cuasidesconocido, el resto de títulos mencionados entra dentro de lo esperable. A título personal, los primeros dos bloques del libro, correspondientes a las décadas de los 70 y 80 respectivamente, son los que más interesantes y novedosos me han parecido. Creo que esta es la parte del libro que más información aporta, tanto para aquellos que no conocieron esa época de primera mano como para los adictos al retrogaming. Los últimos bloques ofrecen poca cosa en comparación, salvo un buen montón de títulos bien conocidos por el gran público. Esto me hace pensar que se trata de una obra orientada a los lectores generalistas, a aquellos que, con el auge de la industria y el debate sobre la condición del videojuego como forma de arte, empiezan a interesarse por el mundillo de forma seria. Para aquel que lleva toda la vida jugando, este libro no es más que una curiosidad (y bastante cara, además).

Todo lo anterior se refería al contenido. Respecto al continente, se trata de una edición de muy buena calidad: tapa dura con sobrecubierta, papel satinado, ilustraciones en color, diseño sobrio y atractivo, etc. Sin embargo, no está exento de algunos fallos. Se puede encontrar algún que otro error tipográfico y la adaptación de algunos textos es mejorable (si bien la traducción es impecable, el texto queda demasiado literal en algunos casos). También se puede encontrar alguna confusión respecto al uso de anglicismos. Por ejemplo, en el comentario de "Bioshock 2" se indica que el jugador debe encontrar a su hermana pequeña, lo cual supone una interpretación errónea: el jugador es un Big Daddy y su misión es encontrar a la Little Sister con la que está vinculado y con la que no comparte ningún parentesco familiar. Hay algún que otro fallo, como el hecho de que se ilustre el comentario de "The Legend of Zelda: Majora´s Mask" con una imagen de "Ocarina of Time". No son fallos especialmente reprochables, pero están de más en un libro tan caro. Es una pena que no se hayan revisado de forma adecuada, pues estropean un diseño muy atractivo y con una clara predilección por lo retro (la portada de "Space Invaders" es buena prueba de ello).

Concluyendo ya, sería justo decir que este libro puede ser un producto interesante siempre y cuando se entienda como una visión superficial de la trayectoria del mundo del ocio interactivo. No es aconsejable verlo como una especie de manual de referencia ni como una lista de juegos imprescindibles, ya que la selección de títulos es subjetiva y la brevedad de los textos es incapaz de hacer justicia a obras maestras como "Deus Ex", "Shadow of the Colossus", "Portal" o "Bayonetta" (mucho menos a grandes clásicos como "Another World", "Final Fantasy VI" o las aventuras gráficas de la época dorada de LucasArts). Su precio puede resultar excesivo, pero su edición (salvo los fallos antes comentados) está bastante bien. A mí no me ha resultado especialmente enriquecedor, pero sí entretenido y con algunos puntos curiosos.

En breve se publicará "1001 cómics que hay que leer antes de morir", libro que a priori me parece mucho más apetecible que este "1001 videojuegos a los que jugar antes de morir".

[Cómic - Reseña Breve] Supreme, de Alan Moore

2012-01-07T20:00:00.000+01:00

Tuvimos que esperar mucho para que las historias de Supreme escritas por Alan Moore viesen la luz en nuestro país, hasta tal punto que la publicación de estos cómics se había convertido en una broma recurrente en los blogs y foros dedicados a este mundillo. Tras varios intentos de editoriales como Recerca y Dolmen, que se saldaron con la publicación de un arco argumental cada una, la espera llegó a su fin hace unos meses, cuando Random House Mondadori anunció que publicaría el Supreme de Alan Moore al completo en dos tomos de su colección DeBolsillo.

"Supreme: La Historia del Año" y "Supreme: El Retorno" recopilan al completo la etapa de Alan Moore al frente de las historias del personaje. Quizá el formato de estos tomos no sea el más indicado para publicar este material, pero se trata de una edición bastante cuidada y con una buena relación entre precio y cantidad de páginas. Hay algunos fallos tipográficos puntuales que pueden resultar molestos y en ocasiones la reproducción del color no es tan buena como debería, siendo estos dos pequeños detalles lo único criticable de esta edición. Me gustaría destacar que ambos tomos cuentan con un texto que indica que han sido impresos en papel fabricado a partir de madera procedente de bosques y plantaciones gestionadas con los más altos estándares medioambientales, lo cual está acreditado por Greenpeace. Esto me parece muy loable.

Dejando a un lado el tema de la edición, pasemos a comentar brevemente quién es Supreme y por qué es tan importante la etapa de este personaje que guionizó Alan Moore. No hace falta ser un experto en cómics para saber que la década de los 80 fue un punto de inflexión de crucial importancia en el cómic americano en general y en el cómic de superhéroes en particular. Autores como Frank Miller ("Batman: Año Uno", "Batman: El Regreso del Caballero Oscuro") y el propio Alan Moore ("Watchmen") redefinieron radicalmente la visión del superhéroe durante esta década, convirtiéndolo en una parodia violenta y amoral de sí mismo. En los años siguientes, muchos otros cómics trataron de forma errónea de incorporar la esencia de las obras de Miller y Moore. El resultado fue una era de superhéroes oscuros, carentes de principios éticos, ultraviolentos y pretendidamente realistas.

Un buen ejemplo del arquetipo del superhéroe de la década de los 90 es Supreme, personaje creado por el infame Rob Liefeld en el tercer número de "Youngblood" (1992). Se trataba de un descarado plagio de Superman pasado por el particular filtro pasado de rosca de Liefeld: Supreme era un Superman hipermusculado, violento y presumido que se consideraba a sí mismo poco menos que un dios. Su serie, publicada dentro del sello Image, alcanzó la friolera de 40 números hasta que la llegada de Alan Moore lo cambió todo.

En aquella época Moore tenía ciertos problemas para sacar adelante sus proyectos más personales, así que decidió volver al mundo del cómic americano y acabó colaborando puntualmente con Image Comics. Rob Liefeld le pidió entonces que se encargase de Supreme, a lo que Moore accedió con una condición: debía tener absoluta libertad creativa para hacer lo que quisiese con el personaje. Dicho y hecho. A partir del número 41 de su colección, Moore reescribió la historia de Supreme, relanzándola por completo y convirtiéndola en un sentido homenaje a los cómics de Superman de la Edad de Oro y la Edad de Plata, los cómics de los años 40, 50 y 60 que habían contribuído a generar el arquetipo del superhéroe que el propio Moore había puesto patas arriba en los años 80. De esta forma, Supreme se convirtió en un homenaje a los cómics clásicos de superhéroes, con toda su fantasía, su inocencia y su absurdo.

Moore pretendía alejarse de sus obras anteriores, excesivamente complejas y enrevesadas, buscando un cómic más sencillo, más clásico. Se basó especialmente en la mitología del Superman de la etapa de Mort Weisinger, editor del Hombre de Acero durante los años 50 y 60. Para ello desechó todas las historias previas de Supreme y reescribió su origen. En apenas unos números, Moore fulminó todo lo que se había escrito antes sobre el personaje (no fue una gran pérdida, puesto que poco o nada merecía la pena) y creó toda una nueva mitología basada en sus historias favoritas de Superman. De repente, un personaje absolutamente plano como Supreme se convirtió en un sosías absoluto del icónico Hombre de Acero.

Moore escribía los guiones como si los cómics de Supreme, en lugar de haber comenzado apenas unos años antes, estuviesen publicándose desde los años 40. A modo de retrospectiva, Moore incluía pequeñas historias cortas dentro de cada número, escritas y dibujadas al estilo de los cómics de las décadas anteriores, que rescataban parte de esa historia ficticia de Supreme. Esa retrospectiva no está exenta de dobles lecturas y de mensajes metalingüísticos: al recrear la historia de Supreme/Superman, Moore recrea la historia del propio cómic de superhéroes, enfrentando sus etapas más clásicas con los excesos hiperviolentos de la década de los 90.

Éste no es el único ejercicio de metalenguaje que encontramos en el Supreme de Alan Moore. El alter ego de Supreme, una suerte de moderno Clark Kent llamado Ethan Crane, trabaja como dibujante de cómics y se encarga de ilustrar las aventuras de un personaje que sigue el mismo arquetipo que Superman o el propio Supreme llamado Omniman. Las historias de Omniman son un cómic dentro de un cómic, ficción dentro de ficción. Hablar de Omniman es hablar de Supreme, lo que a su vez es hablar de Superman, lo que a su vez es hablar de un arquetipo (el del superhombre) presente en la mente humana desde tiempos inmemoriales.

Por otro lado, los seguidores de la peculiar filosofía de Mooore pueden encontrar en estos cómics algunos indicios de las ideas que el autor desarrollaría más adelante, en la vertiente más mística de su producción. Es el caso, por ejemplo, del "ideaespacio" o mundo de las ideas, un lugar habitado por seres que son en sí mismos meros conceptos.

Como hemos visto, la mitología de Superman obtiene su reflejo en la de Supreme: Kid Supreme es Superboy; Suprema es Supergirl; Radar, el sabueso supremo, es Krypto, el superperro; Judy Jordan es Lana Lang; Diana Dane es Lois Lane; Darius Dax es Lex Luthor; Emerpus, el Supreme Reverso, es Bizarro; Optilux es Brainiac; la Liga del Infinito es la Legión de Superhéroes; el Profesor Night y Twilight son Batman y Robin; los Aliados son la Liga de la Justicia y el supremio es la kryptonita. Moore aprovecha esta algarabía de referencias para ensalzar la simplicidad de los cómics clásicos y sus elementos característicos, desde las aliteraciones en los nombres de los personajes al patriotismo exacerbado.

Consciente de los mecanismos inherentes al medio en el que trabaja, el guionista juega con el concepto mismo y la dinámica del cómic y presenta algunas aportaciones brillantes. Ya en su primer número, cuando Moore se dispone a reescribir la historia previa de Supreme, se saca de la manga un lugar llamado la Supremacía. Se trata del lugar en el que acaban las versiones de Supreme cuya continuidad ha sido reescrita. Ya desde el mismísimo inicio, Moore juega con elementos propios del mundo del cómic como son las continuas reescrituras a las que se ven sometidos los personajes cada cierto tiempo.

Pero la presentación de la Supremacía no es más que el primero de una serie de números memorables. Destaca igualmente el número dedicado a los antiguos amores de Supreme, donde se referencia descaradamente el eterno cuadrado amoroso que en su día formaron Superman, Lana Lang, Lois Lane y Lori Lemaris. En este número, una discusión sobre un posible romance para el cómic de Omniman sirve como interesante reflexión acerca de los amores de Supreme/Superman y los dilemas que plantea una relación con un superhombre. Finalmente, otro número destacable (y además mi favorito) es aquel en el que Moore escribe una hermosa oda a uno de los artistas más creativos e imaginativos de la historia del cómic: Jack Kirby, cocreador del Universo Marvel junto a Stan Lee. En esta historia, Supreme salta de un mundo a otro, cada cual más grande que el anterior, hasta que descubre que todos esos mundos e incluso ese universo entero se encuentran dentro de la mente de una entidad que se hace llamar "El Rey" (en referencia al apodo de Jack "The King" Kirby).

Por desgracia, la etapa de Moore al frente de Supreme quedó inconclusa. La mala gestión que hizo Rob Liefeld del personaje, que pasó de ser publicado en Image a Maximum Press y posteriormente a Awesome Entertainment, fue quizá una de las causas. La serie fue cancelada, dejando varios guiones de Moore a la espera de ser dibujados. Su etapa, que había abarcado los números 41 a 56 de "Supreme" y los 6 números de "Supreme: The Return", alcanzó un prematuro final cuando la editorial entró en bancarrota. Uno de los trabajos más bonitos del guionista (por el que incluso había recibido un Premio Eisner al Mejor Escritor en 1997) quedó de esta manera inacabado justo cuando estaba preparando su traca final. En la Comic-Con del año pasado se anunció que existían planes para publicar esos números inéditos hasta ahora, pero ya no será lo mismo. Ya nunca podrá ser lo mismo.

Los dos tomos publicados por Random House Mondadori, "Supreme: La Historia del Año" y "Supreme: El Retorno", son una buena oportunidad para hacerse con el Supreme de Alan Moore. No sólo se trata de una lección magistral sobre el funcionamiento de los mecanismos del cómic de superhéroes, sino también un sentido homenaje a este medio y a sus inicios en tiempos más inocentes. Sus páginas concentran todas las razones por las que tantos y tantos lectores se han enamorado del cómic de superhéroes a lo largo de sus muchas décadas de historia. Por tanto, sobran las razones para atesorar estos cómics.

[Cómic - Videojuegos - Artículo] Lo mejor de 2011

2011-12-29T16:00:00.006+01:00

Como hice en ocasiones anteriores, voy a dedicar la última entrada del año a seleccionar los que han sido, en mi opinión, los mejores cómics y los mejores videojuegos que ha dejado este 2011 que toca a su fin. Lo que se encuentra bajo estas líneas no es una valoración objetiva sino una opinión completamente subjetiva, por lo que el único valor que tiene es el que el lector quiera darle. Mi particular podio está ocupado por los tres cómics y los tres juegos que más me han hecho disfrutar este año, diferenciados en las tres categorías de bronce, plata y oro según me hayan gustado más o menos. No son necesariamente los de mejor calidad ni los más populares, sino los que más me han sorprendido, fascinado y divertido. También me reservo una mención especial para el cómic y el juego que, sin estar entre los mejores, han conseguido destacar por méritos propios.

LOS MEJORES CÓMICS DE 2011

BRONCE: EL ASOMBROSO SPIDERMAN

Uno de mis más inconfesables secretos es que Spiderman nunca ha estado entre mis personajes favoritos. Nunca me he sentido muy identificado con él, ni siquiera cuando era adolescente. Me sentía mucho más cercano a los mutantes o a los Vengadores que a nuestro amistoso vecino arácnido. Quizá por eso nunca he seguido sus series regulares con demasiado interés. Sin embargo, esto ha cambiado en 2011. Este año que se acaba no sólo ha despertado mi interés por el personaje, sino que me ha hecho comprar y devorar con avidez sus cómics todos los meses. Estoy convencido de que el trabajo del excepcional dibujante Marcos Martín es el principal responsable de esto, pues fueron sus atrevidas composiciones y la fuerza expresiva de su minimalismo los que llamaron mi atención sobre Spiderman después de haberlo ignorado durante largo tiempo.

Mi interés se ha disparado a partir de la saga "Big Time", una historia más que correcta con unas consecuencias muy interesantes que han conseguido humanizar a uno de los más memorables secundarios de Spiderman. El número 655 de "The Amazing Spiderman" (publicado en el número 61 de la edición española de "El Asombroso Spiderman"), cuya portada ilustra estas líneas, es una de las mejores historias que he leído en los últimos tiempos. Spiderman nunca me había resultado tan abnegado y heróico y sus secundarios nunca me habían parecido tan entrañables. Esta serie tiene algo especial. Tiene magia.

PLATA: S.H.I.E.L.D.

Si me preguntas de qué va "S.H.I.E.L.D." es posible que no sepa bien qué responderte. Con apenas unos números publicados en nuestro país, la última locura de Jonathan Hickman ha suscitado más preguntas que respuestas. Supuestamente iba a contar los orígenes secretos de la agencia de espionaje más importante del Universo Marvel, que se retrotraen hasta el antiguo Egipto. Sin embargo, ha resultado ser algo mucho más enrevesado que incluye conspiraciones urdidas por inmortales, secretos de viejos dioses estelares y apariciones de grandes figuras de las artes y las ciencias como Isaac Newton y Leonardo da Vinci.

¿Sabías que el sacerdote egipcio Imhotep detuvo la primera invasión alienígena del planeta Tierra? ¿Sabías que Galileo luchó contra Galactus, el Devorador de Mundos? ¿Sabías que Leonardo viajó hasta el Sol para asistir al nacimiento de un Celestial? De eso trata "S.H.I.E.L.D.", de la historia secreta de los protectores del mundo. Esta serie es todo un carrusel de sorpresas excepcionalmente dibujadas por Dustin Weaver. Es muy ambiciosa y arriesgada y quizá todo termine siendo un bluff descomunal, pero está siendo brillante e inesperada. Cada número es una ventana hacia lo desconocido capaz de maravillar al más escéptico. Así es como siempre debería ser un cómic publicado bajo un sello llamado Marvel.

ORO: IMPOSIBLES X-FORCE

La anterior encarnación de X-Force nació muerta a causa de sus planteamientos noventeros y su interés por resucitar personajes que estaban mejor muertos. Todo parecía indicar que la siguiente encarnación del grupo mutante de operaciones encubiertas sería más de lo mismo: Lobezno y los suyos masacrando a sus enemigos, mucha violencia gratuita y un nulo desarrollo de los personajes. Nada más lejos de la realidad. Rick Remeder ha orquestado un cómic en el que ha sabido definir a unos personajes marcados por su propensión a la violencia y su creencia en que el fin justifica los medios. En sus manos incluso el insoportable Masacre resulta interesante, lo cual dice mucho a favor de este guionista.

La primera historia de esta nueva encarnación del grupo, "La Solución Apocalipsis", no sólo nos presenta los dilemas de un grupo de asesinos que deben matar para conseguir un bien mayor, sino que, en lugar de recurrir a planteamientos ya anticuados, enriquece la mitología mutante con nuevos personajes. Por suerte este primer arco argumental sólo es la pieza inicial de un puzle que se completará próximamente en la anunciada "Saga del Ángel Oscuro", que promete ser antológica gracias al buen hacer de Remeder y el fantástico dibujo de Jerome Opeña. Sin duda "Imposibles X-Force" es la mejor serie mutante del año y una de las mejores de la Marvel actual. Inteligente, impactante, cruda y desgarradora, "Imposibles X-Force" ha sido la serie que más he disfrutado en 2011.

MENCIÓN ESPECIAL: X-FACTOR

Tengo una especial debilidad por los personajes mutantes, así que admiro a los guionistas que se preocupan por los secundarios olvidados de la descomunal franquicia de las series X. Curiosamente, pese a tener una mitología tan rica a su disposición, pocos guionistas saben utilizarla de forma adecuada. Por eso Peter David se merece todos los halagos por su trabajo en "X-Factor", donde ha reunido a un grupo de personajes que a nadie le importaban y los ha convertido en una serie de culto.

Pese a que las ventas no siempre le han acompañado y que el nivel gráfico de la serie no siempre ha estado a la altura de sus guiones, Peter David ha hecho que su pequeño rinconcito del Universo Marvel sea uno de los lugares más interesantes donde perderse. Es cierto que sus cómics no pueden encuadrarse dentro de los típicos cómics mutantes. Es más, sus cómics ni siquiera pueden encuadrarse dentro de los típicos cómics de superhéroes. Sin embargo, en sus páginas encontramos historias frescas, emocionantes y divertidas, diálogos genuinos y personajes auténticamente tridimensionales. Por encima de la aventuras superheróicas prima el desarrollo de los personajes, sus relaciones, sus triunfos y tragedias. "X-Factor" no trata sobre salvar el mundo ni sobre derrotar al villano de turno, sino sobre el embarazo de Loba Venenosa, sobre las inseguridades del Hombre Múltiple y sobre la relación homosexual entre Ríctor y Estrella Rota. "X-Factor" es la obra de un artesano, hecha con dedicación y cariño. Lo mínimo que se merece es esta mención especial.

LOS MEJORES JUEGOS DE 2011

BRONCE: BATMAN - ARKHAM CITY

"Batman - Arkham Asylum" fue el juego que más disfruté en 2009. Esperaba su secuela con ansia, aunque también con temor. El anuncio de "Batman - Arkham City" había sido prematuro y existía la posibilidad de que se convirtiese en una secuela sacacuartos como tantas otras hay actualmente en el mercado. Afortunadamente no fue así, pues los chicos de Rocksteady supieron coger todo lo bueno del juego anterior, añadirle novedades y elevarlo a su enésima potencia. "Batman - Arkham City" tiene una historia principal más corta que la de su predecesor, pero también mucho más intensa e interesante. En ella tienen cabida personajes como Hugo Strange, Dos Caras, Catwoman, el Pingüino, Mr. Freeze, Harley Queen y, por supuesto, el Joker. No obstante, lo que le falta en duración a la campaña lo compensa con una amplia variedad de misiones secundarias en las que aparecen otros tantos personajes secundarios como Deadshot o el Sombrerero Loco. Finalmente, la cantidad de trofeos y acertijos de Riddler es tan grande que asegura horas y horas de búsqueda (y alguna sorpresa que otra).

La mecánica tipo sandbox, que permite que el jugador tenga libertad para moverse por la ciudad desde el principio y decida a dónde quiere ir en cada momento, es una de las grandes bazas del juego y proporciona diversión casi ilimitada. La inclusión de Catwoman como personaje jugable, sin embargo, ha resultado ser algo decepcionante, pues no aporta gran cosa al conjunto del juego. Es uno de los pocos aspectos criticables de un juego fantástico con una historia absorbente y una conclusión dramática, inesperada y desgarradora como pocas. Su banda sonora merece una mención, pues es una de las mejores del año, así como su doblaje al castellano, que exceptuando a algunos personajes puntuales alcanza un nivel digno de una superproducción cinematográfica. Para concluir debo decir que, aunque mi mente me diga que "Batman - Arkham City" palidece en comparación con otros juegos brillantes de 2011, mi corazoncito lo ha disfrutado como si fuese el mejor juego del año.

PLATA: DEUS EX - HUMAN REVOLUTION

La franquicia "Deus Ex" era una leyenda entre los jugadores de PC, pero una gran desconocida para muchos jugadores de consola. Esta situación ha cambiado de forma notable tras el exitoso lanzamiento de "Deus Ex - Human Revolution". Técnicamente se trata de una precuela del "Deus Ex" original, aunque eso no importa mucho. Su argumento bebe de la mejor tradición cyberpunk y en él se encuentran reminiscencias de clásicos del género como "Blade Runner" o "Ghost in the Shell". Creo que no exagero al decir que tiene el mejor argumento de 2011 y una de las mejores ambientaciones que se han visto en un videojuego. Su diseño artístico es sublime, su banda sonora es fantástica y su jugabilidad es exquisita.

"Deus Ex - Human Revolution" es un juego de acción y sigilo en el que se premia a los jugadores pacientes, curiosos y astutos y se castiga duramente a los jugadores impetuosos que se lanzan a lo loco. Pocos juegos ofrecen tanta libertad para superar las distintas situaciones y tantas maneras diferentes de llegar al final de un nivel. Otro punto importante es que las decisiones que se toman a lo largo del juego afectan con contundencia al propio juego, lo cual parece más propio de los juegos de la vieja escuela que de los juegos de hoy en día. Si metes la pata en una misión ya no hay vuelta atrás, al igual que si matas a un personaje secundario al que necesitarás más adelante. A esto habría que añadirle las posibilidades de personalización del protagonista, gracias a aumentos artificiales que permiten ver a través de las paredes, camuflarse a simple vista, caer desde gran altura sin hacerse daño o piratear sistemas informáticos (el minijuego de pirateo es una pequeña maravilla muy bien implementada). Resumiendo: gran historia, gran ambientación, gran diseño artístico, gran banda sonora, gran jugabilidad, gran posibilidad de personalización... ¿Acaso no tiene ningún punto negativo? Por desgracia lo tiene y no es precisamente pequeño: los enfrentamientos contra los jefes finales son un auténtico horror. Rompen por completo la dinámica del juego (si lo deseas puedes acabar cualquier nivel sin matar a nadie, pero cuando te encuentras al jefe final estás obligado a matarlo por narices), son enfrentamientos bastante mediocres y no aprovechan para nada el carisma de los villanos (personajes que podrían ser muy interesantes y que están por completo desaprovechados). Aún así, este punto negro no habría impedido que "Deus Ex - Human Revolution" se convirtiese en mi juego favorito del año de no ser porque tenía que competir con un auténtico coloso imposible de vencer.

ORO: PORTAL 2

Pese a ser uno de los últimos juegos que han pasado por mis manos en 2011 no tenía ninguna duda de que iba a ir directo al primer puesto de mi lista. Me encantan los juegos de resolución de puzles y soy un fanático incondicional del primer "Portal", al que considero uno de los poquísimos videojuegos perfectos que se han hecho. La perfección de "Portal" es indiscutible cuando uno analiza su diseño de niveles y su curva de dificultad. Además, "Portal" cuenta con una narrativa igualmente perfecta, que garantiza una total inmersión en esa historia fascinante y ridícula a partes iguales que es la historia de los laboratorios Aperture Science. Por si esto fuera poco, "Portal" cuenta con el antagonista más mordaz, sarcástico y divertido que se ha visto en un videojuego: la inolvidable GLaDOS. Teniendo todo esto en cuenta, "Portal 2", como secuela de una obra de culto, lo tenía muy difícil.

Sin embargo, la gente de Valve ha conseguido algo casi imposible con "Portal 2": ha conseguido crear una nueva obra de culto sin estropear la magia de su predecesor. Si bien la curva de dificultad de "Portal 2" no es tan perfecta como la de "Portal" (haciendo que pueda resultar un juego relativamente sencillo para aquellos jugadores que conocen la dinámica y saben pensar con portales), cuenta con elementos nuevos, originales e inesperados que generan formas novedosas de resolver los puzles: placas de salto de fe, puentes de luz sólida, gel repulsor, embudos de traslación, etc. Dichos elementos se encuentran perfectamente integrados en la narrativa, que nos sumerge aún más en la historia de Aperture Science y de GLaDOS. Como no podía ser de otra forma, se trata de una historia misteriosa, esperpéntica, ridícula y maravillosa. Además, "Portal 2" va un paso más allá y enriquece la mitología de "Portal" añadiendo a un nuevo personaje, Wheatley (la "esfera atontadora"), tan cómico y carismático como la propia GLaDOS.

Pero para Valve esto no era suficiente. No bastaba con hacer una secuela casi perfecta, con una jugabilidad insuperable y unos personajes memorables (que incluyen una patata parlanchina). Además de eso "Portal 2" cuenta con un modo cooperativo que se puede jugar a pantalla partida (algo que parece estar en franca desaparición estos días) en el que puedes unirte a un compañero para enfrentarte a los desafíos de GLaDOS. Los adorables robots que protagonizan el modo cooperativo, unidos a la posibilidad de resolver puzles con cuatro portales, hacen que este modo sea tan divertido como el modo para un jugador. El entretenimiento está asegurado por la propia dinámica del juego y por los ácidos comentarios de GLaDOS, que trata constantemente de generar piques entre los compañeros. Eso sí, por el bien de la ciencia.

Podría seguir diciendo maravillas sobre "Portal 2" todo el día. Podría hablar de las intervenciones de Weathley, del misterio del Hombre Rata, de la tenacidad de Chell, de la pobre torreta que se pregunta si es distinta, de las baterías de patata, de la absurda filosofía de Cave Johnson o del inolvidable coro final. Pero si hablase de todo esto te impediría que lo descubrieses por ti mismo. "Portal 2" no sólo es el mejor juego de 2011, sino que también es uno de esos juegos imprescindibles que todo el mundo debería jugar.

MENCIÓN ESPECIAL: EL SHADDAI - ASCENSION OF THE METATRON

Reservaba esta mención especial para algún juego descargable, pues este año hemos tenido muchos y muy buenos (baste mencionar "From Dust", "Outland" o "Trine 2"). Sin embargo, hay un juego cuya estética me ha fascinado tanto que se ha ganado esta mención con todas las de la ley. Me refiero a "El Shaddai - Ascension of the Metatron", un auténtico delirio visual acompañado de una historia basada en el Antiguo Testamento. En su camino por derrotar a los Ángeles Caídos, el escriba celestial Enoch tiene que recorrer unos fabulosos escenarios repletos de luz, color y formas etéreas que parecen extraídas de un sueño. Las fases de plataformeo clásico en 2D se alternan con fases de combate en las que prima más el timing que la realización de combos. Sólo tenemos tres armas a nuestra disposición (cada una de ellas tiene ventaja sobre otra y es débil ante la restante, creando una dinámica de piedra-papel-tijera). Sólo podemos llevar un arma, pero podemos cambiarla en cualquier momento robando las armas de los enemigos y purificándolas para poder usarlas.

"El Shaddai - Ascension of the Metatron" puede parecer un mediocre juego de serie B, pero es mucho más que eso. Es una excentricidad propia del mercado japonés, por supuesto, pero su cuidada estética, su interesante sistema de combate y las impresionantes luchas contra los Ángeles Caídos hacen de él un juego a tener en cuenta. Lamentablemente es uno de esos videojuegos que pasan sin pena ni gloria por las estanterías de las tiendas, por lo que esta mención especial está dirigida a llamar la atención sobre este juego curioso y extravagante al que quizá no pensabas acercarte, pero que sin duda merece una pequeña oportunidad.

[Manga - Reseña] Remember y Orange, de Benjamin

2011-12-23T22:20:00.000+01:00

Las corrientes mayoritarias condicionan los trabajos de muchos artistas. Después de todo, son las editoriales las que deciden qué cosas se publicarán y qué cosas permenecerán olvidadas en un cajón o en la carpeta de dibujos de un artista anónimo. Las obras de temáticas que están de moda o que resultan próximas a las corrientes mayoritarias encontrarán mayores facilidades para ser publicadas y alcazarán una mayor difusión. Esto se hace especialmente notorio en el mundo del cómic oriental. Si volvemos nuestra atención hacia oriente no tardaremos en darnos cuenta de que los artistas gráficos forman parte de una poderosa maquinaria comercial que mueve ingentes cantidades de dinero. El manga japonés, el manhwa coreano y el manhua chino constituyen un negocio muy competitivo en el que cuesta mucho hacerse un hueco sin contar con el apoyo de las grandes editoriales. No es de extrañar, por tanto, que cada cierto tiempo aparezcan autores desencantados con esta situación cuyas obras parecen ir a contracorriente o resultan sugestivamente underground. Una de estas voces discordantes dentro del mercado del manhua chino es la del autor conocido como Benjamin.

EL AUTOR

Benjamin es el nombre artístico de Zhang Bin, dibujante e ilustrador chino nacido en 1974. Comenzó su carrera como artista conceptual en el mundo de la moda, aunque no tardó mucho en centrar sus esfuerzos en el manhua. Tuvo varios trabajos puramente alimenticios mientras viajaba de Pekín a Tianjín buscando editor que publicase sus obras. En un determinado momento incluso participó en la creación de un taller de ilustración publicitaria de breve trayectoria. En mayo de 2000 se publicó en China la obra que le dio a conocer al público: "Flores desconocidas de verano". La buena acogida de esta obra le permitió publicar otros trabajos como "El Comisario SENA" y "La paloma sobrevuela el silencio" (todas ellas inéditas en nuestro país). La consolidación de su estilo llegó en 2002, cuando sustituyó la técnica de dibujo tradicional por el uso del ordenador. De esta época datan "One Day" (2002), "Remember" (2004), "Orange" (2006) y "Savior" (2010), su última obra en solitario. Sólo "Remember" y "Orange" han sido publicadas en España. Por otro lado, el trabajo de Benjamin dentro del mundo del manhua no hizo que descuidase su faceta de ilustrador, que le ha llevado a realizar trabajos tan dispares como carteles de cine, ilustraciones para revistas y portadas de discos ("Vous remercier" de la cantante francesa Jena Lee). Recientemente también ha realizado algunas portadas para Marvel Comics, concretamente para las series "Nuevos Mutantes" y "X-Men Orígenes: Emma Frost".

REMEMBER

"Remember", publicada en España por Ediciones Glénat dentro de la colección Pop Corn en 2007, supuso la presentación de la obra de Benjamin en el mercado español. En realidad se trata de una recopilación de dos historias manhua ("Nadie es capaz de volar, nadie es capaz de recordar" y "El verano de aquel año") más una selección de ilustraciones titulada muy apropiadamente "Un mundo de colores". Dichas ilustraciones aparecen comentadas por el autor, que también incluye algunos breves ensayos y apuntes dispersos sobre diversos temas.

"Nadie es capaz de volar, nadie es capaz de recordar" es una historia de trazo sencillo y luminoso en la que se muestran algunos de los temas habituales sobre los que orbita el trabajo de Benjamin: la confusión de la adolescencia, las relaciones imposibles, la pérdida irreparable y la naturaleza del auténtico arte. El protagonista masculino es un artista de cómic frustado y desencantado con el mundo que trata a las mujeres como objetos (hasta el punto de que llega a rozar peligrosamente el maltrato). Por otro lado, la protagonista femenina es una chica alegre y llena de ilusiones que se enamora de un hombre que no le corresponde, que apenas muestra ninguna emoción por ella y que le dispensa un trato horrible. Su rica vida interior contrasta y choca fuertemente con la del artista, incapaz de sentir algo genuino y, por tanto, incapaz de crear auténtico arte. La relación imposible entre ambos protagonistas es el motor de la historia y el autor la usa para mostrar lo difícil que es crear una obra artística que resulte inspiradora sin basarse en la vida real, la inspiración última y definitiva.

Mientras que "Nadie es capaz de volar, nadie es capaz de recordar" es una obra de trazo delicado y colores claros, "El verano de aquel año" es todo lo contrario. El estilo de esta segunda historia se basa en un trazo grueso y quebrado, oscuro y casi monocromático. Aunque aparecen algunos elementos de la historia anterior (el artista frustrado, la juventud perdida, la relación imposible), el tono y la dinámica son algo distintos. "El verano de aquel año" es casi un slice of life acerca de un pequeño grupo de alumnos de un instituto de bellas artes, con una conclusión mucho más agridulce que la de la historia anterior.

Finalmente, "Un mundo de colores" recoge una serie de ilustraciones realizadas con el ordenador para diversos medios entre 2002 y 2004. Se trata de una excelente selección de trabajos que muestra el amplio abanico de estilos de Benjamin y lo flexible y camaleónica que es su técnica de dibujo digital. Las chicas de toda clase, desde las más realistas a las más absolutamente idealizadas e imposibles, son las principales protagonistas de esta selección de ilustraciones.

ORANGE

"Orange", editado en su colección Pop Corn por Ediciones Glénat también en 2007 (aunque lamentablemente ahora se encuentra descatalogada), recoge una sola historia manhua que da título al tomo, así como otra pequeña selección de ilustraciones. De mayor extensión y un acabado mucho más pulido, "Orange" quizá sea el trabajo más representativo de la personalidad de Benjamin. Ya en la contraportada nos indican que esa historia fue rechazada varias veces por los editores, que la consideraban demasiado deprimente. Los temas que trata son los mismos que las historias anteriores, aunque llevados mucho más al extremo: adolescencia enfermiza, amor, alcohol, desesperación y suicidio.

La protagonista de la historia, una chica adolescente llamada Orange, se encuentra sumida en el torbellino de emociones contradictorias propias de su edad. Se siente sola y el hecho de estar rodeada de amigas no hace más que incrementar su sensación de soledad. Vive casi por obligación, siguiendo unas normas sociales que no le gustan y tansgrediendo dichas normas una y otra vez únicamente para sentirse viva. Su cuerpo es el de una mujer adulta, pero su corazón aún es el de una niña. Orange no cree en nada ni confía en nadie y alberga la férrea convicción de que el mundo mismo se sustenta en un engaño. Desencantada y completamente perdida, coquetea con la idea del suicidio.

Es en ese momento cuando se cruza con un joven llamado Dashu al que nada parece importarle. Artista fracasado y sin trabajo, Dashu se pasa el día fumando y bebiendo. Siempre lleva la misma ropa y cada noche se arrastra a duras penas hasta su casa, borracho como una cuba. Es el hombre menos indicado para Orange, a quien parece ignorar cada vez que se cruza en su camino, y precisamente por eso es el hombre del que Orange se enamora perdidamente.

Se inicia así una enfermiza relación que sólo existe en la mente de Orange y que llevará a la desorientada chica a tratar por todos los medios de llamar la atención del hombre que la ignora. No obstante, de esa malsana relación puede y debe extraerse una conclusión que, lejos del pesimismo reinante en toda la obra, alberga un mensaje de esperanza que hay que saber leer entre líneas. Es necesario comentar que esta historia empieza y acaba de la misma forma: con un suicidio. No es de extrañar, por tanto, que encontrase tantas dificultades para ser publicada.

"Orange" se encuentra un escalafón por encima de las historias de "Remember", tanto por la intensidad dramática como por la calidad gráfica. Benjamin muestra en "Orange" su mejor técnica, que oscila entre un realismo detallista y sucio y una representación casi etérea e idealizada de los personajes. Los trazos intensos, que transmiten una fuerte sensación de movimiento y dinamismo, se acompañan de un uso del color como forma de expresar emociones (colores fríos para representar la tristeza de Orange y colores cálidos para representar el papel de Dashu y su misterioso mundo interior). Una vez más, como en casi toda la obra de Benjamin, la belleza femenina es el centro de todas las atenciones.

Al igual que en "Remember", hay mucho del propio autor en "Orange". Dashu, como los otros artistas y dibujantes frustrados de "Remember", no deja de ser un sosías de Benjamin que muestra la peor faceta de sí mismo. Por otro lado, Orange, como todas las demás chicas de sus obras, se inspira en una muchacha de la que Benjamin estuvo enamorado en el pasado, a la que idealiza y ensalza. Realidad y ficción se mezclan, perdiendo sus límites y proporcionando un aroma de romanticismo y tragedia adolescente.

VALORACIÓN

Hay tres aspectos cruciales a valorar en el trabajo de Benjamin. En primer lugar está el plano artístico, eje fundamental de la obra de este artista gráfico. La técnica y el estilo son dos grandes preocupaciones de Benjamin, que explora diversas soluciones gráficas a la vez que experimenta con las posibilidades que ofrece el dibujo digital. Si bien "Remember" muestra algunos clichés propios del manga japonés, "Orange" se aleja por completo de ellos en busca de una identidad artística propia. De hecho, "Orange" incluso se escapa de las señas de identidad del manhua, acercándose a la BD francesa en algunas ocasiones y convirtiéndose en algo completamente distinto en otras. No hay ninguna duda de que su trabajo continuará evolucionando hacia nuevas formas.

Otro aspecto a valorar es la dinámica de las historias de Benjamin, producto de una personalidad intensa y quizá algo inmadura, que vive aferrada a ideales románticos más propios de la adolescencia que de la madurez. En sus historias, como el propio autor afirma, vierte mucha de su propia experiencia vital. No obstante, también hay una obvia exageración de los sentimientos, una vivencia desmedida que tiene mucho que ver con la adolescencia de sus personajes. De esta forma, sus argumentos se cubren de una pátina de angustia existencial y de tragedia. Se trata del elemento diferenciador que caracteriza las historias de Benjamin. Sin embargo, bajo todo ese pesimismo existe ciertos mensajes de carga mucho más positiva, siempre y cuando el lector sea capaz de extraerlos entre tanta pérdida, depresión y muerte.

Finalmente, el último aspecto a valorar del trabajo de este artista es su representación de la realidad reciente de China, un país cuyo crecimiento económico se encuentra en franco despegue pero que aún conserva importantes deficiencias sociales y culturales. Si los personajes de Benjamin se encuentran perdidos es porque, según el autor, así es como se encuentra la juventud de la China actual. Los jóvenes chinos han estado tanto tiempo obligados a asumir una identidad común que carecen de identidad propia y la única forma que tienen de buscar una es fijándose en estereotipos extranjeros. La suya es una realidad dura no sólo en lo económico, sino también en lo cultural. El negativismo impera entre ellos y sólo los auténticos artistas son capaces de alzar su voz angustiada entre la multitud.

CONCLUSIÓN

Sin duda Benjamin es un autor a seguir. Tanto "Remember" como "Orange" son un buen ejemplo de que existe buen arte más allá de los circuitos comerciales habituales. Concretamente, dentro del poco conocido mundo del manhua es posible que exista más de un ilustrador como Benjamin que aún no ha podido darse a conocer entre el público occidental. Es una lástima que su obra no haya alcanzado mayor difusión en nuestro país, pues podría haber abierto las puertas a otros autores de igual talento que en la actualidad nos resultan completamente ajenos.

[Cómic - Reseña Breve] Hawkworld

2011-12-14T16:00:00.000+01:00

Entre 1985 y 1986 DC Comics publicó el popular crossover titulado "Crisis en Tierras Infinitas", el cual se sigue considerando a día de hoy uno de los más relevantes eventos del mundo del cómic de superhéroes. La Crisis pretendía poner en orden la cada vez más confusa historia de la editorial, que a lo largo de sus décadas de cómics publicados había creado una complejísima continuidad que se había vuelvo tan impracticable para muchos autores como inaccesible para otros tantos lectores. La finalización del evento permitió revitalizar a los personajes más importantes de la editorial, dejándolos en las manos de autores ya consagrados. John Byrne se encargó de Superman, el Hombre de Acero. Frank Miller y David Mazzucchelli narraron el "Año Uno" de Batman. George Pérez devolvió el clasicismo y la magia de la mitología a Wonder Woman. Todas fueron etapas memorables. Sin embargo, por alguna razón que no alcanzo a comprender, la recreación del personaje de Hawkman que hizo Timothy Truman en "Hawkworld" nunca suele mencionarse entre las etapas anteriores cuando es evidente que su calidad es equiparable. Como si quisiera remediar esto, Planeta DeAgostini publicó hace algún tiempo un tomo que recopila los tres números de los que consta la miniserie "Hawkworld".

Antes de continuar, conozcamos un poco mejor cuál es la temática de "Hawkworld". Nos encontramos en el planeta Thanagar, un mundo que ha evolucionado hasta las más altas cotas gracias a sus innumerables conquistas. Esclavos de procedencias diversas realizan las tareas de los ciudadanos de Thanagar, que habitan inmensas torres que se alzan hacia los cielos. Gracias al descubrimiento de un metal antigravedad, los thanagarianos son capaces de volar entre las torres usando unos arneses moldeados a la manera de alas. De esta forma disponen de todos los lujos que desean y viven sumidos en al complacencia, dedicándose a entretenimientos cada vez más inmorales. El consumo de extrañas drogas que proporcionan bienestar es cada vez más frecuente entre ellos. La vida es un regalo, al menos en la cima de las torres. Bajo su sombra miles de esclavos olvidados malviven en la miseria, oprimidos por la tiranía de las fuerzas de policía de Thanagar, los "hombres alados". Se les conoce de esta forma porque ellos son los únicos que tienen alas allí abajo, en la olvidada superficie del planeta.

Katar Hol, hijo del inventor de los arneses antigravedad, pertenece a la clase alta. Podría tener una vida repleta de lujos y placeres si así lo quisiese, pero su pasión por la historia le ha llevado a creer en unos valores que su pueblo olvidó mucho tiempo atrás. Los thanagarianos ya no recuerdan que ellos también fueron esclavos una vez y que sus guerras de conquista nacieron como un grito de libertad. Por esta razón, en lugar de elegir un cómodo oficio en las torres, Katar decide entrar a formar parte del cuerpo de seguridad de los hombres alados. Desde su primera misión será dolorosamente consciente del sufrimiento de los desheredados que viven en la superficie, tan lejos de la cima de las torres como es posible.

Sus anticuados ideales no serán bien recibidos por los demás miembros de la clase alta, lo que le conducirá a enfrentarse a sus superiores y le llevará, en última instancia, al exilio. De esta forma comenzará su viaje iniciático, dejando atrás su vida como miembro de la clase alta de Thanagar y regresando como héroe vengador.

La estructura de la historia se basa precisamente en ese viaje iniciático, al igual que otras muchas historias. No obstante, "Hawkworld" no es una historia de superhéroes al uso. Tiene algo de space opera, pero también algo de western y de historia épica. Es una historia digna de Timothy Truman, un artista muy cercano al pulp como bien nos indican sus obras anteriores ("Scout", "Turok: Dinosaur Hunter", "Conan The Cimmerian"). Trascendiendo dichas obras, "Hawkworld" se aleja del cómic americano hacia algo más propio del cómic europeo donde se puede apreciar la sutil influencia de autores como Moebius, de libros como "El Conde de Montecristo" o de películas como "Blade Runner".

El dibujo de Truman, perfectamente complementado por el entintado de Quique Alcatena, es tremendamente detallista y juega continuamente con los contrastes y las sombras. De esta forma nos sumerge en la inquietud interior del protagonista y en la insostenible situación de su mundo, que se encuentra al borde del precipicio. La ostentosa sociedad de las torres choca frontalmente con la minuciosidad con la que se representa la suciedad, la desesperación y la alienación de los esclavos olvidados en la superficie del planeta. Truman dibuja a los thanagarianos como regios nobles y a sus esclavos como alienígenas completamente inhumanos, dejando que las actitudes de unos y otros completen el mosaico y demuestren quién es realmente más inhumano. A nivel artístico se trata de un trabajo maravilloso. A destacar especialmente las viñetas sin diálogo que jalonan la obra, que expresan mucho más de lo que podría expresar un simple texto.

Aunque "Hawkworld" comenzó a publicarse en 1989, a las puertas de la fatídica década de los 90, es un cómic con espíritu clásico dotado de escenas de gran belleza. El viaje iniciático de Katar Hol, su relación con la hermosa Shayera Thal, su exilio a una isla olvidada, la reivindicación de ideologías y mitos olvidados... todo esto construye una historia sólida y absorbente en la que la acción y la violencia tienen un papel completamente tangencial. Únicamente en el enfrentamiento final pasa la acción a primer plano de la narración, creando una conclusión un tanto previsible e insatisfactoria, aunque coherente. Probablemente sea este final el único punto débil de una obra que roza la perfección en todo lo demás. Se trata, por tanto, de una obra a la que merece la pena acercarse, esté uno interesado o no en los superhéroes de DC.

En conclusión, podríamos decir que "Hawkworld" es uno de los últimos grandes cómics de la década de los 80. Su argumento sigue el camino de los dramas clásicos, presentándonos el nacimiento de un héroe vengador cuyos fuertes principios se han visto superados por la crueldad de su mundo; su contexto está plagado de metáforas fácilmente aplicables al mundo actual, lo cual enriquece su lectura; y, finalmente, su apartado gráfico es a todas luces fantástico. El tomo de Planeta, que apenas cuesta 12€ y tiene 144 páginas (aunque carece de las portadas originales), no debe ser difícil de encontrar, por lo que animo a cualquier que se sienta atraído por esta obra a que se haga con él.

[Cómic - Reseña Breve] Estela Plateada: Parábola

2011-09-30T17:00:00.002+02:00

Panini ha publicado recientemente en su línea Marvel Graphic Novels una nueva edición de este clásico que llevaba años esperando ser reeditado en nuestro país. "Estela Plateada: Parábola" es el fruto de la colaboración entre dos de las más grandes figuras del cómic mundial: Stan Lee, uno de los padres del Universo Marvel, y Jean Giraud, más conocido como Moebius, uno de los más influyentes artistas surgidos del mundo de la BD francesa. Lee y Moebius abordan sin miedo una historia cuyo tema principal es la teología y en la que se tratan aspectos como la religión, el fanatismo, el sacrificio y la figura del mesías.

Durante la edad dorada de los Cuatro Fantásticos orquestada por Stan Lee y Jack Kirby, el cuarteto se encontró con uno de los personajes más extraños salidos de la imaginación de sus creadores. Se trataba de Galactus, el Devorador de Mundos, un personaje que había sido ideado con la intención de que ejerciese el papel de Dios en el Universo Marvel. De hecho, en su primera aparición, allá por 1966, incluso lucía una enorme letra G en el pecho (G de Galactus, pero también de God, "Dios" en inglés). Pensando que semejante entidad debía ir precedida por una especie de heraldo que anunciase su llegada, Jack Kirby introdujo al personaje de Estela Plateada (Silver Surfer en el original), un ser de aspecto metálico que surcaba el cosmos a lomos de una tabla de surf en busca de planetas aptos para el consumo de su amo.

La historia creada por Stan Lee y Jack Kirby fue el auténtico nacimiento de la vertiente cósmica del Universo Marvel e influyó poderosamente en incontables autores e historias posteriores. Aunque tímidamente, Lee y Kirby habían utilizado un medio aparentemente tan sencillo y sin pretensiones como el cómic de superhéroes para tratar temas como la divinidad, la trascendencia y la figura del mesías, encarnada en Estela Plateada. Si Galactus era Dios, sin duda Estela Plateada era Jesucristo, enviado a la Tierra por su creador para anunciar su llegada. Este mesías plateado se enfrentó a Galactus para proteger a los humanos de su hambre infinita y por ello tuvo que afrontar el sacrificio definitivo: Estela quedó desterrado en la Tierra, negándosele la oportunidad de volver a surcar el espacio. Desde entonces, Estela Plateada siempre fue una suerte de figura mesiánica; un salvador venido de las estrellas que ve en la humanidad, más allá de sus muchos defectos, la bondad y la capacidad de ser mejor.

Ésta es la base sobre la que se sustenta "Estela Plateada: Parábola", obra nacida a finales de los 80 y que supuso la colaboración entre uno de los grandes autores del cómic americano y uno de los mejores artistas del cómic europeo. Stan Lee y Moebius coincidieron casi por casualidad en una feria en California y hablaron de la posibilidad de realizar un trabajo juntos. Moebius expresó su predilección por la regia y a la vez trágica figura de Estela Plateada y así comenzó a gestarse el cómic que ahora nos ocupa.

Para elaborar el argumento, Stan Lee optó por profundizar en el concepto original de Galactus y por convertirlo definitivamente en Dios. De esta forma, "Estela Plateada: Parábola" comienza con la llegada de Galactus a la Tierra. El coloso estelar promete crear un nuevo mundo a cambio de la adoración de la humanidad y ésta se sumerge felizmente en un atroz fanatismo convirtiendo a Galactus en su nueva divinidad. Todo esto no es más que un ardid para que los humanos entren en conflicto consigo mismos y se autodestruyan, permitiendo que Galactus se alimente de su mundo. Anteriormente, Galactus había jurado no destruir jamás la Tierra, por lo que semejante subterfugio es necesario para no faltar a su palabra.

Es necesario puntualizar que esta historia transcurre en un mundo alternativo en el que no existen superhéroes como los Cuatro Fantásticos o los Vengadores, por lo que el único ser capaz de oponerse a la voluntad del Devorador de Mundos es su antiguo heraldo, Estela Plateada, que se encuentra exiliado en la Tierra. Aunque su enorme poder no es nada en comparación con la majestuosidad de Galactus, Estela se enfrenta a él y, como recompensa, los humanos le insultan y rechazan. Para poder proteger a los habitantes de la Tierra Estela tendrá que sacrificar todos sus principios y convertirse en aquello contra lo que ha luchado.

Stan Lee utiliza su conocido estilo teatral, grandilocuente y plagado de diálogos rimbombantes, lo cual crea un curioso contraste con el minimalismo del dibujo de Moebius. Éste consigue recrear la poderosa presencia de Galactus (recordemos que el diseño del personaje es de Jack Kirby), añadiendo además ciertos toques personales en los cuales se reconoce claramente la influencia de sus trabajos para el mercado europeo, como por ejemplo aquellos que realizó para la revista Metal Hurlant. Pero el mayor hallazgo de Moebius es revestir a Estela de un aura de serenidad y trascendencia que van más allá de la figura trágica ideada por Kirby años atrás. No obstante, aunque aprecio el trabajo que realizó en el personaje, considero que su versión carece de la contundencia y la expresividad que le insufló Kirby.

Evidentemente, esto no resta ni un ápice de interés al apartado gráfico de esta obra, que une lo mejor de la BD francesa con la épica de las historias cósmicas de Marvel. Aunque puedan parecer campos dispares, lo cierto es que encajan a la perfección. Su estética es algo añeja, pero su calidad es innegable.

El dibujo es el apartado más fuerte de este cómic que, pese a su osadía a la hora de abordar aspectos teológicos y religiosos, peca de falta de originalidad. ¿Cuántas veces hemos visto a Estela Plateada volverse contra su amo Galactus para proteger la Tierra? Lo vimos en su primera aparición, lo volvimos a ver en la novela gráfica de Lee y Kirby (obra que también lleva años esperando una reedición en nuestro país) y una vez más lo vemos aquí. Stan Lee jugó sobre seguro a la hora de abordar este proyecto, aunque consiguió ofrecer un elemento diferenciador en las preguntas que se plantean en su conclusión. Si bien en sus trabajos anteriores con Kirby la historia, pese a su gravedad, no dejaba de ser una colorida aventura, en "Estela Plateada: Parábola" se plantean preguntas de una profundidad filosófica inusitada. Se trata de un acercamiento muy personal a la figura del mesías, tan arraigada en nuestra cultura que no es extraño verla en un cómic de superhéroes con matices de ciencia ficción europea.

"Estela Plateada: Parábola" no es cómic apto para todos los paladares. Aquellos que no hayan tenido contacto con el cómic europeo lo encontrarán extraño y confuso mientras que los lectores poco habituados a este tipo de historias encontrarán pocos alicientes más allá de las preguntas que plantea su conclusión. ¿Cuál es el destino del hombre? ¿Qué sentido tiene adorar a una divinidad? ¿Por qué el ser humano espera la llegada de un mesías? Si el lector disfruta planteándose preguntas como ésta, sin duda este cómic le resultará, cuanto menos, interesante.

En resumidad cuentas, "Estela Plateada: Parábola" es una historia con sabor añejo y casi caduco, acompañada por una magnífico apartado gráfico realizado por uno de los mejores artistas del cómic de estilo europeo. Es una obra valiosa para coleccionistas y completistas, aunque difícilmente apasionará a lectores noveles. Sólo aquellos que disfruten con las dobles lecturas y profundizando en los mensajes subyacentes la disfrutarán con intensidad. Finalmente, hay que destacar que la nueva edición de Panini cuenta con un acabado perfecto y con bastantes extras para los curiosos, así como con un precio realmente ajustado (sólo 9,95€), lo cual la convierte en una compra muy apetecible.

[Videojuegos - Juegos Indie] Fotonica

2011-08-21T14:25:00.006+02:00

"Fotonica" es un juego independiente para PC y Mac desarrollado por Santa Regione (un pequeño estudio formado por dos jóvenes italianos). Se trata, según palabras de sus creadores, de "un juego en primera persona sobre saltar, el sentido de la velocidad y el descubrimiento". El objetivo del juego es avanzar mediante contundentes saltos a través de un entorno de abstracciones geométricas que recuerda la época de los primeros juegos en 3D, con grandes polígonos carentes de textura.

"Fotonica" bien podría ser una deconstrucción del fantástico "Mirror´s Edge", un juego de carreras y saltos en primera persona de estética minimalista y exquisita jugabilidad. Alejándose de la complejidad del título de DICE, lo único que necesitamos para avanzar en "Fotonica" es un botón (que puede ser cualquier botón del teclado, el ratón o cualquier otro periférico).

Puesto que no podemos elegir la dirección, ya que los escenarios nos impulsan a ir continuamente hacia delante, para avanzar y elegir nuestra ruta tenemos que saltar entre las plataformas que encontramos a distintos niveles. Manteniendo pulsado el botón aceleramos nuestra carrera, mientras que al soltarlo damos un gran salto en el cual conservamos el impulso que hayamos obtenido corriendo. Si deseamos volver a tierra debemos volver a pulsar el botón para aterrizar y continuar con la carrera. Para poder completar cada uno de los recorridos es fundamental dominar el aterrizaje, pues para alcanzar algunas de las plataformas necesitamos dosificar adecuadamente nuestro impulso. Por tanto, el "timing" es uno de los elementos clave del juego.

Al final de cada nivel obtendremos una amplia cantidad de datos acerca de nuestro rendimiento, tales como la distancia recorrida o la velocidad alcanzada. Esto nos permitirá obtener una puntuación determinada que podemos compartir a través de los marcadores online.

"Fotonica" cuenta con cinco niveles distintos, así como con un nivel adicional de duración potencialmente infinita (pues se va generando de manera procedural a medida que avanzamos en él). La ambientación de los niveles es sencilla y abstracta, compuesta por polígonos desnudos y mallas cuadriculadas, lo cual recuerda poderosamente al mítico "Rez". La dicotomía blanco/negro domina los escenarios, rota únicamente por unas esferas de color que aumentarán nuestra puntuación al atravesarlas. Esto cambia en algunos momentos puntuales, en los que el escenario adquiere una tonalidad dorada acompañada de un sencillo efecto de distorsión que potencia la sensación de velocidad.

La banda sonora que nos acompaña en cada uno de los niveles, de corte electrónico, destaca tanto por su intensidad como por su calidad, siendo otro de los alicientes por los que merece la pena darle una oportunidad a "Fotonica".

Además de todo lo anterior, el juego permite enfrentamientos de dos jugadores en pantalla partida y cuenta con un sistema de medallas similar a los populares logros (disponiendo de diez medalles desbloqueables en total). Todo esto de forma gratuita, pues "Fotonica" se puede obtener sin coste alguno desde su web oficial. No obstante, los creadores han habilitado la posibilidad de que todo aquel que lo desee pague simbólicamente por el juego la cantidad que quiera a partir de 1,5 euros.

Web de Fotonica
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[Cómic - Reseña Breve] Los Nuevos Mutantes: Hijos de las Sombras

2011-08-15T17:01:00.000+02:00

La línea Marvel Gold es una de las apuestas más interesantes de Panini en su interés por recuperar material clásico de Marvel, aunque de momento es una línea algo descompensada. Frente a la gran cantidad de material que se ha publicado relacionado con la franquicia de los Vengadores, se ha publicado muy poco de la Patrulla X. Exceptuando el enorme tomo que recopila los comienzos de la Nueva Patrulla X, "Las Guerras Asgardianas", "Patrulla X Vs. 4 Fantásticos & Vengadores" y el tomo que ahora nos ocupa, "Los Nuevos Mutantes: Hijos de las Sombras", los mutantes no se han dejado ver mucho en esta línea. Este hecho tampoco debería resultar extraño, pues entre coleccionables y Bibliotecas Marvel ya se ha publicado la práctica totalidad de la serie principal. Sin embargo, aún queda mucho material de calidad dentro de la franquicia mutante, sobre todo entre las series derivadas. El volumen de "Los Nuevos Mutantes: Hijos de las Sombras" es una pequeña muestra de la cantidad de buenas historias que esperan ser reeditadas.

El éxito de la Patrulla X a principios de los años 80 creó el ambiente propicio para la creación de una serie derivada en la que se recuperase el concepto de "escuela para mutantes" que la serie madre había perdido en los últimos tiempos bajo la dirección del guionista Chris Claremont. La situación se estaba preparando desde algún tiempo atrás, cuando Claremont y el dibujante John Byrne introdujeron al personaje de Kitty Pryde, una joven destinada a ser la primera de una nueva generación de jóvenes mutantes que serían entrenados por el Profesor Xavier mientras el grupo principal continuaba su andanzas. Curiosamente, Kitty acabó integrándose tan bien en la Patrulla X que haberla desligado del grupo hubiese sido un error. Fue necesario, por tanto, recurrir a nuevos personajes.

Antes de que otros guionistas se inmiscuyesen en la franquicia que él mismo había elevado hasta la cumbre, Claremont decidió hacerse cargo él mismo de "Los Nuevos Mutantes", la serie derivada que narraría las historias del grupo de nuevos estudiantes de la Escuela de Xavier. Siguiendo el planteamiento de la Nueva Patrulla X, se trataría de un grupo internacional y multicultural, en el cual además habría más chicas que chicos (algo bastante destacable en los cómics de la época). Así, Claremont dio vida junto al dibujante Bob McLeod a Sam Guthrie (Bala de Cañón), Danielle Moonstar (Espejismo), Roberto DaCosta (Mancha Solar), Rahne Sinclair (Loba Venenosa) y Xi´an Coy Manh (Karma). Aunque la serie pasó por momentos muy interesantes en sus primeros tiempos, como la supuesta muerte de Karma o la introducción de nuevos integrantes como Amara Aquilla (Magma) e Illiana Rasputin (Magik), pronto quedó patente que, pese a su calidad, el dibujo de Bob McLeod (y posteriormente también el de Sal Buscema) era excesivamente convencional y carecía de la fuerza necesaria para expresar toda la angustia adolescente del grupo.

En un intento por darle un nuevo impulso a la serie se optó por cambiar de dibujante y recurrir a Bill Sienkiewicz, que por aquel entonces había pasado de ser un clon de Neal Adams a convertirse en uno de los dibujantes experimentales más interesantes de Marvel. Sin duda fue uno de los momentos clave de la historia de la franquicia, pues la llegada de este artista supuso una revolución gráfica sin precedentes. Frente al convencionalismo de los dibujantes anteriores, Sienkiewicz adoptó un estilo poderosamente expresionista en el que el realismo más intenso se combinaba con lo más abstracto de formas nunca antes vistas. El hecho de que "Los Nuevos Mutantes" se tratase de una serie secundaria en lugar de una cabecera principal le permitió dar rienda suelta a todas sus inquietudes artísticas, experimentando a placer para mostrarnos unas páginas tan extrañas como sorprendentes. Tan bien salió el experimento que, pese a que originalmente Sienkiewicz sólo iba a permanecer en la serie durante tres números (coincidiendo con la llamada "Saga del Oso Místico"), alargó su estancia durante casi dos años. El volumen "Los Nuevos Mutantes: Hijos de las Sombras" recopila el comienzo de esta etapa, concretamente los números 18 a 25 USA, además del primer anual de la serie.

El volumen empieza con la "Saga del Oso Místico", en la que se exploran las raíces cheyenes de Espejismo cuando ésta debe enfrentarse a la criatura sobrenatural que mató a sus padres. Los peores terrores de la piel roja toman forma en el descomunal oso demoníaco que, gracias a los lápices de Sienkiewicz, resulta verdaderamente temible. Las composiciones de página, los juegos de luces y sombras y la expresividad del dibujo convierten estos tres números en una delicia para la vista. Además, cuenta con un guión y una caracterización de personajes ejemplar. Sin embargo, esto no es más que el principio.

En la siguiente historia, Claremont y Sienkiewicz definen al personaje más extraño que ha pasado jamás por la franquicia mutante: el alienígena tecno-orgánico multiforme llamado Warlock (no confundir con el Warlock de la vertiente cósmica de Marvel). Éste acabaría convirtiéndose en uno de los personajes más divertidos e icónicos de los Nuevos Mutantes, pese a que su protagonismo en los números recogidos en este volumen sea bastante reducido más allá del número centrado en su llegada a la Escuela de Xavier.

El siguiente arco argumental, muy relacionado con la Marvel de la época, cuenta con Capa y Puñal como invitados y un Sienkiewicz que, tras haberle cogido el ritmo a la serie, se atreve también a dibujar a algunos personajes de la Patrulla X como Rondador Nocturno, Coloso y Pícara.

Finalmente, el volumen incluye el primer anual de los Nuevos Mutantes, dibujado por su cocreador Bob McLeod, que supone la primera aparición de la cantante, ladrona y teleportadora a escala universal Lila Cheney, quien no tardaría mucho en revelarse como el principal interés romántico de Bala de Cañón. Es curioso que se añadiese este anual al contenido del tomo, pues su lectura no es esencial para la línea argumental y su estilo de dibujo rompe la unidad estética de la obra. No obstante, no deja de ser una lectura entretenida.

Mucho hemos hablado del trabajo del dibujante, pero es necesario puntualizar que el guionista no se queda atrás. Los Nuevos Mutantes nacieron en una de sus épocas de mayor brillantez y esto es algo que se hace patente en los diálogos, cargados de veracidad y de ímpetu adolescente, y en la progresiva evolución de unos personajes cada vez mejor caracterizados. Junto a los arcos argumentales principales, Claremont es fiel a su dinámica y aprovecha los huecos disponibles para continuar narrando la inmensa "historia río" en la que se había convertido la franquicia mutante. Es por esta razón por la que nos encontramos con algunas páginas que pueden desconcertar a los lectores poco familiarizados con los mutantes de la Escuela de Xavier.

Es evidente que la lectura de este tomo requiere de cierto conocimiento previo de la franquicia. Un lector novicio, pese a lo mucho que pueda disfrutar de la melodramática narración de Claremont y de las poderosas ilustraciones de Sienkiewicz, tendrá problemas para captar la mayor parte de las referencias que salpican este tomo: desde la relación entre Magneto y la Capitana Forrester a la llegada de Selene al Club Fuego Infernal, pasando por la misteriosa progresión de la armadura de Magik o el encuentro con Rachel Grey. Es lo previsible y esperable al publicar un segmento de una serie regular desgajado del resto. "Los Nuevos Mutantes: Hijos de las Sombras" está claramente orientado a los conocedores de la franquicia mutante, pues son los que más interesante y disfrutable encontrarán este material pese a verlo fuera de su contexto. Sin embargo, esto supone una considerable barrera para aquellos lectores que deseen acercarse a dicho material por primera vez.

Panini publicará próximamente la continuación de la etapa de Claremont y Sienkiewicz en un nuevo volumen titulado "Los Nuevos Mutantes: El Origen de Legión".

[Cine] El Origen del Planeta de los Simios

2011-08-13T01:00:00.012+02:00

En 1968 se estrenó una curiosa película protagonizada por Charlton Heston que gozó de gran éxito y que, con el tiempo, acabó convirtiéndose en una película de culto. Dicha película mostraba un futuro distópico en el que el ser humano había involucionado, perdiendo gran parte de sus facultades intelectuales y comunicativas, mientras que los simios se habían alzado como la nueva civilización dominante. Me estoy refiriendo, claro está, a "El Planeta de los Simios" ("Planet of the Apes", 1968). Tras cuatro secuelas de inferior calidad estrenadas en la década de los 70 y un horroroso remake a manos de Tim Burton en 2001, el cine vuelve a retomar una de sus franquicias más famosas en la sorprendente "El Origen del Planeta de los Simios" ("Rise of the Planet of the Apes", 2011).

Aunque en un principio no estaba claro cuál sería el lugar de esta película dentro de la franquicia, tras su visionado queda patente que se trata de un nuevo comienzo para la misma. "El Origen del Planeta de los Simios" se aleja en gran medida de las películas anteriores y comienza la historia desde cero, por lo que no sería de extrañar que, en función de sus buenos resultados en taquilla, sea continuada con nuevas secuelas en el futuro.

Aunque se trata de un estreno veraniego sin muchas pretensiones, no es un producto vacío ni mucho menos y, dada la actual escasez de buen cine de ciencia ficción distópica, es preferible una obra sencilla pero correcta a una obra pretenciosa pero mediocre. "El Origen del Planeta de los Simios", obra que ahora nos ocupa, entraría dentro de la primera categoría.

Argumentalmente, el punto de partida es la experimentación con chimpancés que está realizando un joven científico llamado Will Rodman (interpretado por James Franco, a quien hemos visto en películas como "127 Horas", "Mi Nombre es Harvey Milk" y "Spiderman") para una gran compañía farmacéutica. Dichos experimentos con animales pretenden poner a prueba un nuevo fármaco que, en teoría, sería capaz de curar la Enfermedad de Alzheimer. Tras un violento incidente con uno de los chimpancés del laboratorio (una hembra apodada Ojos Brillantes), el proyecto es cancelado y los animales sacrificados. Para evitar su muerte, Will debe hacerse cargo de la cría de Ojos Brillantes, un chimpancé recién nacido al que alojará en su casa junto a su padre (interpretado por el veterano actor John Lithgow). Pronto se hace evidente que el chimpancé, al que comienzan a llamar César, goza de un desarrollo cognitivo superior al normal en su especie como efecto secundario del fármaco al que fue expuesta su madre. Esto renueva las esperanzas de Will en la efectividad del fármaco, el cual pretende utilizar para ayudar a su padre, cada vez más deteriorado a causa del Alzheimer. No obstante, Will subestima los auténticos efectos que ha tenido la sustancia sobre César, cuya curiosidad y capacidad de comprensión no dejan de crecer. Pronto descubrirá que el mundo de los humanos no es lugar para un simio; ni siquiera para uno superinteligente.

Si bien el argumento es sencillo y previsible, quizá incluso tópico en algunos de sus recursos y giros, no por ello es menos disfrutable. Uno de los principales valores de "El Origen del Planeta de los Simios" frente a otros estrenos veraniegos es la solidez de su guión. La historia puede ser poco innovadora, pero al menos está narrada de forma correcta, sin altibajos ni insustanciales cambios de ritmo, lo cual ya es toda una victoria en comparación con el típico blockbuster del verano. Su desarrollo es impecable, desde su punto de partida hasta el clímax que supone su conclusión. No se echa en falta ninguna escena ni sobra ninguna escena, si bien es cierto que se incide de forma algo repetitiva sobre algunos elementos (el progresivo "desencanto" de César respecto al mundo humano), buscando sin duda generar empatía en el espectador.

Por mucho que James Franco sea el actor principal y su papel el hilo conductor de la trama, el verdadero protagonismo del largometraje recae sobre César, el simio superinteligente. César es una creación digital animada mediante captura de movimientos, siendo el actor Andy Serkis (el inolvidable Gollum de la trilogía de "El Señor de los Anillos") el responsable de otorgarle vida. Serkis, todo un profesional de la captura de movimientos con experiencia en cine y videojuegos, se preparó concienzudamente para realizar este papel observando el comportamiento de chimpancés reales. El efecto conseguido es tal que la naturalidad de los movimientos de César se asume inmediatamente en cuanto se observa en pantalla. Otro tanto sucede con sus expresiones faciales, que pese a ser un tanto irreales (se asemejan más a las expresiones de un ser humano que a las de un simio), resultan perfectamente creíbles y transmiten todo un amplio abanico de emociones a lo largo de la película. Gracias a la labor de Serkis, César, lejos de ser un simple muñeco digital, se convierte en un personaje interesante, carismático y capaz de transmitir tanto o más que un actor real.

Mientras que las interpretaciones de James Franco y John Lithgow están a muy buen nivel, no puede decirse lo mismo de los actores secundarios: la chica (Freida Pinto, a quien vimos en "Slumdog Millionaire") y el previsible chico malo que disfruta torturando a los simios que ponen a su cuidado (Tom Felton, conocido por encarnar a Draco Malfoy en la saga "Harry Potter"). Mientras que la primera se encarga de lucir palmito y poco más, el segundo desmuestra que, pese a haber crecido, sigue actuando como cuando era un niño. Sin embargo, tanto los actores principales como los secundarios palidecen ante la presencia de César y del resto de simios digitales.

Sería muy fácil decir que los efectos especiales están al servicio de la película y no al contrario, pero esto no sería exáctamente cierto. Si bien la integración entre criaturas digitales y escenarios reales está muy lograda, algunas escenas (incluyendo algunos momentos clave, como el enfrentamiento sobre el Golden Gate) resultan excesivamente efectistas y carentes de realismo. Por tanto, se puede decir que la película abusa en algunos momentos (muy puntuales, eso sí) de la capacidad de los efectos digitales para generar impresiones intensas y fáciles, pese a que no sea ésta la tónica general. En "El Origen del Planeta de los Simios" el uso de la animación apoya la narración en lugar de dejarla en segundo plano, aunque es algo excesivo en ciertos puntos.

Lo más logrado en este apartado son las interesantes interacciones entre los simios, en los cuales ya se empieza a intuir la diferenciación en castas que mostró el largometraje original: los gorilas representan la fuerza bruta y acaban creando una casta militar, los orangutanes demuestran sus dotes de influencia y liderazgo y crean una casta político-religiosa y, finalmente, los chimpancés, de pensamiento ágil y creativo, generan la casta científica. Frente a esta incipiente nueva raza de simios se coloca César, erigido en un especie de salvador (o vengador, dependiendo del punto de vista) de sus congéneres. En ese sentido, la película establece ciertos paralelismos entre el personaje de César y los protagonistas de algunos clásicos del cine como "Espartaco" o "Los Diez Mandamientos". Esto es más que evidente en algunos de los guiños a estas obras que salpican el metraje. No son las únicas referencias más o menos evidentes de la película, pues también se referencian acontecimientos que acabarán desembocando en los eventos que narró "El Planeta de los Simios" original.

Es necesario puntualizar que, a pesar de todo, los intentos de la película de encajar dentro de la continuidad de la franquicia original (o de abrir la puerta a una futura secuela) chocan frontalmente con la esencia misma de dicha franquicia. Pese a que el guión es correcto y el desarrollo es entretenido, el mensaje que transmite "El Origen del Planeta de los Simios" es opuesto al que transmite "El Planeta de los Simios" original. A partir de este punto voy a tratar este tema en detalle, desvelando algunos elementos de la trama de ambas películas, por lo que si no has visto ambas obras es posible que quieras dejar de leer.

En "El Planeta de los Simios", un grupo de astronautas cuya nave perdió su rumbo aterrizan en un mundo desconocido en donde los simios son la especie dominante y los humanos son tratados como mascotas en el mejor de los casos y cazados como animales en el peor. La verdadera naturaleza de dicho planeta no se desvela hasta la conclusión de la película, donde descubrimos que, de hecho, se trata de la Tierra. La guerra nuclear sumió a los hombres en una barbarie tal que involucionaron hasta un estado primitivo, mientras que su nicho ecológico fue ocupado por los cada vez más inteligentes simios. El protagonista maldecía entonces las guerras en aquella mítica escena en la que se arrodillaba frente a una semienterrada Estatua de la Libertad. Dicha escena, entendida en su contexto (fue rodada en plena Guerra Fría), encierra una crítica despiadada contra la autodestructiva naturaleza humana.

Por tanto, la película clásica es una fuerte crítica hacia el uso instrumental de la violencia, especialmente bajo la forma de enfrentamiento armado, pues la guerra es la cúspide de la irracionalidad y sus consecuencias destierran a los humanos a una vida de irracionalidad y barbarie. Mientras por un lado critica la irracionalidad humana, por otro realiza un ejercicio de ironía al alabar la razón obtenida por los simios. La razón ejercida a través de la curiosidad científica de Cornelius y Zira es la que en última instancia desvela la verdad que la casta político-religiosa encabezada por el Doctor Zaius, un inquisidor más que un hombre ciencia, había mantenido oculta. De esta forma, mientras se advierte de que la irracionalidad de los humanos, que alcanza su cúspide en las guerras, conduce hacia el desastre, se realiza una hermosa oda a la razón, la única forma de obtener el verdadero conocimiento y de evitar los errores pasados. La razón, arrebatada como castigo a los hombres, recae ahora sobre los simios, que deben aprender a evitar la actitud violenta que condujo a sus predecesores al desastre: he aquí la esencia de la distopía del largometraje de 1968.

El planteamiento es bien distinto en "El Origen del Planeta de los Simios". En ella el auge de los simios no se debe a la irracionalidad de los humanos, sino al uso indiscriminado de la razón a través de la ciencia. Es el deseo de obtener una cura para el Alzheimer el que conduce a "jugar a ser Dios", es decir, al deseo de dominar aquello que no puede ser dominado: el mundo natural. En última instancia, esto provoca la venganza de la naturaleza en forma de rebelión simia. De esta forma, el mundo natural retoma el control de su destino y los humanos son castigados por su abuso de la razón. "El Origen del Planeta de los Simios" se encuadra, por tanto, dentro de esa vertiente de la ciencia ficción que trata los peligros inherentes a la propia ciencia, un campo que existe desde el "Frankenstein" de Mary Shelley y del que forman parte obras de ficción como el libro "Un Mundo Feliz" de Aldous Huxley y la película "Gattaca" de Andrew Niccol. Sin embargo, "El Origen del Planeta de los Simios" carece de la frescura y originalidad de éstas. Se convierte así en una distopía genérica, sin ningún elemento diferenciador. Quizá los guionistas no llegaron a entender el verdadero mensaje de la película original, la cual, como comentaba al principio, es una obra de culto y todo un referente dentro de la ciencia ficción distópica.

Y es este cambio radical de planteamiento lo que se convierte en el punto más negativo de esta por otro lado entretenida y correcta película. Aunque escape al conocimiento de la gran mayoría del público, cualquier aficionado a la ciencia ficción en general y a las distopías en particular se percatará de que, alejándose de la fina ironía y de la sutil crítica de los orígenes de la franquicia, "El Origen del Planeta de los Simios" es otra película más sobre los peligros de la ciencia y de la experimentación descontrolada. Los simios, lejos de ser los poseedores de la razón, caen una y otra vez en la violencia a la que parecen condenados pese a los intentos de César por contenerles. Por su parte, como era de esperar, los humanos ejercen esa misma violencia para defenderse. No existe una defensa de la razón como tal. En este caso, la ciencia sólo engendra caos. Y dicho caos, evidentemente, se vuelve en contra de los humanos. Es una pena que las bases de la franquicia se hayan simplificado de esta manera, eliminando precisamente aquello que convirtió a la película original en obra de culto.

Pese a todo, se trata de una película que los amantes de la ciencia ficción distópica disfrutarán y que entretendrá al gran público durante sus casi dos horas de duración. La fórmula de su éxito es sencilla: un guión sólido, una buena elección de actores protagonistas, unos contundentes efectos especiales apoyados por la "magia" de Andy Serkis y unos continuos guiños a un clásico del género. Sin ser innovadora, "El Origen del Planeta de los Simios" sorprende porque ofrece mucho más de lo que aparenta, erigiéndose por tanto en un producto de entretenimiento destacable dentro del mediocre panorama actual.

Aunque no llega a superar a la película de 1968, es un buen inicio para el renacer de la franquicia y una buena excusa para revisionar la original. Espero que logre que el público vuelva a sentir interés por este género que tantas y tantas buenas obras alumbró en el pasado ("Metrópolis", "Soylent Green", "La Naranja Mecánica", "Blade Runner", "12 Monos" y tantas y tantas otras) y pronto veamos nuevas y fascinantes distopías en la gran pantalla.

[Videojuegos - Juegos Indie] Dreamside Maroon

2011-07-23T15:30:00.000+02:00

"Dreamside Maroon" es un juego independiente de PC desarrollado por un grupo de estudiantes del Digipen Institute of Technology entre 2008 y 2009. Tras 14 meses de desarrollo, "Dreamside Maroon" fue elegido entre los ganadores de la categoría de juegos elaborados por estudiantes del Independent Games Festival de 2010. Además, fue finalista del Indie Game Challenge un año después.

El eje central del juego es la exploración. Nuestra labor como jugadores es controlar a un pequeño y tímido personaje equipado con una lámpara. Una enorme vid crecerá siguiendo la luz de la lámpara, por lo que orientando dicho objeto en diferentes direcciones podremos controlar el crecimiento de la planta y desplazarnos sobre ella a lo largo de los gigantescos escenarios del juego. Usando las teclas de dirección podemos mover la lámpara y elegir la dirección de crecimiento de la vid, mientras que con otra tecla la haremos crecer siguiendo la luz. En caso de que calculemos mal el espacio y nos quedemos atascados también contamos con la opción de hacer que la planta se retraiga y retroceda.

Puesto que lo que se desplaza es la planta, el personaje protagonista prácticamente no tiene ninguna movilidad. De hecho, salvo por la habilidad de saltar (esencial en un momento determinado del juego), el personaje no necesita moverse. Su objetivo es utilizar el descomunal crecimiento de la planta que hay a sus pies para abandonar la tierra y llegar nada más y nada menos que hasta la Luna.

Para llegar hasta el satélite primero tendremos que recorrer dos enormes escenarios en los que la sensación de espacio es la auténtica protagonista. Compuestos por una serie de islas flotantes en mitad del vacío, los escenarios ofrecen la posibilidad de que nos desplacemos por ellos en la dirección que queramos y de la forma que queramos. Evidentemente, nuestra labor es llegar hasta el punto más alto del escenario, lo cual nos permitirá acercarnos cada vez más al objetivo principal: alcanzar la Luna. Sin embargo, existen varios alicientes para explorar los diferentes recovecos de cada escenario.

La luz de nuestra lámpara nos permitirá encender una serie de pedestales diseminados por las islas flotantes, iluminándolas y atrayendo grupos de luciérnagas que volarán a su alrededor creando un mágico efecto de luz. Algunas de estas islas flotantes comenzarán a moverse y a desplegarse cuando nos acerquemos a ellas y otras, en cambio, encenderán auras de distintos colores a nuestro paso. Nuestra exploración, por tanto, modifica el terreno explorado y crea unos interesantes efectos de color e iluminación ideados para estimular nuestros sentidos.

El viaje de "Dreamside Maroon" es una experiencia relajante, ideal para desconectar del exterior y disfrutar de la sugerente banda sonora y de la estética de los escenarios. La propia exploración es en realidad el único objetivo del juego, quedando en segundo plano todo lo demás, como encontrar todos los puntos del espacio con los que se puede interactuar. El cuidado apartado artístico es, sin lugar a dudas, el mayor aliciente de "Dreamside Maroon".

El onirismo del juego se ve reforzado por las elegantes ilustraciones que nos narran la historia del personaje que pretende alcanzar la Luna y los fragmentos de poesía que aparecen en pantalla cada vez que encendemos uno de los pedestales que iluminan las islas flotantes. Haciendo gala de cierto minimalismo, el juego queda complementado con estos sencillos añadidos que enriquecen la experiencia.

Aunque su duración es limitada, se trata de un juego bastante rejugable, pues cada nuevo viaje supone un nuevo recorrido y una nueva oportunidad de disfrute sensorial. Todo aquel que aprecie este tipo de juegos, es decir, los juegos que se centran más en la estética que en proporcionar un desafío jugable, encontrará en "Dreamside Maroon" una pequeña joya a la que merece la pena dar una oportunidad.

El juego se puede descargar de forma gratuita desde su página web y es compatible con Windows.

Web de Dreamside Maroon
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[Cómic - Artículo] Eventos Marvel: World War Hulk

2011-05-23T13:00:00.002+02:00

En el verano de 2007, poco después de la vorágine que supuso "Civil War", Marvel organizó un nuevo evento centrado en Hulk. Dicho evento, titulado "World War Hulk", sería de una escala mucho menor que la exitosa Guerra Civil y derivaría directamente de "Planet Hulk", la principal línea argumental de la interesante etapa de Greg Pak como guionista de "The Incredible Hulk". A pesar de lo que podía sugerir el rimbombante título, la Guerra Mundial de Hulk tuvo un impacto reducido sobre el Universo Marvel, afectando únicamente a algunas series regulares y propiciando la publicación de algunos spin-offs. Nuevamente, la mayoría de estos spin-offs serían bastante tangenciales y, por tanto, prescindibles. El grueso del argumento se publicó en una miniserie independiente de cinco números (a los que se añaden un prólogo y un epílogo) que corrió a cargo de Greg Pak y John Romita Jr., mientras que el resto de derivados de este crossover se centraban principalmente en los daños colaterales producidos por el conflicto.

Si nos quedamos a un nivel superficial, "World War Hulk" se podría resumir de una forma muy sencilla: Hulk contra todos los héroes Marvel. En cambio, si profundizamos un poco en su lectura nos daremos cuenta de que el tema que trata es bastante más complejo: ¿Es Hulk realmente un monstruo? ¿Hasta qué punto un ser que ha sido odiado y perseguido desde que comenzó su existencia tiene derecho a reclamar justicia por todo lo que le han hecho?

La Guerra Mundial de Hulk tiene sus antecedentes más claros en los eventos previos a "Planet Hulk". En ellos, los Illuminati, el grupo secreto compuesto por algunos de los héroes más importantes de Marvel (Iron Man, Mister Fantástico, el Doctor Extraño y Rayo Negro), decidieron tomar una solución expeditiva al problema que suponían las continuas pérdidas de control del Goliat Esmeralda. Después de que el último arranque de ira de éste arrasase la ciudad de Las Vegas, los Illuminati tramaron un engaño para exiliar a Hulk al espacio (siendo ésta la razón por la cual Hulk no participó en "Civil War"). Sin duda, se trató de una medida extrema, sobre todo si tenemos en cuenta que los miembros de los Illuminati no sólo eran aliados del alter ego de Hulk, el Doctor Bruce Banner, sino también amigos suyos.

A pesar de que los Illuminati prometieron a Hulk que sería enviado a un planeta pacífico, la realidad fue bastante distinta. El exilio del Gigante Gamma le llevó al planeta Sakaar, un lugar salvaje gobernado por el despiadado Rey Rojo donde un debilitado Hulk se convirtió primero en esclavo y, posteriormente, en gladiador. Tras reunir a un grupo de guerreros rebeldes, Hulk lideró un alzamiento y derrocó al Rey Rojo, convirtiéndose en el nuevo monarca de Sakaar. El Goliat Esmeralda contrajo matrimonio con su amante, Caiera, una antigua esclava del Rey Rojo que luchó contra él en el alzamiento, convirtiéndola así en su reina. Parecía que Hulk había alcanzado al fin la paz cuando Caiera le reveló que estaba esperando un hijo suyo. Entonces, la nave que los Illuminati habían utilizado para exiliarle a Sakarr explotó, arrasando la capital del planeta y llevándose con ella miles de vidas, incluyendo las de Caiera y su hijo nonato.

Como era de esperar, la muerte de su esposa y de su hijo enfureció a Hulk más allá de toda medida. Culpando a los Illuminati, el Gigante Gamma volvió a la Tierra acompañado por sus ejércitos de Sakaar con la intención de hacer pagar a aquellos que le habían exiliado y le habían robado todo aquello que había llegado a importarle. Comienza así "World War Hulk", con Hulk y los guerreros de Sakaar arrasando la ciudad de Nueva York y derrotando a los Illuminati y a su aliados.

"World War Hulk" es un acercamiento muy interesante a la relación que los héroes Marvel tienen con el Goliat Esmeralda. Todos dicen ser sus amigos y querer ayudarle, pero son muy conscientes de la amenza que supone y de su potencial destructivo. De hecho, son capaces de actos de cuestionable moralidad con tal de detener a Hulk. A lo largo de "World War Hulk" vemos como Iron Man utiliza la fuerza bruta en lugar del diálogo o como Mister Fantástico trata de engañar a Hulk para poder derrotarle. El caso más extremo es el del Doctor Extraño, quien ya exiliase al Gigante Gamma a otra dimensión en el pasado, que llega a beberse el alma de un demonio para utilizar su poder contra Hulk. ¿Quién es entonces el verdadero villano de esta historia?

En "World War Hulk" no están claros los límites entre el bien y el mal. ¿Hulk busca justicia o simplemente venganza? ¿La necesidad de detener la amenaza de Hulk justifica las medidas extremas llevadas a cabo por los autodenominados héroes? ¿Quién tiene razón? ¿Quién tiene que pagar por lo sucedido?

Estas interesante premisas vienen acompañadas, indudablemente, por un festival de golpes y peleas despiadadas. Hulk lucha contra todos los héroes Marvel... y los derrota. En "World War Hulk" abundas las escenas de destrucción y las muestras de violencia por parte del Gigante Gamma. Por ejemplo, en uno de los momentos más escalofriantes de la saga Hulk llega a aplastar las manos del Doctor Extraño. El momento cumbre llega con el enfrentamiento entre Hulk y el héroe más poderoso del Universo Marvel: el Vigía. Dotado con el poder de un millón de soles en explosión, pero limitado por sus trastornos mentales (esquizofrenia y agorafobia), el Vigía es el superhéroe más inestable de todos. Recurrir a él es tentar a la suerte, pues si pierde el control podría ser infinitamente más peligroso que Hulk.

No obstante, no es la fuerza bruta la que decide la conclusión del conflicto. Es la bondad, la compasión y la capacidad de sacrificio de Bruce Banner, el alter ego de Hulk, la que demuestra ser mucho más potente que la ira del Goliat Esmeralda.

Mientras que el grueso del conflicto se desarrolla en la miniserie central, algunos de los spin-offs resultan una lectura complementaria realmente interesante. Es el caso de los números de "The Incredible Hulk" que se publicaron de forma paralela, donde el protagonismo recaía en el joven Amadeus Cho y un heterogéneo grupo de aliados compuesto por Hércules, Namora y Arcángel. Guionizados también por Greg Pak, estos números ahondan en el conflicto desde el punto de vista de Amadeus Cho y de Rick Jones, probablemente los únicos amigos verdaderos que ha tenido el Gigante Gamma en toda su historia. Estos número suponen también el inicio de la amistad entre Amadeus Cho y Hércules, que posteriormente protagonizarían una interesante etapa en la colección de este último que también fue guionizada por Pak.

El resto de spin-offs son en el mejor de los casos pasables, pero no aportan nada nuevo a la lectura de "World War Hulk". Algunos de ellos, como "World War Hullk: X-Men" están tan cogidos por los pelos que sorprende que tengan alguna relación con el evento principal.

Pasando a un apartado más técnico, debemos hablar del trabajo de los dibujantes implicados en "World War Hulk". La miniserie central corrió a cargo de John Romita Jr., veterano dibujante de Marvel entre cuyas obras más recientes destacan su etapa en la serie de Lobezno junto a Mark Millar y la popular "Kick Ass" (que fue adaptada al cine). El estilo de Romita Jr. casa perfectamente con el personaje de Hulk, al que representa con la suficiente credibilidad y contundencia. No sucede lo mismo con el resto de personajes que participan en la historia, con énfasis especial en los Vengadores, a los que caracteriza de forma bastante deficiente. Irónicamente, en la actualidad Romita Jr. es el dibujante de una de las colecciones regulares de los Vengadores.

En algunos momento el dibujo resulta espectacular, con decenas de personajes aporreándose en una misma página. En otros en cambio, resulta vago y reduccionista hasta el extremo, con páginas en las que Romita Jr. no dibuja más que escombros informes. Por tanto, a nivel gráfico "World War Hulk"resulta un tanto irregular. Evidentemente, el gusto por el estilo del dibujante influye de forma notable en esta percepción y he de confesar que Romita Jr. hace años que dejó de ser santo de mi devoción.

Por otro lado, además de las portadas del propio Romita Jr. (que por cierto formaban una única ilustración compuesta por cinco partes), David Finch se encargó de dibujar las portadas alternativas, cada cual más horrible que la anterior. Todo músculos, venas a punto de reventar y rallajos por todas partes. En ese sentido, "World War Hulk" deja mucho que desear en cuanto al apartado gráfico. Por suerte, los guiones de Greg Pak salvan una obra cuyo principal atractivo es el desarrollo del argumento en lugar del dibujo.

"World War Hulk" no deja de ser un evento menor, pero gracias a la hábil mano de Greg Pak consigue destacar en ciertos aspectos, como la caracterización de los personajes (destacando especialmente el propio Hulk y Amadeus Cho), la exploración de conceptos como los límites morales a los que están dispuestos a llegar los héroes con tal de detener al Gigante Gamma o el potencial dramático que supone desvelar el misterio tras la tragedia acontecida en la conclusión de "Planet Hulk". Muy buenas ideas que, además, están muy bien desarrolladas y conducen a una interesante conclusión cargada de potencial. Tristemente, este potencial nunca llegó a materializarse. Tras "World War Hulk", Greg Pak se centró en otros proyectos (concretamente en "The Incredible Hercules", donde seguiría narrando las aventuras de Amadeus Cho) y dejó a Hulk en manos de otros autores, Jeph Loeb y Ed McGuinness, que cambiaron radicalmente el rumbo del personaje con la presentación del Hulk Rojo y el inicio de la etapa más absurda que ha vivido la colección en las últimas décadas.

[Cine] Christopher And His Kind

2011-05-14T19:00:00.003+02:00

Entre sus muchas producciones de calidad, la BBC destaca especialmente por sus dramas históricos. Los argumentos costumbristas y las biografías de personajes notorios del Reino Unido constituyen una combinación excelente para la pequeña pantalla. Aunque el resultado de dicha combinación no suele llamar mucho la atención más allá de las fronteras británicas, es innegable que la cadena ha producido algunos productos que rozan la excelencia. Superando los ajustados presupuestos de rodaje con inteligencia y alejándose del puritanismo que lastra las producciones de otros paises, especialmente las americanas, las producciones de la BBC destilan sinceridad y buen hacer. Sin duda, era la cadena ideal para producir un largometraje televisivo basado en la autobiografía del brillante escritor homosexual Christopher Isherwood.

"Christopher And His Kind" es un largometraje para televisión basado en la autobiografía homónima de Christopher Isherwood, en la cual narró sus vivencias durante la época en la que produjo sus obras más célebres: los años que pasó en la ciudad de Berlín al principio de la década de 1930. En esos años se gestó "Adiós a Berlín", una novela de atípica estructura (pues más que una obra narrativa al uso parece una recopilación de diarios) que constituye una de las mejores aportaciones de Isherwood a la literatura. "Adiós a Berlín" narra con un humor sutil e inteligente una suerte de sátira de los personajes que el escritor conoció en la urbe alemana durante la ascensión del nazismo. En esta novela los límites entre los hechos reales y la ficción quedan algo desdibujados, hasta el punto de que el Christopher Isherwood que narra en primera persona "Adiós a Berlín" bien podría ser un personaje ficticio en lugar del reflejo del auténtico escritor británico. Los eventos narrados en "Adiós a Berlín" en 1939 fueron revisados en 1976 por el propio Isherwood cuando escribió su autobiografía. En ella hizo pública su homosexualidad y narró sus verdaderas experiencias durante los años que pasó en Alemania.

Teniendo esto en cuenta, la adaptación televisiva de "Christopher And His Kind" comienza con un Christopher Isherwood ya anciano que trabaja en su autobiografía. A modo de flashback, la historia se traslada a Inglaterra en 1931, año en que Isherwood decide abandonar su hogar para seguir a su amigo, el poeta Wystan Auden, hasta Berlín. Son muchos los motivos que llevan al escritor a viajar hasta Alemania. Cabría mencionar la tensa y difícil relación que compartía con su madre (la cual, por cierto, inspiró una de sus obras). Sin embargo, el principal motivo por el que decide trasladarse a Berlín es la floreciente subcultura homosexual que se está desarrollando allí.

De camino a Berlín, Isherwood conoce a un hombre llamado Gerald Hamilton. Éste invita al escritor a trasladarse a la casa de huéspedes en la que reside. Regentada por Fräulein Thurau, la residencia está habitada por unos inquilinos verdaderamente peculiares. En una época de profunda depresión económica, la prostitución y otras actividades de dudosa moralidad unen fuerzas con la incipiente liberación sexual para generar un cóctel tan extraño como atractivo. Rameras, artistas de cabaret y homosexuales tratan de ganarse la vida como buenamente pueden, disfrutando al máximo del proceso.

Guiado por su amigo Auden, Isherwood comienza a visitar un club nocturno, el Cosy Corner, donde chicos jóvenes ofrecen sus servicios a cualquiera que pueda pagarlos. Inmediatamente se siente atraído por uno de los chicos, un muchacho llamado Caspar, con el que comienza una intensa relación con un marcado componente sexual. Mientras tanto, el escritor comienza a trabajar dando clases de inglés, compaginando la enseñanza con la escritura y sumergiéndose ocasionalmente en el secreto mundo homosexual berlinés.

Tras su tumultuosa relación con Caspar, dos personas ejercerán una influencia fundamental en la vida de Isherwood. La primera es Jean Ross, una aspirante a actriz de escaso talento que canta en un cabaret. Su falta de talento la compensa con un arrojo y una vitalidad envidiables, erigiéndose en una figura desinhibida y alegre que esconde una personalidad compleja y problemática. La otra es un muchacho llamado Heinz, procedente de una familia humilde y prácticamente arruinada, del que Isherwood se enamorará perdidamente. Esta relación no será vista con buenos ojos por el hermano de Heinz, un simpatizante del partido nazi que aborrece el estilo de vida del escritor.

Más allá de relatar las experiencias de Isherwood, "Christopher And His Kind" es el retrato de una época y de una sociedad. Junto al creciente movimiento subcultural y a la liberación sexual, el nazismo comienza su carrera hacia el poder. En el Berlín de los años 30 conviven dos mundos distintos: por un lado, la sociedad intelectual, promiscua y hedonista y, por otro, la sociedad empobrecida que comienza a reclamar su orgullo nacional guiada por la doctrina nazi. Alejándose tanto de cualquier sensacionalismo como de cualquier intento de justificación, la película narra con objetividad la transformación de una sociedad alegre y liberal en un régimen fanático y autodestructivo. El largometraje acierta sin duda al mostrar el rostro más fascinante del Berlín de esos años: el rostro de una ciudad que disfruta de sí misma mientras se encamina irremediablemente hacia la tragedia.

El ingenioso sentido del humor de "Adiós a Berlín" está presente en la película, pero encuentra su contrapunto en la amenaza nazi. Ésta, sin embargo, se perfila desde una perspectiva poco común en el cine. En lugar de centrarse en las grandilocuentes manifestaciones y desfiles, el largometraje se centra en lo que supuso el nazismo a un nivel más mundano: las agresiones llevadas a cabo por los simpatizantes de la doctrina nazi, la emisión de propaganda, la quema de libros, etc. Lo importante en esta narración no son los actos del nazismo en sí, sino la forma en la que afectan a la sociedad berlinesa. En este sentido, vemos distintas posturas que nos ayudan a comprender cómo era aquel caldo de cultivo que acabó generando ese movimiento tan deleznable. Vemos, por ejemplo, al empresario judío que sabe lo que augura la asecensión del partido nazi, pero que es incapaz de hacer nada al respecto, o al alemán de clase media que ha visto su vida arruinada por la crisis económica y reconoce en la doctrina nazi la única esperanza que le queda para recuperar algo de dignidad.

La interpretación de Christopher Isherwood corre a cargo del estupendo Matt Smith, actor muy popular en el Reino Unido desde que obtuvo el papel del Doctor en la célebre serie "Doctor Who". Aunque su elección conllevó cierta polémica (motivada por las escenas de sexo del largometraje), el hecho es que Smith supo diferenciar de forma brillante su papel como Doctor de su interpretación de Isherwood, con quien además comparte cierto parecido físico. Este papel constituye uno de sus mejores trabajos hasta la fecha y ha servido para demostrar que se mueve con la misma facilidad por el género cómico que por el dramático.

Por su parte, Jean Ross está interpretada por la guapa y prometedora actriz Imogen Poots. Aunque es poco conocida, ha participado en películas como "V de Vendetta" (interpretando a la joven Valerie) y "28 Semanas Después" (donde interpretó a Tammy). Su papel en "Christopher And His Kind" fue sin lugar a dudas un reto. Es necesario mencionar que Jean Ross inspiró al personaje más carismático de "Adiós a Berlín": Sally Bowles. Este personaje inspiró posteriormente la obra de teatro "I Am a Camera", que inspiró a su vez la famosa película musical de 1972 "Cabaret", protagonizada por Liza Minnelli. Por tanto, Imogen Poots interpreta a la persona real que inspiró al mítico personaje inmortalizado por Liza Minnelli en "Cabaret". La joven actriz consigue salir airosa del desafío gracias a su fantástica interpretación de Jean Ross, a la que dota de la vitalidad y la ambivalencia que caracterizan a su sosías literario.

Finalmente, el papel de Heinz recae sobre Douglas Booth, joven actor muy poco conocido salvo por su aparición en alguna teleserie inglesa y en una película en la que compartió protagonismo con Miley Cirus. Se trata de una elección que, posiblemente, obedece más a su aspecto físico que a sus dotes interpretativas, pues su papel en la película queda bastante ensombrecido por el arrollador carisma de Matt Smith e Imogen Poots. Sin duda ofrece el aspecto de muchacho guapo, inocente y desvalido que requiere el guión, pero queda lejos de las actuaciones del resto del reparto.

No podemos acabar el apartado dedicado a los actores sin mencionar a Lindsay Duncan, veterana actriz británica conocida por los seguidores de "Doctor Who" (interpretó a Adelaide Brooke en el especial "Las Aguas de Marte") que da vida a la madre de Christopher Isherwood. La química entre ella y Matt Smith en pantalla da lugar a unas intensas escenas en las que se intuye la tortuosa relación de amor-odio que el escritor compartía con su progenitora.

Como toda producción de la BBC, "Christopher And His Kind" destila sutileza y buen gusto. Rodada en Belfast, la película proporciona una fiel imagen del Berlín anterior a la Segunda Guerra Mundial. Fotografía y vestuario están cuidados hasta el más mínimo detalle y la banda sonora goza de algunos temas realmente bonitos, que van desde los imprescindibles números de cabaret hasta los temas melódicos más sugerentes.

A pesar de que cuenta con algunas escenas algo subidas de tono, el largometraje permanece en perfecto equilibrio entre lo explícito y lo sutil, inclinándose más hacia este segundo polo. La sensibilidad con la que está narrado se hace patente en las escenas más conmovedoras, capaces de mostrar con gran honestidad y con una total naturalidad la relación entre los dos protagonistas, su evolución a lo largo de los años y las consecuencias a las que se vio sometida por culpa del nazismo.

En resumen, "Christopher And His Kind" resulta recomendable por varias razones: por su fiel reflejo de un periodo histórico absolutamente fascinante, por su agudo y elegante sentido del humor (heredero directo de "Adiós a Berlín"), por sus contundentes interpretaciones y por la honestidad de su planteamiento. A pesar de ser una película hasta cierto punto desconocida y que parece dirigida a un público muy concreto, lo cierto es que su calidad intrínseca merece una mayor consideración.

[Cómic - Artículo] Eventos Marvel: Civil War

2011-05-02T21:00:00.003+02:00

Con la franquicia de los Vengadores convertida en el eje central de todo cuanto sucedía en el Universo Marvel, el siguiente evento de la editorial tras "Dinastía de M" provocó un auténtico cisma en las filas de los Héroes Más Poderosos de la Tierra que obligó a la práctica totalidad de los personajes Marvel a polarizarse en un bando u otro. Ambos bandos acabarían enfrentándose en una sangrienta guerra civil que no estuvo exenta de bajas y que, como venía siendo costumbre, cambiaría el status quo del Universo Marvel. Al menos, hasta el siguiente gran evento.

"Civil War" comenzó a gestarse en una de las reuniones periódicas entre los editores de las diferentes colecciones del Universo Marvel. Tras el éxito del gran evento anterior era necesario organizar un nuevo evento que superase a éste en todos los aspectos y que acaparase la atención de los lectores. El argumento se basó en una idea del guionista de "Nuevos Vengadores", Brian Michael Bendis, que pensaba aplicarla en su serie. Bendis pensaba crear una trama en la que el gobierno obligase a los superhéroes a registrarse, quedando la organización de contraespionaje S.H.I.E.L.D. encargada de perseguir a aquellos que rechazasen el registro. Sin embargo, se consideró que aquella trama no albergaba suficiente interés como para convertirla en un gran evento hasta que el guionista Jeph Loeb sugirió que fusen los propios superhéroes los que se enfrentasen entre ellos a raíz del registro.

Con esto en mente, editores y guionistas, bajo la supervisión del editor ejecutivo Tom Brevoort, elaboraron un complejo plan que afectaría a la práctica totalidad del Universo Marvel y agitaría una vez más el status quo. Para materializar este nuevo evento utilizaron la misma estrategia empleada en "Dinastía de M": los eventos principales se narrarían en una miniserie que pudiese ser leída de forma independiente, aunque casi todos los títulos de la editorial se verían directamente afectados por lo que en ella se narrase y durante varios meses llevarían la coletilla de "Civil War". No obstante, el número de spin-offs de este evento superó con creces al de "Dinastía de M", llegando a abarcar más de cincuenta números entre precuelas y eventos directamente relacionados con la guerra civil. Evidentemente, la gran mayoría de estos spin-offs no sólo no eran necesarios sino que eran absolutamente prescindibles. Otros, en cambio, resultaban necesarios para poder entenderlo todo. En este evento concreto, distinguir cuál pertenecía a cada categoría resultó algo más difícil que de costumbre.

La responsabilidad de desarrollar la serie principal de "Civil War" recayó sobre el guionista Mark Millar, famoso por sus guiones polémicos y comprometidos política y socialmente ("The Authority", "The Ultimates"), y el dibujante Steve McNiven, uno de los nuevos talentos de la editorial que había despuntado gracias a sus trabajos previos ("Marvel Knights: 4", "Nuevos Vengadores"). Junto a McNiven, el tristemente fallecido dibujante Michael Turner se encargaría de las impactantes portadas alternativas de la miniserie.

Centrándonos en el argumento, éste comienza con los Nuevos Guerreros. Este grupo de superhéroes había accedido a protagonizar un reality show televisivo en el que capturaban en directo a villanos de poca monta. En la ciudad de Stamford, los Nuevos Guerreros encuentran a un grupo de villanos compuesto por Frialdad, Speedfreek, el Hombre de Cobalto y Nitro y se lanzan a deternerlos delante de las cámaras. Cuando los villanos parecen haber sido derrotados, Nitro huye, llevando la pelea hasta las cercanías de un colegio. En ese momento, el villano desata sus poderes explosivos, devastando la ciudad y dejando centenares de muertos... entre ellos casi todos los niños del colegio.

La tragedia subsiguiente conmociona a la población de Estados Unidos y pone sobre la mesa una importante pregunta: ¿qué derecho tienen los superhéroes a actuar al margen de la ley? La madre de uno de los niños fallecidos en Stamford se convierte en activista política a favor de una propuesta de ley que obliga a todos aquellos que posean superpoderes a registrarse ante las autoridades. Dicho proyecto de ley, llamado Acta de Registro, supondría el fin de los superhéroes enmascarados, que tendrán que hacer pública su identidad y ser supervisados por las autoridades federales. De esta forma se evitaría que se volviesen a repetir incidentes como el de Stamford.

En un clima social cada vez más hostil hacia los superhéroes (la Antorcha Humana, antes uno de los héroes más populares de Nueva York, llega a ser víctima de una paliza por parte de un grupo de civiles), S.H.I.E.L.D. reclama al Capitán América. María Hill, directora de la organización en ausencia de Nick Furia, quiere contar con el Capitán para que persiga a cualquier superhéroe que se niegue a registrarse. Éste, que ha dedicado toda su trayectoria a la defensa de las libertades civiles por encima de cualquier otra cosa, se niega a obedecer a S.H.I.E.L.D., convirtiéndose por tanto en fugitivo de la justicia y protagonizando una espectacular huída.

Mientras tanto, el Acta de Registro es finalmente aprobada, contando el bando pro-registro con tres de los pesos pesados del Universo Marvel: Iron Man, Mister Fantástico y Chaqueta Amarilla. Su misión no sólo consistirá en perseguir a todo aquel que no esté registrado, sino en formar a toda una nueva generación de héroes supervisados por el estado en un proyecto denominado "La Iniciativa". Por otro lado, el Capitán América reúne a varios héroes afines a su filosofía y forma el bando anti-registro, que continuará capturando supervillanos actuando en la clandestinidad. El choque entre ambos bandos no tarda mucho en consumarse, convirtiéndose en una auténtica guerra civil entre superhéroes que enfrenta a personajes que no sólo habían sido aliados, sino que habían sido amigos.

En manos de Millar, el argumento de esta guerra civil se convierte en una poco sutil crítica a la política estadounidense del momento ("Civil War" se publicó en 2007). De hecho, no es muy difícil establecer paralelismos entre la tragedia de Stamford y la del 11S, entre el Acta de Registro y el Acta Patriótica promulgada por la administración Bush o entre la prisión en la que se recluyen los héroes que se niegan a registrarse y Guantánamo. Durante la lectura de "Civil War" hay una pregunta siempre presente: ¿hasta qué punto estamos dispuestos a sacrificar las libertades civiles para garantizar nuestra seguridad frente a actos terroristas? La respuesta de los diversos héroes al Acta de Registro supone diferentes puntos de vista acerca de esta cuestión.

Iron Man, como industrial y fabricante de armas bajo su alter ego Tony Stark, ha trabajado ocasionalmente para el gobierno e incluso le ha suministrado armas y material tecnológico a agencias federales como S.H.I.E.L.D. En ese sentido, parece lógico su apoyo al Acta de Registro para garantizar la seguridad de la sociedad que sus inventos ayudan a defender. El caso del Capitán América es algo más complejo, pues a pesar de ser considerado un símbolo de la política estadounidense, el personaje siempre ha encarnado los más altos ideales de su nación (a la cual ha llegado a dar la espalda en ocasiones, renunciando a su identidad de Capitán América cuando su país se alejaba de dichos ideales). Por lo tanto, como defensor de los derechos civiles, el Capitán adopta una postura contraria al Acta de Registro aunque eso signifique convertirse en un criminal perseguido por la ley.

Como era de esperar, los héroes callejeros como Luke Cage y Daredevil se posicionan inmediatamente en el bando anti-registro junto al Capitán América. Los mutantes, en cambio, inmersos en sus propios problemas desde "Dinastía de M", se declaran neutrales, quedando su intervención en la guerra civil limitada a un spin-off en forma de miniserie que tiene más que ver con el trabajo del guionista David Hine ("Distrito X", "Mutopía", "Los 198") en la franquicia mutante que con la propia "Civil War". Definitivamente, los mutantes habían dejado de ser el centro del Universo Marvel.

Hay otros casos más extremos, como el de Spiderman. Antes de que estallase la guerra civil, Peter Parker se había convertido en miembro de los Vengadores, trabando una gran amistad con Iron Man. Incluso había comenzado a vestir un nuevo disfraz arácnido diseñado por éste. Tony no sólo era un ejemplo de hombre de éxito, sino también una especie de figura paternal para Peter. Tan importante es la relación que se había establecido entre ambos, que Peter decide posicionarse en un primer momento en el bando pro-registro, llegando a desenmascararse públicamente delante de las cámaras (y produciéndole un síncope a J. J. Jameson en el proceso).

Las escisiones no se hacen esperar. Los miembros de los Vengadores se reparten entre ambos bandos y las tensiones comienzan a hacer mella en los Cuatro Fantásticos. Algunos personajes cambian inesperadamente de bando, mientras que otros eligen un bando en el que no son bienvenidos (es el caso, por ejemplo, del Castigador). Las batallas entre ambos bandos son puntuales, pero brutales y sangrientas, llegando a producirse varias bajas. Aunque esto es engañoso, pues entre los personajes fallecidos sólo encontramos personajes que son, como mucho, secundarios. Si bien es cierto que el hecho de que sean secundarios otorga mayor veracidad a sus muertes al saber que no serán resucitados próximamente para cumplir con sus compromisos editoriales.

Aunque la intención original del guionista es mostrar que ambos bandos defienden posturas completamente comprensibles y que el cisma se debe únicamente a diferentes posturas ideológicas, las medidas llevadas a cabo por el bando pro-registro (como el hecho de clonar al desaparecido Thor para multiplicar sus posibilidades de victoria, de encerrar sin juicio a los rebeldes anti-registro en una prisión o de aceptar la ayuda de supervillanos a las órdenes del gobierno) resultan muy discutibles. Este bando se gana rápidamente a antipatía del lector, que inevitablemente se posiciona en el bando del Capitán América. En este aspecto, la serie fracasa al no mostrar dos posturas perfectamente justificables, sino dos posturas completamente desiguales. Lo cierto es que ambos bandos tienen buenas razones para justificar su postura independientemente de los medios que usen, aunque hay que recurrir a historias ajenas a la miniserie "Civil War" para comprenderlas. Por ejemplo, para comprender la postura de Iron Man en toda su complejidad es imprescindible leer "Civil War: Iron Man" y "Civil War: La Confesión".

A pesar de todo, el guión de Millar cumple con su cometido y mantiene el interés. No es su mejor obra y obviamente se queda lejos de otros trabajos mucho más personales y mucho más comprometidos y controvertidos como "The Ultimates", pero no se puede exigir más a un evento que estaba constreñido por la férrea política editorial.

En cuanto al trabajo del dibujante, el trazo realista de Steve McNiven se muestra adecuado para ilustrar esta historia con tintes políticos, aunque sus versiones de algunos personajes tienen ciertas carencias. No obstante, el buen nivel gráfico de "Civil War" se mantiene en toda la miniserie, albergando algunos momentos de gran potencia narrativa. Por su parte, las portadas alternativas de Michael Turner, con sus característicos personajes estilizados, resultan espectaculares y gozan de un coloreado absolutamente magistral. Sin duda, constituyen un trabajo memorable.

Entrando en una valoración más subjetiva, uno de los aspectos más criticables de este evento es su resolución, que muchos consideran un simple bluff para atraer la atención mediática. "Civil War" fue un evento que disfrutó de un fuerte apoyo mediático no sólo por parte de la propia editorial, sino también de los medios de comunicación generalistas cuando se hizo pública la consecuencia principal tras su final: la muerte del Capitán América.

Aunque no se narra en la serie "Civil War" sino en la cabecera del Capitán América, la muerte de este personaje se considera generalmente un efecto directo de lo sucedido durante este evento. No se puede estar más equivocado, pues la muerte del Capitán tiene poco que ver con "Civil War" y mucho con los planes del guionista Ed Brubaker, artífice tanto de su muerte como de toda la cadena de acontecimientos que desembocaron en "Capitán América: Renacimiento".

Una vez más, un gran evento Marvel se convierte en el motor de los acontecimientos subsiguientes en cada una de las series regulares (que, como es costumbre tras un acontecimiento de esta magnitud, crecieron en número). El fin de "Civil War" supuso el principio de "La Iniciativa", la disolución de los Cuatro Fantásticos y la creación de un nuevo equivo fantástico, la escisión de los Vengadores en Nuevos Vengadores y Poderosos Vengadores, la formación de un nuevo grupo de Thunderbolts formado por villanos a las órdenes del gobierno, una crisis sin precedentes para Spiderman...

Aunque "Civil War" es un producto que debe ser alabado por su valentía a la hora de elegir una temática tan de actualidad como la polémica entre seguridad y derechos civiles, adolece del mismo problema que el resto de eventos Marvel de los últimos años: no obedece a motivos creativos, sino a motivos editoriales (que son en última instancia motivos económicos, pues lo que interesa a las editoriales son las ventas por encima de todo). "Civil War" es un producto que no deriva de forma natural de la situación del Universo Marvel, sino que supone un "borrón y cuenta nueva" y el planteamiento de un nuevo status quo cuando el status quo establecido por el evento anterior apenas se había cimentado. Y, desgraciadamente, el nuevo status quo tras "Civil War", materializado en los eventos relacionados con "La Inicitiva", sólo duraría hasta la presentación del siguiente gran evento editorial. De esta forma, lo que podría haber sido un auténtico punto de inflexión recordado durante años se vio pronto diluido por el siguiente acontecimiento Marvel: "Invasión Secreta".

[Videojuegos - Impresiones] Outland

2011-04-29T23:00:00.001+02:00

Una vez más nos llega sin hacer mucho ruido una interesante propuesta jugable de estética peculiar a las plataformas de descarga de Xbox Live Arcade y PlayStation Network (ya se encuentra disponible en la primera de ellas, aunque su lanzamiento en la segunda se ha visto demorado debido a los recientes problemas que está sufriendo). Se trata de "Outland", un juego de acción y plataformas desarrollado por la finlandesa Housemarque, responsable de otros juegos descargables de PlayStation Network como "Super Stardust HD" y "Dead Nation".

Partiendo de una historia a priori bastante manida, "Outland" nos propone un planteamiento muy similar al de clásicos como el "Prince of Persia" original, desafiándonos a recorrer una serie de escenarios en 2D plagados de obstáculos de diversa índole y a enfrentarnos a múltiples enemigos usando nuestra espada. No obstante, decir que es un típico juego de plataformas con algunos combates sería ser excesivamente reduccionista. Por tanto, vamos a comentar qué nos ofrece tras sus primeros momentos de juego.

La introducción nos pone en el papel de un hombre acosado por extrañas visiones que acude a un viejo chamán para que le ayude a descifrar el significado que dichas visiones pueden encerrar. Éstas hacen referencia a los eventos sucedidos en tiempos mitológicos, 30.000 años atrás, cuando dos hermanas, una hecha de luz y otra hecha de oscuridad, trataron de destruir el mundo que ellas mismas habían ayudado a crear. Un valeroso guerrero ancestral se enfrentó a ellas y las derrotó, pero ahora los poderes de la luz y de la oscuridad comienzan de nuevo a abrirse paso hacia el mundo. Ha llegado el momento de que el mítico guerrero renazca a través de nuestro protagonista.

Así comienza el juego, dejándonos a los mandos del anónimo protagonista en la choza del chamán. Tendremos entonces que recorrer una selva repleta de trampas y peligros en busca de los templos que despierten el poder del guerrero ancestral en nosotros. En un determinado momento, viviremos un auténtico flashback que nos devolverá a ese pasado mitológico y nos pondrá directamente a los mandos del guerrero del pasado. A partir de ahí, la responsabilidad de lo que sucede recaerá sobre nosotros.

El hecho de tener que encontrar los lugares concretos en donde podremos acceder a las nuevas habilidades, como empuñar la espada o deslizarnos por el suelo, recuerda poderosamente al plateamiento de otros juegos en 2D como los de las franquicias "Metroid" o "Castlevania". Nuevas habilidades nos permitirán acceder a nuevas zonas, pudiendo regresar sobre nuestros pasos para encontrar caminos que antes nos habían pasado desapercibidos. Esto es especialmente útil para encontrar todos los artefactos divinos que se encuentran dispersos por los escenarios, pues al reunirlos podremos desbloquear nuevos elementos del juego.

No debemos obviar la presencia de diversos tipos de enemigos, que se encargarán de ponernos las cosas difíciles en algunos momentos, ya que desde el primer momento demostrarán ser bastante resistentes a nuestros ataques. Junto a los enemigos encontraremos trampas de diversa índole que van desde las clásicas estacas en el suelo a llamaradas de energía de diversos tipos que nos dañarán si nos acercamos a ellas imprudentemente.

Un aspecto importante es el uso que se hace de la "energía espiritual", la cual se muestra de dos formas diferentes, correspondiéndole un color (azul o rojo) a cada una de ellas. Una vez nuestro personaje alcance el dominio sobre la energía espiritual podrá alternar entre la energía azul o roja. Esto es especialmente importante para solventar los obstáculos, pues una llamarada de un color determinado no nos hará nada si nos encontramos utilizando la energía de ese color en el momento en el que la atravesamos. De igual forma, sólo podremos subir a las plataformas móviles del color que se corresponda con el que estamos usando, teniendo que alternar entre ambos en pleno salto para poder recorrer algunos escenarios. En cambio, si nos encontramos con un enemigo de un color concreto tendremos que usar la energía espiritual del color opuesto para poder hacerle daño, pues de lo contrario no podremos herirle.

La mecánica de los combates es simple, aunque tendremos varios movimientos de ataque a nuestra disposición. Al derrotar a los enemigos éstos nos otorgarán una recompensa en forma de doblones que podremos usar posteriormente. Como nuestra cantidad de vida es bastante limitada al inicio del juego, los puntos de guardado son bastante frecuentes. No se trata de un juego fácil y es posible que muramos varias veces en la resolución de alguno de los escenarios o en el combate contra algún enemigo.

Además del modo historia, en el cual también tendremos que enfrentarnos a grandes jefes finales que recuerdan poderosamente a los Colosos de "Shadow of the Colossus", "Outland" también cuenta con un modo cooperativo que nos permite avanzar en el juego con la ayuda de un compañero.

Sin embargo, a pesar de su jugabilidad engañosamente sencilla y de su potencial adictivo, el verdadero punto fuente de "Outland" es su apartado artístico. El diseño de escenarios no sólo es inteligente, sino que es absolutamente precioso y demuestra un gusto por el detalle que roza lo exquisito. El uso de los efectos de luz y la elección de los colores construyen un ambiente con una estética muy peculiar y sugerente. Los deliciosos fondos cuentan con elementos que a ratos recuerdan a civilizaciones reales largo tiempo desaparecidas y a ratos se sumergen en la fantasía más pura, por lo que el juego se encuentra siempre a medio camino entre la realidad y el mito. Las 2D no suponen ninguna limitación en el plano artístico a pesar de la relativa sencillez del personaje protagonista y de sus enemigos, pues "Outland" consigue desmarcarse de otros juegos en 2D con una estética propia en la que el color tiene un papel primordial.

Semejante apartado gráfico necesitaba un acompañamiento a la altura y la banda sonora, artífice del compositor Ari Pulkkinen (quien también dotara de música al preciosista "Trine"), no se queda atrás. Con un ligero toque exótico acorde con los escenarios y la ambientación mitológica, la banda sonora nos acompaña con melodías suaves e inmersivas de gran belleza.

En conclusión, con un apartado jugable desarrollado de forma correcta, una estética visualmente atractiva y una banda sonora de lo más sugerente, "Outland" se ha convertido inmediatamente en una opción a tener en cuenta a la hora de gastar nuestro dinero en un juego descargable. Como suele suceder con estas pequeñas joyas, "Outland" llega sin hacer apenas ruido. Sin embargo, no hace falta nada más que probarlo para comprobar que se trata de un juego que merece ser jugado y disfrutado.

[Cómic - Artículo] Eventos Marvel: Dinastía de M

2011-04-17T16:30:00.000+02:00

Ante la inminencia del nuevo gran evento Marvel de la temporada, "Fear Itself", es buen momento para echar la vista atrás y dedicar una serie de artículos a repasar los eventos publicados por la editorial a lo largo de los últimos años. Comenzamos por "House of M" ("Dinastía de M"), evento capital en la trayectoria reciente de la Casa de las Ideas por tres razones. En primer lugar, supuso un cambio en la política de publicación de eventos que había mantenido la editorial hasta el momento, abandonando los crossovers que saltaban de una serie a ahora y abogando por una serie limitada que narrase el argumento principal y diversos spin-offs complementarios. En segundo lugar, supuso un traspaso del protagonismo de los X-Men, tradicionalmente el eje central de los eventos periódicos de Marvel, a los Vengadores, franquicia que se encontraba en auge tras la radical remodelación llevada a cabo por el guionista Brian Michael Bendis (quien también guionizó "Dinastía de M"). En tercer y último lugar, supuso un cambio considerable en el status quo del Universo Marvel, especialmente en lo referente a la franquicia mutante, y sus consecuencias aún pueden sentirse a día de hoy en este universo de ficción.

"Dinastía de M" deriva directamente de lo acontecido durante la saga "Vengadores Desunidos", primera parte del gran plan de Bendis para remozar la franquicia de los Héroes Más Poderosos de la Tierra. En dicha saga, Wanda Maximoff, la Bruja Escarlata, miembro de los Vengadores e hija del villano Magneto, sufrió una crisis nerviosa que le llevó a perder el control sobre sus poderes alteradores de la realidad. Como consecuencia, varios de sus compañeros Vengadores perdieron la vida y el cuartel general del grupo fue destruido, lo que supuso la desbandada de sus miembros. Finalmente, Magneto apareció en el último momento para llevarse a su maltrecha hija en un desesperado intento por ayudarla.

Magneto llevó a Wanda a las ruinas de Genosha, donde recurrió a la ayuda de Charles Xavier, fundador y mentor de los X-Men. Durante meses, Xavier trató de reparar la fracturada psique de Wanda, pero a medida que ésta perdía el control sobre sus poderes perdía también el contacto con la realidad (esto pudo verse en los últimos números de "Excalibur" guionizados por Chris Claremont). Ni siquiera la ayuda del Dr. Extraño, maestro de las artes místicas, pudo ayudar a la hija de Magneto. Puesto que los poderes alteradores de la realidad de Wanda estaban descontrolados y amenazaban con remodelar el mundo en un parpadeo, Xavier abandonó Genosha para reunirse con los Nuevos Vengadores (el nuevo grupo surgido tras la desintegración del anterior como consecuencia de la crisis de la Bruja Escarlata) y los X-Men. Ambos grupos volverían a Genosha para tomar una difícil decisión: ¿debía morir Wanda para mantener el mundo a salvo de sus poderes?

Entonces, sus peores temores se hicieron realidad. Xavier despareció y, en un parpadeo, el mundo cambió por completo, reordenado por los poderes de Wanda. En ese nuevo mundo los mutantes ya no eran perseguidos, sino que eran los gobernantes del mundo. En ese nuevo mundo los humanos vivían bajo el poder de la Dinastía de M, la Dinastía de Magnus.

En efecto, en este nuevo mundo Magneto y sus hijos gobernaban desde su palacio de Genosha, mientras que los mutantes constituían la cúspide de la sociedad y los humanos se extinguían poco a poco. Para acentuar su componente monárquico, la apariencia de la Dinastía de Magnus fue diseñada a imagen de la de las familias reales europeas. De hecho, en una polémica portada que finalmente fue retirada (y que encontraréis sobre estas líneas) el propio Magneto fue dibujado basándose en el atuendo de Don Juan Carlos I, Rey de España.

Polaris, Mercurio y la Bruja Escarlata se sentaban junto a su padre en el trono. Sin embargo, en este nuevo mundo Wanda parecía no tener poder alguno y junto a ella se encontraban sus dos hijos, largo tiempo desaparecidos y motivo principal de la crisis nerviosa que le había llevado a destruir a los Vengadores.

En este nuevo mundo, la situación de los héroes había cambiado radicalmente: Spiderman era un luchador profesional y actor de éxito casado con Gwen Stacy (quien muriera a manos del Duende Verde en el Universo Marvel tradicional) y padre de un hijo; el Capitán América era un anciano veterano de la Segunda Guerra Mundial; Cíclope y la Reina Blanca estaban casados y vivían una vida anodina; el Doctor Extraño no era más que un simple doctor en psicología; y Lobezno se había convertido en el director de la agencia de espionaje SHIELD a lar órdenes de Magneto y mantenía un tórrido romance con Mística.

No obstante, tantas veces habían manipulado la mente del mutante canadiense que no tardó mucho en darse cuenta de que el mundo que le rodeaba estaba mal, por lo que huyó en busca de alguien que recordase cómo había sido el mundo antes de que Wanda lo cambiase. Su camino le llevó a encontrase con la Resistencia Humana, un grupo dirigido por Luke Cage, quien fuera compañero de Lobezno en los Nuevos Vengadores. En dicho grupo se encontraba también Ojo de Halcón, quien murió por culpa de Wanda durante "Vengadores Desunidos", y una niña llamada Layla Miller que, por algún motivo desconocido, recordaba el mundo tal y como era y podía hacer recordar a los demás.

La Resistencia Humana y Lobezno, ayudados por Layla Miller, comenzaron entonces a reunir a los miembros de los Nuevos Vengadores y de los X-Men para encontrar al desaparecido Charles Xavier y para llevar a cabo un desesperado ataque sobre Genosha y sus gobernantes con la esperanza de restaurar el mundo.

Una vez comentado el apartado argumental, pasemos a comentar el resto de apartados. Como mencionábamos anteriormente, "Dinastía de M" se estructuró como una miniserie independiente de 8 números que se publicaron originalmente entre finales de 2005 y principios de 2006 (llegaron algo más tarde a nuestro país, donde se publicaron en 4 números dobles que posteriormente se recogieron en un tomo de la línea Marvel Deluxe de Panini). Alrededor de esta miniserie se publicaron diversos spin-offs cuya lectura era complementaria y únicamente servía para conocer mejor la situación de diversos personajes dentro del mundo alterado de "Dinastía de M". Aquí únicamente destacaremos el de Spiderman (donde un Peter Parker que lo tiene todo descubre que su peor enemigo es él mismo) y el de los Cuatro Fantásticos (donde el Doctor Muerte y sus Cuatro Funestos organizan un golpe de estado para derrocar a Magneto).

Centrándonos en la serie principal, ésta fue guionizada por Bendis y dibujada magistralmente por un Olivier Coipel que mejoraba página tras página y que, salvo alguna composición algo confusa, firmó un trabajo redondo. A destacar la expresividad facial de sus personajes y la caracterización de la familia real de Magneto, absolutamente imponente bajo los lápices del dibujante francés, y especialmente de Wanda, verdaderamente bellísima. Por otro lado, las portadas, obra de Esac Ribid, con un estilo tan distinto al de los interiores, desentonaron un tanto al considerar globalmente la obra pese a su innegable calidad.

En cuanto al guión, Bendis compone un guión sólido, con varios golpes de efecto bastante interesantes, pero predecibles en última instancia. No obstante, consigue crear bastante interés respecto a la identidad del verdadero responsable tras la creación del mundo alterado por la Bruja Escarlata.

Aunque originalmente la serie se publicó como un crossover entre los Nuevos Vengadores y los Astonishing X-Men, en realidad el protagonismo de los mutantes en este evento es bastante secundario. A excepción de Lobezno, que por aquel entonces no sólo era miembro de los X-Men sino también de los Nuevos Vengadores, los demás mutantes son meros comparsas sobre los que apenas recae el peso de la narración. Esto se debe, obviamente, a que el guionista era responsable de la franquicia de los Vengadores, no de la franquicia mutante. En cierto sentido, "Dinastía de M" supuso el traspaso del protagonismo de los mutantes a los Héroes Más Poderosos de la Tierra. Convertidos en el nuevo centro del Universo Marvel, el protagonismo de los siguientes grandes eventos de la editorial ("Civil War", "Invasión Secreta", "Asedio"...) recaería casi por completo sobre los Vengadores.

En buena medida, este traspaso del protagonismo obedecía más a motivos editoriales que a motivos creativos. La proliferación de personajes mutantes a lo largo de los años anteriores amenazaba, según la opinión del jefazo de Marvel, Joe Quesada, el concepto original que definía a los X-Men. Por lo tanto, era necesario "devolver el genio a su botella" y el instrumento utilizado para tal fin fue "Dinastía de M". La resolución del evento supuso, como adelantábamos al comienzo del artículo, un considerable cambio en el status quo del Universo Marvel, fundamentalmente en lo que se refiere a los mutantes. El título del evento que afectó a las series mutantes tras la finalización de "Dinastía de M" fue verdaderamente revelador: "Diezmados".

"No más mutantes". Las palabras de Wanda al final de "Dinastía de M" cayeron como una implacable sentencia sobre el Universo Marvel. Exceptuando a unos pocos, casi todos los mutantes dejaron de serlo. Incluso el propio Magneto se vería despojado de sus poderes. Se trataba de una auténtica purga ordenada por la editorial para "hacer limpieza" y eliminar de un plumazo a todos aquellos personajes mutantes que no entraban en sus planes. De repente, la especie mutante pasó de ser el siguiente paso en la evolución a estar al borde de la extinción. Este cambio no sorprendió excesivamente a los que habían seguido la franquicia mutante con ojo crítico, pues sólo supuso el último movimiento de la editorial para eliminar todos los avances conseguidos por el excéntrico guionista Grant Morrison durante su etapa en "New X-Men". Morrison había puesto a los humanos en peligro de extinción y elevado a los mutantes al más alto escalafón evolutivo. Ahora la situación se invertía de nuevo y los X-Men volvían, una vez más, a ser una minoría temida y odiada por el resto del mundo humano. Como reza el dicho, cuanto más cambian las cosas, más iguales son.

No obstante, la estrategia editorial oculta tras el evento de "Dinastía de M" también tuvo consecuencias positivas para la franquicia mutante, como la creación de la nueva serie de "Factor X" de Peter David, donde el guionista retomaría al personaje de Layla Miller y lo convertiría en uno de los más interesantes del panorama Marvel. Por su parte, las consecuencias dentro de la franquicia de los Vengadores fueron mucho menores, saldándose con una saga bastante mediocre llamada "El Colectivo" que únicamente sirvió para borrar del mapa injustamente al supergrupo canadiense Alpha Flight. La situación de la Bruja Escarlata y Ojo de Halcón tras el evento se exploraría más adelante, aunque tras pasar por manos de Bendis, el personaje de Wanda quedó prácticamente inutilizable hasta fechas recientes.

En conclusión, y desde una perspectiva reduccionista, "Dinastía de M" resultó ser un mero engranaje dentro de la maquinaria editorial de la Casa de las Ideas. El motivo de su creación fue en última instancia el cambio de status quo y no la resolución lógica y natural de las tramas establecidas hasta el momento, tónica que se mantendría durante los siguientes grandes eventos Marvel. Sin embargo, pese a utilizar el manido recurso de crear interés mediante la presentación de un mundo alternativo (o, en este caso, alterado), su lectura presenta bastantes alicientes. Entre ellos destacamos el fantástico apartado gráfico obra de Coipel, el debut de la enigmática Layla Miller y las consecuencias emocionales que supuso para personajes como Spiderman comprobar que su "vida soñada" en el mundo de "Dinastía de M" poco o nada tenía que ver con su vida real. Si hay algo que no falta dentro de este evento, esto es sin duda el potente componente dramático.

[Libros - Reseña] Los Superhéroes y la Filosofía

2011-03-12T22:00:00.000+01:00

El auge de la figura del superhéroe a lo largo de los últimos años, apoyado en gran medida por taquilleros estrenos cinematográficos, ha colocado el punto de mira del gran público sobre personajes que se habían convertido en reducto de unos pocos lectores de cómics tradicionalmente tachados de "frikis". Es evidente que el cómic, especialmente el cómic de superhéroes, se ha puesto "de moda". A día de hoy se publican más cómics que nunca y se suceden las series y películas basadas en personajes de Marvel y DC. Los cómics de superhéroes vuelven a llamar la atención de un sector de la población que ha dejado de verlos como mero entretenimiento para niños y los considera cada vez más como una forma de cultura moderna.

No deja de ser curiso que personajes con tantas décadas de historia como Batman, Spiderman o los X-Men constituyan una parte tan importante de la actualidad. ¿Qué tienen de especial estos personajes para seguir siendo tan influyentes? ¿Qué tienen sus historias que han conseguido deleitar a generaciones tan diferentes a lo largo de los años? En "Los Superhéroes y la Filosofía", editado recientemente por Blackie Books, un grupo de académicos analiza la naturaleza de las historias de superhéroes desde el marco proporcionado por las reflexiones de los grandes filósofos de la historia: Aristóteles, Schopenhauer, Nietzsche, Descartes, Kierkegaard...

LOS AUTORES:

Este libro constituye una colección de ensayos escritos por dieciséis filósofos de diversas universidades norteamericanas, la mayoría de ellos dedicados a la docencia en el campo de la filosofía y con varias publicaciones de diversa índole en su haber. De hecho, algunos ya habían tenido oportunidad de analizar la cultura audiovisual actual desde el punto de vista de la filosofía clásica en libros como "La Metafísica de Star Trek", "Si Harry Potter dirigiera General Electric", "Buffy Cazavampiros y la Filosofía" o "Los Simpson y la Filosofía".

Junto a los de este grupo de académicos también encontramos otros ensayos redactados por autores de gran relevancia dentro del mundo del cómic, tales como Mark Waid (guionista de la aclamada miniserie "Kingdom Come", historiador no oficial del Universo DC y probablemente el mayor experto sobre Superman del mundo), Dennis O´Neil (coautor de clásicos como "Green Lantern/Green Arrow", "The Question" y una de las etapas más influyentes de Batman) y Jeph Loeb (guionista de éxitos tan importantes como "Batman: El Largo Halloween", "Batman: Victoria Oscura" o "Superman para Todas las Estaciones").

LA OBRA:

"¿Es cierto que Superman siempre antepone la necesidad ajena a la propia? ¿Acaso el altruismo del Hombre de Acero no es una forma velada de egoísmo? ¿Por qué Batman no mata al Joker? ¿Cómo ponderaría Aristóteles la relación desigual entre ese Batman, superior, y Robin, el súbdito inferior y alienado? ¿Y cómo explicaría Kierkegaard la virtuosa educación que Charles Xavier procura a sus pupilos, los X-Men? ¿No podríamos relacionar las razones del ser moral postuladas por Platón con las elecciones vitales de Peter Parker, antes y después de la muerte de tío Ben? ¿Es Daredevil en realidad un hombre de fe, y la historia de su origen un relato neoclásico? Y, en todo caso, ¿cómo reaccionaría cualquier ciudadano que recibiera superpoderes de repente? ¿Quién escogería la excelencia ética y quién se dejaría seducir por el poder y la gloria? ¿Sería viable una sociedad donde algunos escogidos visten capas y sobrevuelan las cabezas del resto, auto-proclamándose defensores de la justicia y la humanidad? ¿Qué honestidad cabe esperar de esos superhéroes cuyos rostros se ocultan tras máscaras, ya sean metafóricas o de látex?"

Sin renunciar a su objetivo primario de entretener, las historias de superhéroes abarcan las mismas temáticas con las que se ha enfrentado el hombre desde el principio de la historia: los conceptos de bien y mal, el determinismo, los problemas de la justicia paralegal, la relación entre poder y responsabilidad, el deber moral, la identidad personal, etc. Esas temáticas han sido trabajadas a lo largo de los siglos por innumerables filósofos, por lo que no parece muy descabellado aplicar las teorías desarrolladas por dichos filósofos como marco de referencia para adentrarse en las perspectivas que nos ofrecen los superhéroes de cómic y, de esta forma, explorar la ideología que las sustenta. Ésta es la idea básica del libro: aplicar la filosofía clásica a lo que nos muestran los cómics y el cine de superhéroes.

No obstante, no es necesario gozar de grandes conocimientos de filosofía para poder seguir los razonamientos que exponen los autores en sus ensayos. "Los Superhéroes y la Filosofía" trata de acercarse a los superhéroes como forma de cultura popular desde un punto de vista académico, pero no por ello complicado. Aunque las teorías filosóficas se erigen como la herramienta elegida para diseccionar el concepto de superhéroe y sus implicaciones, el contenido puramente teórico del libro no es excesivo y siempre se mueve dentro de unos límites asequibles para el lector no acostumbrado a leer obras centradas en el pensamiento filosófico. El libro sencillamente invita a relacionar diversas teorías filosóficas con diversos hechos de los superhéroes, mostrando siempre un interés más práctico e ilustrativo que expositivo. Por lo tanto, las exposiciones meramente teóricas escasean en los diversos ensayos, que en su mayoría constituyen textos sencillos, inteligentes y divertidos. No negaré que algunos de ellos son mucho más áridos y conceptualmente complejos que los demás, pero esa no es la tónica general de esta obra.

Cuatro son los bloques que articulan el contenido de "Los Superhéroes y la Filosofía". El primero de ellos se centra en la imagen del superhéroe, tratando temas como los conceptos de héroe y superhéroe, la naturaleza arquetípica de los superhéroes y los motivos que les llevan a actuar de la forma en que actúan. El segundo bloque se centra en el mundo existencial del superhéroe, analizando el papel que juegan en las historias de superhéroes aspectos como la fe, la amistad, la familia, la sabiduría o el poder. Por su parte, el tercer bloque se centra en los superhéroes y el deber moral, tratando de responder a la pregunta acerca de por qué un superhéroe dedice hacer el bien desde distintas perspectivas. Finalmente, el cuarto y último bloque del libro se centra en la identidad y la metafísica del superhéroe, teniendo un papel muy relevante la naturaleza de las identidades secretas de los diversos personajes.

Se trata, por tanto, de un amplio vistazo al extenso mundo del superhéroe. Sin embargo, tampoco es imprescindible contar con amplios conocimientos del género para disfrutar del libro, aunque es evidente que disponer de ellos hace que la lectura sea mucho más completa y satisfactoria. Evidentemente, el lector experimentado en el género no encontrará excesivas novedades a lo largo de este libro, que poco conocimiento tiene que aportar a quien lleva años leyendo las historias de estos personajes. Quien haya leído y reflexionado con cierta profundidad acerca de obras como "Watchmen", "El Regreso del Caballero Oscuro" o "Kingdom Come" no se sorprenderá al ver que sus propias conclusiones no distan mucho de las expuestas por los autores de "Los Superhéroes y la Filosofía".

La calidad de la edición de esta obra es indudable, destacando especialmente la tarea de añadir todos los datos acerca de las publicaciones en castellano de las historias referenciadas a lo largo del libro. El único punto negativo de esta edición, por el cual ha sido criticada en algunos medios, es el hecho de que algunos nombres ingleses no hayan sido traducidos a su "versión tradicional" (esto es, la versión que tradicionalmente se ha utilizado en la adaptación al castellano de los cómics). Aún así hay que agradecer el esfuerzo de acercarse lo máximo posible a las traducciones tradicionales, así como el de conservar el nombre original en inglés independientemente de la presencia de una traducción al castellano. Sin duda el lector habitual del género no tendrá ningún problema en identificar a los personajes que se mencionan en el libro.

VALORACIÓN:

"Así que no dejen que los colores chillones les confundan: los superhéroes son cosa seria. Como todo el mundo sabe, los pensamientos vuelan."

"Los Superhéroes y la Filosofía" es una lectura agradable e interesante, así como fácilmente adaptable al ritmo del lector por su naturaleza de colección de ensayos independientes. Como comentaba anteriormente, es una obra asequible para cualquier lector, aunque indudablemente llamará más la atención de aquel que sienta un interés o una predilección especial por el género de superhéroes. Su principal valor radica en su potencial para invitar a la reflexión acerca de aspectos aparentemente superficiales que, sin embargo, esconden ideas verdaderamente profundas y enriquecedoras. Los valores ocultos tras las historias de superhéroes tienen un innegable valor y pueden servir para proporcionar nuevas perspectivas acerca de nuestras vidas cotidianas. Este libro nos invita a reflexionar acerca de algunos aspectos intrínsecos de nuestra vida de la mano de los grandes filósofos del pasado y usando uno de los campos más actuales: los cómics y las películas de superhéroes.

[Cómic - Artículo] Los X-Treme X-Men de Claremont y Larroca: Mutantes con sabor español

2011-02-26T19:30:00.000+01:00

Durante diecisiete años, los destinos de los mutantes más importantes de Marvel estuvieron en manos de un único guionista: Chris Claremont, apodado "Patriarca Mutante" por sus años de dedicación a la franquicia a la que catapultó al estrellato. Sus conflictos con el dibujante estrella y niño mimado de la Marvel de entonces, Jim Lee, le llevaron a abandonar a los mutantes, aunque regresó tiempo después con ánimos de renovación. Desgraciadamente, el regreso de Claremont supuso un auténtico fiasco para todos aquellos que esperaban un "regreso a los orígenes" de manos del guionista de la etapa clásica de los X-Men. Claremont confeccionó una nueva etapa que se alejaba de la dinámica habitual de la serie, provocó varios cambios inexplicables en los personajes protagonistas y renunció al uso de los antagonistas tradicionales para introducir otros nuevos que no gozaron del favor de los lectores. Éstos acabaron desencantados con la labor del guionista, que pronto perdió nuevamente el control de sus criaturas en favor de Grant Morrison (de cuyos "New X-Men" hablamos en un artículo anterior). No obstante, la editorial permitió que el Patriarca Mutante continuase trabajando dentro de la franquicia en una nueva serie creada para la ocasión en la que gozaría de la colaboración del dibujante español Salvador Larroca. Se trata de "X-Treme X-Men".

"Tiempos extremos requieren hombres-X extremos".

Al contrario de lo que podría sugerir la cabecera de la serie, "X-Treme X-Men" se desmarcó del resto de títulos mutantes del momento por erigirse en un cómic de estilo tradicional, muy alejado de los radicales experimentos de Grant Morrison en "Nex X-Men" y orientado a los lectores de gustos más moderados. Se convirtió, por tanto, en ese esperado "regreso a los orígenes" que mencionábamos antes. Aunque Claremont únicamente pudo trabajar con los personajes desechados por Morrison, el Patriarca Mutante supo proporcionar la suficiente entidad y coherencia interna al grupo de mutantes extremos.

"X-Treme X-Men" se publicó originalmente entre 2001 y 2004, abarcando 46 números, un anual y dos miniseries derivadas ("X-Treme X-Men: Tierra Salvaje" y "X-Treme X-Men X-Pose"). Panini comenzó recientemente a recopilarla en varios tomos de la línea "Marvel Deluxe", habiendo publicado dos tomos hasta la fecha.

Los primeros 24 números de la serie fueron dibujados por el artista valenciano Salvador Larroca, que pidió expresamente que no fuesen entintados y se les aplicase el color directamente sobre los lápices, remarcando de esta manera su trabajo y consiguiendo diferenciar estéticamente los cómics de esta etapa del resto de series de la franquicia. El espectacular trazo de Larroca, unico a los colores digitales de Liquid!, proporció un aspecto verdaderamente cinematográfico a la serie. Desafortunadamente, Larroca tuvo que abandonar la serie por otros compromisos, dejando el dibujo de los últimos 22 números en manos del croata Igor Kordey, lo cual supuso una clara ruptura en la estética de la serie que nos permite diferenciar claramente dos etapas en ella. No obstante, para proporcionar cierta sensación de cohesión, Larroca siguió encargándose de las portadas hasta su conclusión.

Centrándonos ya en la etapa dibujada por el valenciano, ésta parte de la siguiente premisa argumental (que se deriva de la etapa anterior de Claremont en X-Men y que, según se dice, fue una sugerencia de la esposa del guionista): la búsqueda de los diarios de Destino. Pareja y amante de Mística, la madre adoptiva de la mujer-X Pícara, Destino era una mutante con poderes precognitivos. Antes de perder la vista, Destino plasmó en sus diarios sus visiones del futuro, pero éstos se perdieron con el paso del tiempo. Evidentemente, aquel que posea los diarios será capaz de manipular el futuro, por lo que un grupo de mutantes dirigidos por Tormenta abandonará la seguridad de la Escuela del Profesor Xavier para lanzarse en busca de los diarios perdidos. El equipo de hombres-X extremos viajará a lugares como España, Australia y Madripur siguiendo la pista de los diarios, siendo seguidos de cerca por Vargas, un nuevo adversario de origen español que tiene uno de dichos diarios en su poder.

A pesar de lo atractivo de este planteamiento, es preciso aclarar que queda en segundo plano ante otras tramas que en principio podrían parecer secundarias, pero que ofrecen diversión a raudales. "X-Treme X-Men" es un carrusel de aventuras y acción en el que los hombres-X pasan de estar secuestrados por las fuerzas de asalto españolas a investigar el misterioso asesinato de un señor de la mafia australiana para a continuación luchar contra el ejército de un conquistador extradimensional. Todo esto aderezado con un interesante desarrollo de los personajes, especialmente de los femeninos (algo que es prácticamente la "marca de la casa" de Claremont). Los pilares fundamentales de la serie son sin duda las mujeres-X Tormenta, Pícara y Sabia, siendo ésta última la que más progresa a lo largo de la misma.

Aunque Tormenta lidera el grupo, Sabia es su espina dorsal. Sabia, en su identidad anterior de Tessa, fue la mano derecha de Sebastian Shaw, Rey Negro del Club Fuego Infernal y uno de los principales enemigos de los mutantes de Xavier. Gracias a la magia de la retrocontinuidad, Claremont desveló que en realidad Tessa era una espía de Xavier en el seno del Club Fuego Infernal, lo que le permitió incorporarla al bando de los hombres-X. De esta forma, Claremont pudo dedicarse a explorar sus capacidades y desvelar todo el potencial de sus dones de "cibérpata", de ordenador viviente. Sabia lo ve todo, lo recuerda todo, es capaz de procesar ingentes cantidades de información de forma simultánea y de manipular cualquier sistema informático. Guionista y dibujante, inspirados claramente por las películas de "Misión Imposible" dotaron a Sabia del artefacto perfecto como complemento a su poder: las gafas que incorporan acceso a internet y sirven como vía de comunicación e interfaz entre los hombres-X extremos.

La estética ideada por Larroca juega un papel clave en la serie, pues a través de su tratamiento de accesorios, trajes y peinados, dota a los personajes de auténtica vida. Los uniformes del equipo de mutantes extremos resultan elegantes y prácticos. Proporcionan dinamismo y espectacularidad, sin renunciar al realismo pero sin caer en la excesiva exageración. Sirven por tanto para proporcionar una sensación de homogeneidad en el grupo, pero a la vez remarcan las personalidades individuales de sus miembros. Sin duda la libertad creativa de la que gozó el artista, unida a su buena relación con el guionista, constituyeron el caldo de cultivo perfecto para convertir "X-Tremen X-Men" en uno de sus mejores trabajos.

Los lápices de Larroca, unidos al intenso color de Liquid!, dotan a esta etapa de la serie de una potencia visual comparable a la del cine. No sólo los personajes, sino que los escenarios en los que se encuentran rezuman vitalidad. Desde los típicos escenarios de alta tecnología a las calles del barrio chino, pasando por los gigantescos rascacielos de la isla imaginaria de Madripur, los escenarios resultan sugerentes, vibrantes y espectaculares, proporcionando el marco perfecto para la acción del grupo de hombres-X extremos. El dibujante, muy en su línea, también se permite la licencia de sembrar su trabajo con diversos "huevos de pascua", por lo que en las páginas de "X-Tremen X-Men" nos encontramos diversos homenajes a películas, series, personajes conocidos y actores. La propia casa de Larroca aparece en los primeros números, cuando los mutantes visitan la ciudad de Valencia, la cual también aparece perfectamente retratada en el cómic.

La visita de Tormenta y los suyos a Valencia durante el primer arco argumental de la serie resulta especialmente curiosa, no sólo por ser la presentación de Vargas, el nuevo antagonista, sino también por mostrar una "versión Marvel" de España que al fin hace justicia a lo que los lectores españoles queríamos ver. Si los americanos pueden tener marines armados con armas de última generación y armaduras de combate, ¿por qué no podemos tener los españoles guardias civiles con armaduras tecnológicas? ¿Acaso por ser guardias civiles en lugar de marines resultan menos verosímiles? Tan absurda es una cosa como la otra, pero dentro de la suspensión de la incredulidad a la que aspira todo producto de ficción, mientras tengan coherencia interna con el argumento se aceptan como válidas. Por esta razón, Claremont y Larroca presentan una España moderna y tecnológica que cuenta con sus propias tropas de élite y sus bases secretas de tecnología punta. Sin duda para el lector español resulta agradable ver a su país representado de esta forma, en lugar de como un país analfabeto y tercermundista (cosa demasiado común en los productos de ficción estadounidenses).

No obstante, pese al excelente marco proporcionado por los autores, la serie no está exenta de ciertas taras. Las presiones editoriales y los escasos tiempos de entrega condicionaron el desarrollo de algunos números, que quizá hubiesen necesitado algún tiempo más de trabajo. Por otro lado, la inclusión del "mes mudo" (una iniciativa editorial de Marvel según la cual todos los números de ese mes carecerían de texto) no pudo llegar en peor momento para "X-Treme X-Men", estropeando la conclusión de la interesante saga de Lady Mente Maestra.

Respecto a los guiones de Claremont, aunque muy superiores a los de su anterior trabajo con los mutantes, siguen ostentando las mismas carencias de siempre: exceso de personajes secundarios que no reciben el tratamiento adecuado y acaban desapareciendo para no volver a saber de ellos, demasiadas líneas argumentales paralelas, dispersión del argumento principal, reiteración de situaciones ya vistas con anterioridad, etc. Si bien la serie resulta atractiva por su tratamiento de los personajes y sus escenas de acción, está claro que dista mucho de ser un cómic redondo. Aún así cuenta con números verdaderamente memorables y consigue mantener el interés del lector durante toda su primera mitad, lo cual no es poco. Además, resulta admirable el interés de Claremont por incorporar a la serie elementos aparecidos en otras colecciones de la franquicia, creando la sensación de que pertenece al mismo mundo que ellas a pesar del abismo editorial que las separaba. De hecho, Claremont incluso llega a utilizar a la Reina Blanca, personaje que estaba en manos de Morrison, durante una de las sagas de "X-Treme X-Men" (Morrison le devolvería la jugada algún tiempo después usando a Bishop y a Sabia durante uno de los arcos argumentales de sus "New X-Men").

Tras la marcha de Larroca de la serie y la llegada de Igor Kordey (dibujante que nunca ha gozado de mi favor), los defectos de Claremont se pusieron mucho más en evidencia y se perdió la espectacularidad que caracterizó los números del dibujante valenciano. Esto hace que la segunda mitad de "X-Treme X-Men" prácticamente constituya una serie diferente. Una vez solucionado el argumento de los diarios de Destino, el argumento pivotó hacia la amenaza del telépata Elías Bogan, quien comparte un pasado común con Sabia. El tono general de la serie, su mismo planteamiento, cambió radicamente. Claremont utilizó esta segunda etapa para ir preparando el terreno de la que sería su tercera incursión en las series principales de los mutantes, recuperando a ciertos personajes hacia los que guardaba especial cariño (como Kitty Pride y Rachel Summers). La finalización de "X-Treme X-Men" condujo directamente a la reestructuración que sufrió la franquicia mutante durante 2004, el llamado "X-Men Reload", aunque esto ya sería materia para otro artículo.

En conclusión, como ya hemos remarcado, la verdadera alma de la serie se encuentra en su primera mitad, donde un excepcional Salvador Larroca plasma magistralmente los guiones de Claremont y dota de un carisma inusitado a un grupo de hombres-X considerados "de segunda fila" por la editorial. El equipo extremo de Tormenta recupera algo de la esencia perdida de antaño, esa dinámica que hizo famosos a los mutantes durante la década de los 80: acción, drama, protagonistas complejos, antagonistas misteriosos, entornos fantásticos, chicos guapos y bellas mujeres. Eso es lo que ofrece "X-Tremen X-Men", además de ese particular toque individual y diferenciador que proporciona el dibujante valenciano y que convierte a los mutantes extremos en mutantes con sabor español.

[Cómic - Artículo] Los New X-Men de Grant Morrison: ¿Genialidad o disparate?

2011-02-06T15:46:00.002+01:00

Estos días he estado releyendo la etapa de Grant Morrison como guionista de X-Men. La serie fue rebautizada "New X-Men" durante esta etapa, que abarca del New X-Men 114 (julio de 2001) al New X-Men 154 (mayo de 2004) e incluye el anual de 2001 (toda la etapa fue posteriormente recopilada en varios tomos de la línea "Best of Marvel Essentials" de Panini). Reconozco que los tres años que los mutantes estuvieron a cargo del guionista escocés supusieron para mí, como aficionado a los cómics en general y a los cómics mutantes en particular, una auténtica tortura en el momento de su publicación. La razón de esto es bien sencilla: me crié con los X-Men de la clásica etapa del tándem Claremont-Byrne y siempre he preferido que las historias de estos personajes albergasen cierto regusto clásico y no se apartasen excesivamente de su convencionalismo. Las historias de Morrison pueden ser muchas cosas: originales, hiperbólicas, polémicas, transgresoras... pero desde luego nunca son convencionales. Curiosamente, el tiempo me ha hecho ver a los New X-Men de Morrison con otros ojos, cambiando radicalmente mi opinión sobre ellos y llegando a considerar la etapa del escocés loco como una de las mejores de la historia de los mutantes.

"No quiero escribir para tontos. Creo que la gente es inteligente. Lo que ha ocurrido en los últimos diez años es que hemos olvidado que los lectores son bastante inteligentes" - Grant Morrison.

Los mutantes pasaban por una de sus peores etapas al acabar la década de los 90. El desarrollo de personajes había sido nulo durante los años anteriores, en los cuales la única preocupación de los guionistas había sido preparar el crossover de turno cada pocos meses. Aunque la llegada de Alan Davis supuso un ligero soplo de aire fresco con historias como "La Guerra de Magneto" y "Los Doce", la serie volvió a precipitarse al abismo cuando el cacareado regreso de Chris Claremont a los personajes a los que había elevado a la cima años atrás resultó ser un fiasco de proporciones épicas. La franquicia estaba tan desgastada y deslustrada que parecía insalvable. La editorial le otorgó entonces a Grant Morrison, guionista escocés que ya había demostrado su talento y su capacidad para provocar en series como "Animal Man", "Doom Patrol" y "Arkham Asylum", la libertad necesaria para que hiciese lo que creyese conveniente con los mutantes.

La principal aportación de Morrison fue un nuevo y radical enfoque para la franquicia. Se acabó el eterno lema de "temidos y odiados por un mundo que han jurado proteger". La humanidad estaba condenada a la extinción y los mutantes, como nuevo peldaño de la escalera evolutiva, estaban destinados a heredar el planeta. El número de mutantes había crecido tanto que ya no podían ni querían ocultarse. Las mutaciones ya no eran una maldición, sino un don maravilloso que debía usarse sin miedo ni vergüenza. La Escuela de Xavier honraría su nombre como no lo había hecho en décadas y acogería a una numerosa nueva generación de mutantes cuyas ideas distaban mucho del credo superheróico y la perpetua santurronería de las generaciones pasadas.

Y, junto a ese nuevo enfoque, Morrison trajo una forma de narrativa muy distinta a la que se había convertido en habitual en años anteriores. Se acabaron las historias interminables y los crossovers anuales. New X-Men sería una serie autocontenida, dividida en varios arcos argumentales profundamente interrelacionados entre sí, pero en los cuales se trataría al lector como una entidad activa e inteligente capaz de aunar las pistas que se iban depositando a lo largo de su desarrollo para comprender de forma global las historias. Más que narrar historias en las que todo tuviese que quedar perfectamente explicado para evitar la posibilidad de que algún lector no comprendiese los cabos sueltos, Morrison escribiría historias sugerentes, en las que la capacidad del lector para extraer conclusiones sería fundamental.

Esto, evidentemente, supuso un gran problema para los lectores pasivos acostumbrados a recibir explicaciones concienzudas sobre lo que acontecía en cada página. No me cabe ningunda duda de que éstos fueron la principal fuente de críticas hacia esta polémica etapa de la franquicia, pues no me avergüenza admitir que el primero que no entendió bien esos cómics en su momento - y por eso mismo los criticó duramente - fui yo.

"X-Men es un culebrón de televisión que trata sobre cómo interactuán los personajes, con algunos villanos, algunas peleas y algo de drama. El tebeo normal de superhéroes se aparta para que podamos ver qué ocurre entre Scott y Jean, que para mí es más interesante" - Grant Morrison.

El tratamiento de personajes por parte del escocés loco durante sus New X-Men rozaba el exceso, aunque esto, en lugar de producir rechazo, proporciona una visión más humana y tridimensional de unos personajes que en tiempos anteriores se habían visto reducidos a la simplicidad más absoluta. Los personajes de Morrison se alejan de la perfección del héroe clásico y se convierten en seres con necesidades de lo más mundado. En uno de sus primeros números, el guionista muestra a Jean Grey (Fénix) comiéndose una bolsa de patatas mientras usa su telepatía, un detalle sencillo que devuelve su humanidad al personaje sin necesidad de grandes dramas ni artificios. Por otro lado, Morrison se atreve a desarrollar a Scott Summers (Cíclope) como nadie antes se había atrevido, haciendo que se sienta insatisfecho con su matrimonio con Jean y acabe arrojándose a los brazos de la femme fatale de los New X-Men: Emma Frost (Reina Blanca). El hasta entonces anodino Cíclope asume no sólo sus necesidades emocionales, sino también sus necesidades sexuales, iniciando una suerte de affair telepático con Emma que tendrá severas repercusiones sobre su relación con Jean.

La Reina Blanca es el principal hallazgo del guionista, que evidentemente disfruta escribiendo los ácidos diálogos del personaje. De hecho, algunas de las mejores líneas de toda la etapa pertenecen a Emma. Elitista y provocadora por naturaleza, la Reina Blanca se convirtió desde ese momento en un personaje clave de la franquicia que pocos guionistas posteriores han sabido tratar con el acierto de Morrison. Pero Emma no es el único personaje polémico, pues el guionista introduce otros igualmente extraños y en apariencia incompatibles con los X-Men tradicionales, como el sanador Xorn, un mutante de origen chino con un agujero negro por cerebro (y que alberga una de las principales sorpresas de esta etapa) y el aventurero Fantomex (una mezcla entre dos personajes europeos, Fantomas y Diabolik, en parte ladrón y en parte pistolero).

Morrison también crea toda una nueva serie de adolescentes mutantes que se convierten en los estudiantes de Xavier. Lejos de asemejarse a antiguas generaciones de estudiantes (como los Nuevos Mutantes), la nueva generación es hija de su tiempo. Para ellos el conflicto humano-mutante es lo de menos y su principal preocupación, como la de cualquier adolescente del mundo real, es el sexo (en ese sentido, es impagable la relación entre dos de ellos, probablemente los más marginados por su aspecto y poderes: Pico y Ángel). Temas como las drogas de diseño, la aceptación por parte del grupo y las dudas acerca de la propia identidad están presentes en todas las escenas protagonizadas por esta nueva y transgresora generación de mutantes, que a pesar de sus excesos resulta mucho más creíble y cercana al mundo real de lo que pueda parecer en un primer momento.

No obstante, Morrison no olvida a los villanos, aunque opta por dejar de lado a los habituales (salvo a uno de ellos, que se reserva para el final) y crear otros nuevos, como la inquietante Cassandra Nova (auténtica antítesis genética del Profesor Xavier) y los Hombres-U (un grupo de humanos fanáticos que pretenden convertirse en una "tercera especie" matando mutantes para injertar sus tejidos en sus propios cuerpos). Ya en su mero planteamiento, los villanos de Morrison resultan algo innovador, controvertido y excesivo. Es la marca personal del guionista.

Todos los personajes sufren una reconstrucción radical en manos del escocés loco. La Bestia sufre un importante cambio que va mucho más allá de su apariencia, mientras que el pasado secreto de Lobezno vuelve a estar una vez más en el punto de mira gracias a la información que proporciona Fantomex sobre el Proyecto Arma Plus (según la cual el proyecto Arma X - siendo la X el número romano y no la letra - que generó a Lobezno no era más que el décimo intento de crear supersoldados mutantes y existiendo creaciones posteriores como Arma XII, Arma XIII e incluso Arma XV). No obstante, Jean Grey es sin duda el personaje que sufre una evolución más radical, gracias al regreso de la Fuerza Fénix, que en manos de Morrison se convierte en algo mucho más complejo que un pájaro de fuego destructor de mundos.

En esta etapa no escasean los golpes de efecto y los cliffhangers, aunque su fuerza individual queda en segundo plano ante el poderío de su visión en conjunto. En efecto, Morrison no sólo proporciona un nuevo enfoque y un nuevo tratamiento de personajes, sino también una estructura narrativa perfectamente planificada. Morrison sabe lo que quiere contar y en cuántos números quiere contarlo. No improvisa ni alarga excesivamente. No lo necesita.

La aparición de Cassandra Nova, los Centinelas salvajes, la destrucción de Genosha, la muerte de Magneto, los ataques de los Hombres-U, la droga Coz, la revuelta en la Escuela de Xavier, el Proyecto Arma Plus, el regreso de la Fuerza Fénix... todo está profundamente interrelacionado. El conjunto es mucho mayor que la suma de sus partes, creando una perfecta gestalt que no puede ser juzgada por sus componentes individuales. Hasta el último arco argumental, el excelente "Bienvenidos al Mañana", el puzle no se completa. Irónicamente, la conclusión de la etapa no sólo es la más espectacular a nivel visual, sino también la más compleja a nivel conceptual (y, por tanto, la menos entendida y más criticada).

Ciertamente, el trabajo del guionista se ve lastrado en ocasiones por un apartado gráfico que no está a la altura. Si bien arcos argumentales como "E de Extinción" y "Revuelta en la Escuela de Xavier", dibujados por Frank Quitely (alguien que nació para colaborar con Morrison), o "Bienvenidos al Mañana", dibujado por Marc Silvestri (quien ya dibujó una de las clásicas etapas de los X-Men años atrás) son impecables, otros como "Imperial" y "Arma XIII", dibujados por el horrendo Igor Kordey, pierden muchos enteros pese a su calidad general. Lo mismo se podría decir de "Asalto a Arma Plus", dibujado por Chris Bachalo, aunque eso va más por gustos (en mi caso no soporto su estilo de dibujo). En cuanto a otros dibujantes de esta etapa, como Ethan Van Sciver o Phil Jimenez, pese a que su trabajo está a un buen nivel se queda corto en comparación con la calidad de sus trabajos posteriores.

Pese a estos pequeños baches, la etapa de Morrison rezuma originalidad y frescura. Sin embargo, pese a ser provocadora y transgresora, no deja de tener cierto regusto clásico. "Viejos conceptos bajo un nuevo enfoque" podría ser la mejor forma de definir esta etapa, que establece cierto paralelismo con la clásica etapa de Claremont-Byrne (para muchos la mejor de toda la historia de los mutantes). Morrison innova como nunca nadie se había atrevido a innovar en la franquicia X-Men, siendo fiel a su estilo y a su pasión hacia los personajes extravagantes y marginales, llevando conceptos clásicos (como el conflicto humano-mutante) hasta su último extremo y salpicándolo todo con algunos diálogos que perdurarán en el recuerdo del lector. Sus New X-Men albergan una lectura a múltiples niveles y, aunque quizá no sean del gusto de todos, son una de las mejores etapas por las que han pasado los mutantes a lo largo de sus muchas décadas de historia. Es más, probablemente sus New X-Men sean la última gran etapa por la que han pasado hasta ahora.

Pero la editorial es como es y, tras la marcha del escocés loco, sus ideas han sido sistemáticamente destruidas, dando marcha atrás y deshaciendo todos los interesantes avances que Morrison había puesto en marcha. Y aún así, muchos se alegraron de que aquella época disparatada se borrase prácticamente de la historia mutante, quedando sólo vestigios como la presencia de la Reina Blanca. Por suerte, otros muchos que empezaron viéndola con malos ojos y considerándola un verdadero disparate con el tiempo han acabado apreciándola y considerándola toda una genialidad.

[Cómic - Videojuegos - Artículo] Conclusiones sobre 2010 y expectativas sobre 2011

2011-01-05T21:45:00.016+01:00

Ha terminado el año y, al contrario que en ocasiones anteriores (2008 y 2009), no he dedicado una entrada a seleccionar los que han sido, en mi opinión, los mejores cómics y los mejores videojuegos de 2010. La razón es bien sencilla: 2010 ha sido un año realmente desalentador en más de un sentido... y 2011, tristemente, apunta en la misma dirección. Por lo tanto, en lugar de elaborar una entrada con el mismo formato que las de años anteriores, sencillamente voy a limitarme a realizar una crítica (completamente subjetiva y, precisamente por ello, sujeta a mis imperfectas y sesgadas opiniones) acerca de la situación actual de estos dos grandes mercados que en otro tiempo tanto me apasionaron.

Comenzando con el mundo del cómic, podríamos decir que la situación del mercado español se encuentra en muy buen estado de salud, pues a día de hoy la gente compra más cómics y novelas gráficas que nunca; en gran parte gracias a las adaptaciones cinematográficas de personajes como Iron Man o Batman y a series de televisión como la reciente "The Walking Dead" que han despertado el interés del consumidor mayoritario (esto es, el consumidor que no compra cómics habitualmente). Sin embargo, esta afirmación es muy engañosa.

"The Walking Dead"; el cómic llega a la televisión por la puerta grande.

¿Realmente se venden más cómics? El éxito de adaptaciones como las mencionadas en el párrafo anterior ha servido para poner al gran público en contacto con el cómic y, quizá, para que se vendan algunos tomos recopilatorios. Sin embargo, dudo mucho que el espectador de "The Walking Dead" se interese por otras series distintas a la inspiradora de su nueva serie de culto. Las demás no están de moda, no son tan "cool"... y no lo serán hasta la nueva película o serie de turno. El mercado no se ha ampliado realmente, sino que sencillamente se ha abierto a un público nuevo que, en realidad, nunca formará parte de dicho mercado como consumidor habitual, sino que picoteará aquí y allá dependiendo de la moda del momento (y siempre tomos o coleccionables, nunca series mensuales). Este año pasado el bombazo ha sido "The Walking Dead" como anteriormente lo fueron las películas de X-Men, Iron Man y Batman, y en el futuro lo serán la de Green Lantern, Thor, Capitán América o los Vengadores. Las películas de "Watchmen" y "V de Vendetta" también hicieron que se vendieran muchos tomos recopilatorios de ambos cómics, pero no por ello la gente ha comenzado a leer otros trabajos de Alan Moore como "La Cosa del Pantano" o "Promethea".

No obstante, el hecho de que el mercado del cómic se haya abierto al consumidor popular, haciéndose un hueco incluso en las grandes superficies (cuando antes era reducto del kiosko o de la tienda especializada) ha supuesto un aspecto tremendamente negativo: el auge del tomo en detrimento de la grapa. El consumidor mayoritario no sigue series mensuales cuyos arcos argumentales se prolongan durante seis meses para contar una historia, sino que quiere la historia completa encuadernada para leerla del tirón; para leerla aquí y ahora. No participa del juego, no se "engancha" a la dinámica de la industria. En consecuencia, es la industria la que debe adaptarse a él, aumentando el número de tomos publicados en detrimento de las series mensuales en grapa. El resultado está claro: el consumidor mayoritario tiene su bonito y caro tomo que se compra una o dos veces al año, mientras que el consumidor habitual tiene que comprar un número ingente de bonitos y caros tomos si quiere seguir sus series mensuales, pues éstas ya no se publican en grapa. Una situación incómoda para los lectores de toda la vida, sin duda.

Pasemos a las dos grandes editoriales. DC Comics, publicada en nuestro país por Planeta, sigue en franca caída libre. Salvo las series mensuales de Batman y Superman, todas las series en grapa han ido cayendo en el olvido una a una (pasando a periodicidad bimestral o trimestral... o directamente a publicarse en formato tomo con un claro añadido de precio). No es de extrañar, pues la editorial americana pasa por una descomunal crisis creativa y la calidad de lo que publica deja bastante que desear.

"La Noche Más Oscura" no fue tan buena como la pintaban.

La tan cacareada saga de "La Noche Más Oscura", que tanto prometía al principio, ha resultado ser un fiasco, demostrando que su guionista, Geoff Johns, carece de nuevas propuestas originales y está repitiendo una y otra vez la misma fórmula. Las historias de Superman, como "Mundo de Nuevo Krypton", han pasado por el panorama nacional sin pena ni gloria, a pesar de ser bastante entretenidas. Quizá pesan mucho las noticias que llegan desde USA, augurando el inicio de la peor etapa del personaje de los últimos años. Por su parte, Batman vive una etapa realmente interesante gracias a las locuras y excesos de Grant Morrison, el escocés loco. El dúo formado por los nuevos Batman (Dick Grayson) y Robin (Damian Wayne) ha insuflado aire nuevo a las historias del murciélago, mientras que el regreso de Bruce Wayne anuncia grandes momentos en el futuro cercano. Igualmente destacable es "Batwoman", obra del guionista Greg Rucka y el ilustrador J. H. Williams III (el trabajo de éste último es sublime). Por lo demás, DC está de capa caída... y nunca mejor dicho. Personajes como los Nuevos Titanes o la Sociedad de la Justicia pasan por un momento horrible y sus series tienen escasas posibilidades de sobrevivir en el mercado español.

Batman y Robin sorprenden a cada número mientras que los Titanes se hunden en la mediocridad.

Finalmente, Planeta se ha portado bastante bien con la Línea Vértigo, reeditando series como "Predicador" o la imprescindible "The Sandman". Eso sí, lo ha hecho en tomos de lujo, con una edición tan magnífica como desorbitado es su precio. ¿No recuerdan que estamos en crisis?

Pasando a Marvel, hay que elogiar a Panini, editorial encargada de publicar en nuestro país los cómics de la Casa de las Ideas, por su trabajo. Buenas ediciones y reediciones de material clásico, si bien con unos precios algo elevados en ocasiones. El formato Marvel Gold ha supuesto todo un hallazgo y ha recuperado grandes clásicos como las Guerras Asgardianas, los Nuevos Mutantes de Bill Sienkiewicz o los Vengadores de George Pérez. Y en el horizonte se vislumbra ese nuevo formato llamado "Extra Superhéroes" que pinta realmente bien.

Marvel Gold, una muy buena línea editorial.

No salen tan bien paradas las grapas, monopolizadas (y casi fagocitadas) por las series protagonizadas por los Vengadores, grupo cuya perspectica actual me parece excesivamente pretenciosa y alejada de su dinámica clásica. Las sagas de "Reinado Oscuro" y "Asedio" se han dejado leer, pero tampoco han supuesto ninguna novedad respecto a otras historias publicadas hace años (al igual que sucedió en su momento con "Invasión Secreta"). Por desgracia, la hegemonía de los Vengadores en los cómics de los próximos años está asegurada por la próxima película protagonizada por esos personajes, así como las respectivas películas del Capitán América y Thor. Spiderman, por su parte, sigue sin levantar cabeza... y lleva así bastante tiempo, a pesar de que en los últimos meses la calidad de sus series ha aumentado bastante. En cuanto a los mutantes, éstos se encuentran en caída libre y sin frenos. "X-Men" y "Patrulla X" son dos de las peores series Marvel del momento, lo cual me apena muchísimo por el aprecio que le tengo a la franquicia X y a sus personajes. Por suerte, el "Factor X" guionizado por Peter David continúa demostrando que se pueden hacer cómics divertidos con los personajes mutantes. No obstante, lo mejor de Marvel está siendo, al igual que en años anteriores, su vertiente cósmica. "Nova", "Guardianes de la Galaxia", "Guerra de Reyes"... las historias cósmicas de Marvel, sin hacer mucho ruido, constituyen algunos de los mejores cómics que se pueden leer en estos tiempos.

Los Vengadores acaparan el protagonismo mientras los X-Men viven una etapa ciertamente olvidable.

¿Y respecto a los videojuegos? Pues no hay mucho que contar. La crisis económica, unida a los prohibitivos precios, me han matenido alejado del panorama durante los últimos meses. Ni siquiera la importación o las ofertas de plataformas como Steam han servido para paliar esta situación. Aún así, lo poco que he visto no me ha gustado nada. Al igual que sucede con el mercado del cómic, el de los videojuegos continúa su apertura al gran público y su masiva popularización. Microsoft y Sony han plagiado descaradamente la política de Nintendo para atraer al jugador "casual" (prueba de ello fue el lamentable E3 del verano pasado) y los videojuegos continúan haciéndose un hueco cada vez más importante en la sociedad. Kinect y Move son las últimas aberraciones que pretenden explotar este mercado en alza que produce enormes beneficios a pesar de la crisis que azota nuestros bolsillos. Los juegos de verdad quedan en segundo plano, pues el público mayoritario busca minijuegos de movimiento, de cantar y bailar o, como mucho, el indispensable FIFA anual y la enésima entrega del insoportable "Call of Duty" para pegar unos tiros.

El caduco modelo de mercado de Sony y Microsoft.

¿Qué ha pasado con los juegos? ¿Cuáles han destacado realmente? Salvo algún lanzamiento original como "Heavy Rain" o "Red Dead Redemption" (que realmente no son tan originales como parece; véase "Fahrenheit" y "Red Dead Revolver"), el mercado está saturado de innecesarias secuelas que alargan franquicias sin aportar prácticamente nada nuevo. Sólo unas pocas como "Mass Effect 2" se salvan; más por su espectacularidad que por su argumento o mejores jugables (pues esta nueva entraga de la saga galáctica del Comandante Shepard se aleja aún más que su predecesora del rol para convertirse en un shooter con secuencias de diálogo). "Fallout: New Vegas", que prometía ser un gran lanzamiento, ha pasado de puntillas y los últimos bombazos de Wii, como "Metroid: Another M" y "Donkey Kong Country Returns", estaban muy bien pero tampoco han despertado excesivas pasiones. ¿Y "Castlevania: Lords of Shadow"? No lo sé. No lo he jugado, pero por eso de ser un producto patrio tengo la impresión de que las críticas han sido excesivamente positivas y benevolentes con él.

No obstante, cualquiera de estos juegos palidece en comparación con el que ha sido sin duda el mejor juego de 2010: "Bayonetta". Sin tener un presupuesto tan desmesurado como otros juegos mucho más cacareados, el juego de Platinum Games es una auténtica obra maestra respecto a su jugabilidad, con uno de los mejores sistemas de combate jamás diseñados, y con un apartado artístico tan barroco y abigarrado como visualmente impactante. "Bayonetta" es un juego que no se toma en serio a sí mismo, cargado de guiños a juegos del pasado (de aquella época lejana en la que Sega era una de las grandes) y, por encima de todo, divertido y retante. Incita a ser jugado una y otra vez, ofreciendo infinidad de combinaciones de armas y de posibilidades de combate. Todo ello acompañado de una de las mejores bandas sonoras de los últimos tiempos, con temas que van desde el j-pop más descarado a la sinfonía coral más imponente y aderezado por lo más importante que puede ofrecer un videojuego: diversión. "Bayonetta" salió a principios de año y se proclamó GOTY absoluto del 2010. Ningún otro juego ha podido hacerle sombra hasta ahora.

Bayonetta, reina indiscutible de 2010.

No obstante, lo más llamativo del año recientemente concluido hay que buscarlo en el panorama independiente, con juegos descargables de la talla de "Las Desventuras de P. B. Winterbottom" o "Limbo", con apartados artísticos magníficos y mecánicas jugables muy interesantes. Tanto el ladrón de pasteles de Winterbottom como el niño oscuro de Limbo ofrecen grandes experiencias que, para mí, superan infinitamente a lo que ofrece el "Call of Duty" de turno. Algún otro juego descargable, como el de "Scott Pilgrim contra el mundo" también ha resultado divertido por su estética, pero aún así queda lejos de los dos anteriores. Por suerte, en el horizonte encontramos nuevos juegos descargables muy interesantes, como el precioso "Ilomilo" (que ha salido a la venta hoy mismo), "Stacking", "Journey" o el deliciosamente retro "Fez". ¿Quién necesita grandes superproducciones teniendo estas pequeñas maravillas?

La siniestra belleza de "Limbo".

En 2011 saldrá "Portal 2", "Deus Ex: Human Revolution", "Uncharted 3" y "Mass Effect 3", pero para mí todos ellos están en segundo plano ante la llegada de "Batman: Arkham City", secuela del sobresaliente "Batman: Arkham Asylum". Sólo espero que no metan la pata y el nuevo juego del Hombre Murciélago esté a la altura de lo que ofreció el primero: una gran experiencia y una gran adaptación de las aventuras del personaje al formato jugable.

Batman se enfrentará a Hugo Strange en 2011.

Finalmente, si tuviese que quedarme con una única conlusión de todo este texto, creo que sería la siguiente: tanto el mundo del cómic como el de los videojuegos me gustaban más cuando estaban constituidos únicamente por los cuatro frikis de entonces. Ahora que ambos han crecido exponencialmente y se han popularizado hasta extremos insospechados han perdido parte de su "esencia", de su atractivo original y primigenio, de su naturaleza en cierta medida exótica y alejada de los cánones habituales. Al abrirse a las masas, están sucumbiendo a ellas y alterándose cada vez más, dejando atrás a los viejos dinosaurios que, como yo, formaron parte de sus primeros y vacilantes pasos años atrás. Por suerte, unos pocos reductos de inteligencia y buen hacer sobreviven en el seno de estos monstruosos mercados, dando a luz buenos cómics y buenos juegos. Son pocos, y cada vez menos, pero por ellos merece la pena seguir en este mundillo.

[Libros - Reseña] La Elegancia del Erizo

2010-12-28T20:38:00.005+01:00

Bajo la portada de tonos rosáceos de "La Elegancia del Erizo" se esconde un inesperado relato cargado de belleza y sensibilidad acerca de la búsqueda de la eternidad frente a lo efímero de la vida. Se trata de un profundo mensaje filosófico enmascarado tras una moderna fábula escrita con maestría e inteligencia, con un humor sutil y refrescante y un gusto exquisito.

LA AUTORA:

Muriel Barbery, nacida en Casablanca en 1969, es profesora de filosofía además de escritora. Esta autora francesa cuenta con dos novelas en su haber: "Una golosina" (2000) y "La Elegancia del Erizo" (2006), ambas de un gran éxito. "La Elegancia del Erizo" fue un todo un fenómeno en Francia, superando las treinta ediciones y el millón de ejemplares vendidos, además de haber ostentado el primer puesto de ventas durante treinta semanas consecutivas. Esta auténtica revelación editorial no tardó en ser traducida a diferentes idiomas y publicada en otros países, alcanzando notables cifras de ventas y valoraciones muy positivas por parte de la crítica literaria. En 2009, la directora Mona Achache adaptó la novela a la gran pantalla en un largometraje titulado "El Erizo".

LA OBRA:

"Sí, el universo conspira a la vacuidad, las almas perdidas lloran la belleza, la insignificancia nos rodea. Entonces, tomemos una taza de té. Se hace el silencio, fuera se oye soplar el viento, crujen las hojas de otoño y levantan el vuelo, el gato duerme, bañado en una cálida luz. Y, en cada sorbo, el tiempo se sublima."

"La Elegancia del Erizo" nos lleva al número 7 de la Calle Grenelle de París, un edificio ocupado por varias familias, todas ellas de posición acomodada y patente poder adquisitivo. Renée Michel es la portera, una mujer de cincuenta y cuatro años, viuda, bajita, rechoncha, arisca y sin estudios de ningún tipo. Se diría que es el perfecto paradigma de portera, salvo porque esconde un íntimo secreto. Renée finge que se trata de una persona ignorante y común, cuando, en realidad, es una mujer inteligente, profunda y sensible capaz de disfrutar de la belleza de las Artes (especialmente de la literatura) como muy pocas personas pueden; mucho menos los ricachones estrechos de miras que viven en el inmueble y la miran por encima del hombro. Preocupada constantemente por mantener el estricto rol social que la vida le ha adjudicado, Renée no permite que sus verdaderos sentimientos se muestren a través de sus inexpresivos rasgos, cumpliendo sin rechistar sus responsabilidades para con los residentes del edificio y reservándose para sí misma las reflexiones que la belleza de las Artes le suscita a lo largo de sus largas noches de lectura. Su única compañía es León, un gato gordo y vago llamado así por León Tolstói, autor de una de las novelas favoritas de Renée: "Anna Karenina".

En el mismo edificio del que es portera Renée vive Paloma Josse, una niña de doce años tan inteligente como reservada y solitaria. Asqueada por los adultos que le rodean (su padre vive lamentando la decisión de dejar a la abuela de Paloma en una asilo, su madre lleva diez años sometiéndose a psicoterapia y consumiento somníferos para dormir y su hermana mayor es tan simple como caprichosa), Paloma ha tomado una firme decisión: ella nunca se convertirá en un adulto como ellos. Para cumplir su objetivo ha orquestado un meticuloso plan para suicidarse el día que cumpla los trece años sin que nadie sospeche nada al respecto. Sin embargo, antes de que llegue el día en el que al fin se quite la vida, se ha propuesto escribir todas las ideas profundas que su mente sea capaz de formular. Puesto que Paloma es una gran amante de la cultura japonesa, decide escribir estas ideas profundas en forma de haiku (poema corto de tres versos) o tanka (poema de cinco versos). Asimismo, junto a su "diario de ideas profundas" se propone escribir un "diario del movimiento del mundo", en el cual tratará de buscar en los sucesos cotidianos y en los objetos materiales una razón por la cual merezca la pena seguir viviendo, con la intención de contrastarla con su voluntad de sucididarse al cumplir los trece.

Tanto Renée como Paloma viven existencias solitarias, grises y carentes de esperanza. El mundo gira a su alrededor, pero ellas no se sienten parte de él. Tan similares, tan cercanas, pero sin llegar a conocerse realmente, un evento inesperado - la llegada de un nuevo y exótico residente al inmueble - las pondrá en contacto por primera vez. Ambas disfrutarán entonces del placer de encontrar la belleza en las pequeñas cosas y abrirán sus corazones por primera vez al exterior. La vida aún tiene muchas lecciones que mostrarles y ambas saldrán cambiadas de la experiencia. El triunfo y la tragedia, esencias que constituyen la vida misma, les aguardan.

VALORACIÓN:

"¿Qué hacer
frente al jamás
si no es buscar
el siempre
en unas notas robadas?"

"La Elegancia del Erizo" es un bello cuento moderno maravillosamente bien escrito y de una sinceridad arrolladora. Formado por capítulos muy breves, de unas cuatro o cinco páginas a lo sumo, su estructura aglutina tres partes bien diferenciadas: el "diario de ideas profundas", el "diario del movimiento del mundo" (ambos narrados por Paloma) y las vivencias de Renée, que constituyen la mayor parte de la obra. En cierto sentido, se podría decir que la portera es la auténtica protagonista, siendo los sucesos centrados en ella los que afectarán finalmente a Paloma y a su decisión de quitarse la vida, conduciendo así a la conclusión de la historia.

Mientras que los escritos de Paloma son duros, cínicos e incluso destructivos en algunos momentos, los de Renée vibran con un uso casi luminoso del lenguaje, con predominio de oraciones subordinadas encadenadas con un fluir impecable, con metáforas tan bellas como tristes y sugerentes y con un sutil sentido del humor de lo más divertido. Luces y sombras, ambos escritos nos narran la historia que transcurre en el número 7 de la calle Grenelle con amargura y abnegación, pero también con inocencia y sinceridad. Las referencias a la política, la educación, la sociedad y la cultura (a las Artes en general y, especialmente, a la filosofía, la pintura y la literatura) abundan a lo largo del libro, abarcando una amplia variedad de sensibilidades creativas y estéticas. Por ejemplo, mientras que Renée adora a Tolstói y a los pintores holandeses, Paloma lee los mangas de Jiro Taniguchi y admira el go (un juego de estrategia de origen chino).

El título del libro, buen reflejo de su contenido, surge de la metáfora que compara a Renée con uno de estos animales cubiertos de espinas y cerrados sobre sí mismos, aislados a todo contacto con el mundo, pero tremendamente regios y elegantes en su soledad. Sin embargo, en lugar de narrarnos su soledad, el libro nos narra su apertura hacia el exterior, su redescubrimiento de las emociones compartidas y el nacimiento de una nueva esperanza en su corazón (pues es uno de los principales mensajes del libro que nunca es tarde para descubrir la belleza de la vida), así como las vicisitudes que el destino - o el azar- ha preparado para ella. Pero no hay que llevarse a engaño: el libro sorprende por su crudeza y por lo trágico e injusto de los acontecimientos que se narran en su emotiva conclusión. Sin embargo, la belleza de su mensaje, en lugar de verse mancillada por la tristeza y la injusticia, queda reforzada: la vida es un continuo "jamás", una desesperación interminable, salpicada por momentos de singular belleza que perduran por siempre. La vida es, pues, buscar los "siempres" dentro del "jamás".

En definitiva, "La Elegancia del Erizo" es una lectura deliciosa y vivificante, así como emotiva e inspiradora. Se aleja del pesimismo existencial dolorosamente omnipresente en el mundo actual y muestra la alternativa: alcanzar la felicidad a través de la amistad y la eternidad a través del Arte. Si bien no niega la tristeza y la soledad de la vida, también defiende que la belleza aguarda a ser encontrada en las pequeñas cosas, en los detalles de la vida cotidiana y en las personas aparentemente insignificantes que comparten nuestra existencia casi sin que nos percatemos de ellas.

[Videojuegos - Impresiones] Majin and the Forsaken Kingdom

2010-11-05T23:30:00.000+01:00

Desarrollado por Game Republic y distribuido por Namco Bandai, "Majin and the Forsaken Kingdom" es uno de los nuevos juegos que llegarán a las consolas durante este mes de noviembre. Al contrario que otras nuevas franquicias, este juego no viene precedido de un gran impacto mediático, lo cual, en este mundillo donde los prejuicios y las opiniones sesgadas se difunden a la velocidad de la luz a través de la red, me parece bastante positivo. Probablemente nos encontremos ante uno de los "tapados" del año, pues sin duda se trata de una de las apuestas más llamativas en lo que respecta a su apartado estético.

En efecto, por lo poco que podemos ver en la demo (que ya se encuentra disponible tanto en el bazar de Xbox Live como en la store de PS3), "Majin and the Forsaken Kingdom" promete ser un juego realmente bonito. Su estética, muy cuidada, bebe de diversas fuentes y nos evoca directamente grandes juegos del pasado como "Ico" o "Shadow of the Colossus". Es innegable la influencia que dichos juegos han ejercido sobre el equipo de desarrollo, pues incluso la jugabilidad de "Majin and the Forsaken Kingdom" es similar a ellos en algunos aspectos (en otros, en cambio, podemos encontrar similitudes con "Prince of Persia", el reciente "Enslaved" o el futuro "The Last Guardian").

La clave de esta mágica aventura es la dinámica establecida entre sus dos protagonistas: un joven ladronzuelo llamado Tepeu y una enorme criatura mágica que responde al nombre de Majin. Nosotros controlamos directamente a Tepeu, pero sin la ayuda de Majin nos será imposible avanzar en el juego. A pesar de su aspecto y tamaño, Majin es un ser amable y bondadoso que no tardará en ofrecernos su amistad. El carismático diseño de este personaje es uno de los puntos más interesantes de "Majin and the Forsaken Kingdom".

El mundo de Tepeu se encontraba asolado por la intervención de unas misteriosas fuerzas oscuras, lo que le llevó a internarse en el corazón de un reino perdido para buscar el poder de una bestia legendaria. En el interior de las ruinas de un castillo, el muchacho encontró preso a la criatura, Majin, que había sido despojada de sus poderes. De esta forma, ambos tendrán que unir fuerzas para escapar del castillo, recuperar los poderes de Majin y vencer juntos a la oscuridad. Ésta es la premisa del juego, que nos deposita casi inmediatamente ante la acción sin demasiados prolegómenos.

Ayudados por Majin, tendremos que recorrer los escenarios derrotando a los enemigos y superando diversos obstáculos. La cooperación entre los dos personajes es fundamental, aunque por desgracia es bastante limitada, ya que la mayor parte del tiempo lo único que hacemos es dar órdenes a Majin o seguir sus indicaciones. Pulsando RT (voy a referirme a los controles de la versión para Xbox 360, pues ha sido ésta la plataforma en la que he podido probar la demo) accedemos a un menú radial en el que tenemos las opciones relacionadas con Majin, pudiendo ordenarle que nos espere, que nos siga, que ataque a un enemigo, que interactúe con un objeto (como una puerta o una pared) o que utilice sus poderes (en la demo podemos ver que al principio dispone de aliento de fuego, aunque es lógico esperar que disponga de otros muchos poderes que se irán desbloqueando más adelante). Mientras estemos juntos, Majin puede usar sus habilidades para curarnos (Tepeu tiene una barra de vida bastante corta en comparación con la de Majin, por lo que tendremos que andarnos con cuidado durante los combates) y nosotros podremos hacer lo mismo dándole unos frutos que encontraremos en nuestro camino.

Nuestros enemigos forman parte de un ejército de criaturas sombrías. Incluso los soldados rasos son bastante duros y necesitaremos que Majin los golpee hasta derribarlos para que podamos acabar con ellos. Una vez el enemigo esté en el suelo, podremos realizar un combo conjunto con Majin para acabar con él pulsando el botón B (el medidor de combo se agota y es necesario esperar a que se recargue antes de realizar un nuevo combo). Los primeros combos que podemos realizar son bastante simples, pero irán ganando en fuerza y espectacularidad a medida que vamos recogiendo uno de los objetos que dejan caer los enemigos al desaparecer: los fragmentos de amistad. Dichos fragmentos son esferas de color rojo que aumentan la intensidad de nuestro vínculo con Majin, permitiendo a éste acceder a nuevos poderes y combos. El otro objeto que dejan caer los enemigos derrotados son los fragmentos de vida, que son esferas de color azul que aumentan la fuerza de Tepeu.

Pero no todo se limitará a machacar el botón X para atacar a los enemigos oscuros, sino que también disponemos de otras opciones para acabar con ellos, como el sigilo y el uso de elementos del escenario. Podemos ordenar a Majin que derribe muros sobre los enemigos desprevenidos o acercarnos sigilosamente a los adversarios por su espalda para acabar con ellos rápida y limpiamente. También encontraremos bombas y barriles explosivos que podremos arrojar contra ellos. Además, nos cruzaremos con diversos tipos de enemigos que requerirán diversas técnicas, así como con grandes jefes finales (algunos de aspecto y habilidades similares a los de Majin) contra los que tendremos que luchar en momentos puntuales.

Entre combates, nos encontraremos con diversos obstáculos a superar. En ocasiones tendremos que separarnos de Majin, ya que él no puede pasar por algunos lugares. En estos casos se inclinará para que Tepeu suba a su espalda y pueda llegar a caminos inaccesibles de otra forma, teniendo que recorrer un escenario concreto hasta accionar una palanca que desbloquee el camino de Majin. Los animales que encontramos a lo largo del recorrido también se dirigirán a nosotros algunas veces para darnos consejos o para avisarnos de lo que nos espera a continuación, permitiéndonos prepararnos y planificar nuestras acciones.

Técnicamente, "Majin and the Forsaken Kingdom" no parece un juego excelente, pero sí notable. Aunque el nivel de detalle gráfico no es especialmente elevado, tanto personajes como escenarios lucen realmente bien. Evidentemente, el diseño artístico influye mucho en esta percepción, ya que tanto escenarios como enemigos resultan atractivos y agradables. De hecho, la ambientación fantástica del juego es uno de sus principales alicientes. Las animaciones durante el juego se antojan un tanto escasas, aunque esto no se percibe durante las cinemáticas, en las que Majin se muestra muy simpático y expresivo.

El juego no se encuentra doblado al castellano, pero sí subtitulado. Las voces originales son más que aceptables, especialmente la de Majin, auténtico pilar y alma de la aventura. En cuanto a su banda sonora, poco se puede decir de ella por lo que muestra la demo, pero promete ser muy interesante. Las melodías parecen acordes a la temática y ambientación, acompañando y apoyando a la acción con la fuerza necesaria en el instante necesario. Para el menú de inicio y los escasos momentos de tranquilidad encontraremos temas calmados y sugerentes que invitan a soñar. En este sentido, parece un muy buen trabajo por parte de los compositores.

En conclusión, nos encontramos con un juego sencillo, con un apartado técnico correcto y una buena banda sonora. Destaca especialmente por el carisma del adorable Majin y por la belleza de sus escenarios. Realmente se trata de un juego que resulta bonito y agrada inmediatamente tras el primer vistazo. Si a su atractivo se añade una jugabilidad como la presentada en la demo a la que se vayan añadiendo nuevas posibilidades que eviten la repetición, "Majin and the Forsaken Kingdom" puede acabar resultando una notable aventura de acción que destaque entre el aburrido panorama de secuelas y juegos mediocres que forma el mercado actual del videojuego. Mi recomendación es no perderlo de vista y anotarlo en la futura lista de compras, pues su lanzamiento se producirá dentro de unas semanas.

[Cine] Flash Gordon

2010-10-03T15:00:00.000+02:00

Siempre me pareció encomiable el interés de la productora italiana Dino de Laurentiis por adaptar al cine grandes historias de fantasía y ciencia ficción, como "Barbarella", "Dune" o "Conan el Bárbaro". Algunas de ellas recibieron una buena acogida y cosecharon una buena recaudación en taquilla. Otras, en cambio, fueron un tremendo fracaso que el tiempo convirtió en películas de culto. Esto es lo que sucedió con "Flash Gordon", película de 1980 protagonizada por el héroe de cómic creado por Alex Raymond.

Flash nació en los seriales de ciencia ficción de las revistas pulp en 1934, inspirado por el otro gran héroe de la space opera: Buck Rogers. El serial narraba la historia del deportista Flash Gordon, la bella Dale Arden y el científico Doctor Zarkov, que viajan en un cohete hasta el planeta Mongo. Allí descubren que el planeta se encuentra dividido en diferentes y conflictivos reinos, todos ellos oprimidos por el malvado Emperador Ming. El gran éxito del cómic llevó a la elaboración de varios seriales de cine (cortos episódicos que se emitían en los cines antes de la película principal) en la década de los 30, así como una popular serie de animación.

El Flash Gordon de 1980 fue encarnado por Sam Jones, actor que no destacaba especialmente por sus dotes interpretativas pero que contaba con el físico ideal del personaje del cómic, es decir, era rubio, alto, guapo y musculoso. Por su parte, su némesis, el Emperador Ming, fue interpretado por el siempre fantástico Max Von Sydow, ataviado con un traje que pesaba cerca de 30 kilos para dar vida al diabólico gobernador de Mongo. Otros actores destacados fueron Timothy Dalton, que interpretó al Príncipe Barin, y la bellísima Ornella Mutti como la Princesa Aura, hija de Ming.

La banda sonora de la película corrió a cargo del mítico grupo Queen. Aún hoy el tema principal es bien conocido, especialmente por los amantes del grupo. Supongo que el hecho de tener a Queen detrás contribuyó a que la película alcanzase el estatus de película de culto a pesar de su fama de película cutre y hortera. Realmente se trata de una película cutre y hortera, con algunas escenas verdaderamente disparatadas y sin sentido, pero que transmite perfectamente esa sensación de aventura especial despreocupada que transmitían los cómics.

En el aspecto argumental, el primer tercio de la película es un completo desastre. La Tierra se ve atacada por terremotos y lluvias de meteoritos, lo cual hace que el avión en el que viajan Flash Gordon (que en la película pasa de ser un jugador de polo, como se contaba en el cómic, a ser un jugador de fútbol americano) y Dale Arden tenga que hacer un aterrizaje de emergencia. Por una de esas extrañas casualidades, el avión acaba estrellándose contra el laboratorio del Doctor Zarkov, quien sospecha que esos extraños fenómenos son producto de un ataque contra la Tierra que proviene del espacio exterior. Zarkov engaña a Flash y a su acompañante de una forma completamente irrisoria para que suban a un cohete inventado por él. Todo esto no es más que una pobre excusa argumental para poner en marcha la película. De esta forma, los tres acaban viajando al espacio y llegan hasta Mongo.

Allí descubren que el planeta se encuentra oprimido por un perverso y cruel dictador, el Emperador Ming. Su estrategia consiste en mantener a los príncipes de los diversos reinos de Mongo enfrentados entre sí, de forma que no puedan oponerse a sus fuerzas. Sin embargo, la Princesa Aura, hija de Ming, tiene planes propios y ve en Flash la manera de llevarlos a cabo.

A partir de este punto, la película es una sucesión de aventuras despreocupadas sin mucha trascendencia para derrotar a Ming y salvar la Tierra de sus ataques. Algunas escenas no tienen mucho sentido, pero la fantasía en general y la space opera en particular no tienen por qué tenerlo. Siempre y cuando sean coherentes consigo mismas, las obras de este género tienen carta blanca para mostrar prácticamente cualquier cosa. A pesar de ello, hay momentos de la película bastante discutibles, como la escena en la que Flash lucha contra las tropas de Ming en una especie de partido de fútbol americano.

Curiosamente, la película añade unos inesperados toques de humor que, precisamente por ser inesperados, resultan completamente hilarantes. A destacar la pregunta que realiza Ming a su lugarteniente al ver a sus hombres apalizados por Flash sobre si sus subordinados toman las suficientes vitaminas o los votos nupciales del Emperador, que incluyen no lanzar a su esposa al espacio... hasta que se canse de ella.

Aliado al Príncipe Barin y con el apoyo de los hombres halcón del Príncipe Vultan, Flash luchará contra Ming, salvará a Dale Arden y pondrá orden en Mongo. Mientras tanto, y esto es lo más importante, divierte al espectador con un derroche de imaginación, trajes coloridos y escenarios imposibles. La película, a pesar de ser cutre y hortera, captura la esencia del héroe clásico de space opera (el héroe galante, valiente y brillante), así como los sugerentes escenarios donde transcurren sus aventuras.

"Flash Gordon" es una película impensable hoy día. En una época en la que lo que se lleva son los héroes oscuros y violentos o los antihéroes, una película de aventuras espaciales protagonizada por un héroe tan inocente que roza el ridículo (prueba de ello son sus reacciones ante las insinuaciones de las féminas del reparto) sería algo inconcebible. No obstante, es una película de culto con una banda sonora mítica y un diseño de lo más interesante para los amantes del cine fantástico. Creo, además, que es una película que hay que reivindicar como referente dentro de este género con el que muchos nos criamos. Sí, como he comentado varias veces, es una película cutre y hortera y su comienzo es poco menos que ridículo. ¿Y qué? Es divertida. Es imaginativa. Es un gran homenaje al personaje creado por Alex Raymond. Es una buena muestra de un tipo de cine fantástico que por desgracia ya no se hace. ¿Qué más se puede pedir?

[Cómic - Manga - Reseña Breve] Lobezno: Snikt!

2010-10-01T15:30:00.002+02:00

Repasando los cómics de la extinta Línea Tsunami de Marvel (línea editorial que pretendía ofrecer "manga al estilo Marvel") me reencontré con una curiosa miniserie titulada "Lobezno: Snikt!" (llamada así por la onomatopeya utilizada cada vez que el famoso mutante saca las garras). Publicada allá por 2003, esta miniserie pretendía aprovechar el tirón del manga para acercar a nuevos lectores hasta los cómics Marvel. Para ello realiza una imposible unión entre uno de los personajes más populares de la editorial, Lobezno, y un famoso mangaka, Tsutomu Nihei. Conocido por obras como "Blame!", "Noise" o "Biomega", Tsutomu Nihei ha hecho de la ciencia ficción postapocaliptíca y cyberpunk su especialidad. Como no podía ser de otra forma estando este autor implicado, "Lobezno: Snikt!" lleva a Lobezno a un lejano y aterrador futuro poblado por terribles criaturas biomecánicas.

No obstante, hay que puntualizar que el argumento de "Lobezno: Snikt!" es prácticamente inexistente y se reduce en su totalidad a la premisa antes comentada. Un chica misteriosa llamada Fusa transporta a Lobezno hasta un terrible futuro donde el planeta ha sido arrasado por unos seres llamados Mandatos, combinación de biología y maquinaria. La única sustancia a la que son vulnerables estas criaturas es el adamántium, por lo que Fusa viaja en el tiempo para traer al mutante de huesos y garras compuestos de este metal para que reparta estopa entre los Mandatos.

Lo curioso del asunto es que este Lobezno poco tiene que ver con el Lobezno que encontramos mes a mes en el resto de colecciones de Marvel. No se hace ninguna referencia a su pasado, apenas tiene diálogos y el tratamiento gráfico al que le somete Nihei está tan alejado de su estética habitual que casi no parece él. Bien podría haberse llamado de otra forma, porque de "Lobezno" tiene poco. Aunque evidentemente pocos nombres tienen el mismo tirón comercial, que es de lo que se trata.

Tanto el guión como el dibujo son obra de Nihei, lo que hace que "Lobezno: Snikt!" se deba considerar más un manga que un cómic americano al uso. Si eliminamos la presencia de Lobezno, cualquiera de sus páginas podría pasar fácilmente por una página de "Blame!" o de "Biomega". No se trata ni mucho menos del trabajo más brillante ni el más original del mangaka, pero desde luego está a muy buen nivel (siempre y cuando te guste el estilo de Nihei, claro está). El coloreado, realizado de forma digital, le sienta muy bien al dibujo y contribuye a crear un apartado gráfico notable. Desgraciadamente, el apartado gráfico es el único motivo por el cual "Lobezno: Snikt!" puede resultar interesante.

Los cinco números que componen esta miniserie fueron recopilados hace tiempo por Panini en un tomo de la colección 100% Marvel a un precio de 10 € y no debe ser muy difícil encontrarlos. Se trata de un producto apto sólo para aquellos a los que les guste el trabajo de Nihei, pues no creo que se trate de una historia del agrado de los lectores habituales de cómic americano. Queda pues como testimonio de otro de los intentos fallidos de Marvel por acercarse al manga (de los cuales hablé hace tiempo en un artículo del blog).

[Videojuegos - Impresiones] Blade Kitten

2010-09-28T16:30:00.000+02:00

"Blade Kitten" es un cómic independiente creado por Steve Stamatiadis y protagonizado por una cazarrecompensas futurista mitad chica mitad gato llamada Kit Ballard. Dicho cómic bebe claramente de la estética y el humor del manga, donde las chicas-gato son bastante comunes, y narra las aventuras de la aguerrida Kit Ballard en el mundo fantástico de Hollow Wish. Recientemente, los chicos de Krome Studios, encabezados por el propio Stamatiadis, cogieron la idea del cómic y diseñaron un videojuego basado en él que conservase su estética y su sentido del humor. El juego de "Blade Kitten", distribuido por Atari, ya puede encontrarse en formato descargable tanto en el bazar de Xbox 360 y la store de PS3 como en PC a través de Steam.

Se trata principalmente de un juego de plataformas con algunos toques de aventura y acción. Situado varios años antes del inicio del cómic, el juego narra la llegada de Kit Ballard a Hollow Wish. Allí recibirá el encargo de capturar a una rebelde llamada Terra-Li, pero antes tendrá que enfrentarse a una presumida cazarrecompensas rival que quiere pisarle el trabajo.

Antes de comentar nada más es necesario apuntar que "Blade Kitten" no es un juego de gran presupuesto. Técnicamente no es ninguna maravilla, los actores de doblaje no pasan de correctos y no innova en ningún aspecto. Es más, no ofrece nada que no hayamos visto en decenas de juegos antes. Sin embargo, su jugabilidad sencilla y adictiva, su estilo en "falsas 2D" y su agradable estética lo convierten en un juego al que merece la pena dar una oportunidad. Evidentemente no se trata de un juego sobresaliente, quizá ni siquiera notable, pero resulta entretenido y adictivo. Además, su jugabilidad parece más propia de las generaciones pasadas que de la presente generación, lo cual resultará atractivo para los nostálgicos.

Como comentábamos antes, nos encontramos ante un juego de plataformas y acción. Nos desplazaremos en scroll lateral a través de escenarios en "falsas 2D". Es decir, que aunque escenarios y personajes estén modelados en 3D, el desplazamiento será únicamente en 2D. Se trata de un juego enfocado a la aventura para un solo jugador, por lo que podemos olvidarnos desde ya del componente online (éste se usa únicamente para almacenar las puntuaciones obtenidas por el jugador). Las cinemáticas están realizadas en un formato similar al cell-shading para obtener un estilo similar al del cómic, muy cercano al del manga. En general, el juego presenta una estética clara y colorista, tanto en personajes como en la ambientación de los escenarios. Es destacable el trabajo realizado en los fondos, que resultan bonitos y contienen muchos elementos móviles, aunque no se pueda interactuar con ellos. La ambientación de mundo fantástico y futurista está bastante conseguida.

Básicamente, nuestro recorrido por los escenarios (que además son de un tamaño considerable) se compone de momentos de plataformas y exploración combinados con momentos de combate. Los enemigos son bastante repetitivos y no presentan mucha variedad, por lo que los enfrentamientos resultan muy sencillos. La parte más interesante la constituye el plataformeo para sortear obstáculos y descubrir caminos secretos que nos lleven hasta los cofres ocultos. A lo largo del recorrido nos encontraremos con unos rectángulos de colores que debemos recoger. Se trata de la moneda del mundo de Hollow Wish, llamada hex. En diversos lugares secretos de los escenarios se esconden cofres repletos de hex que constituyen nuestro objetivo secundario. Finalmente, la última forma de conseguir hex es derrotando a los enemigos.

Para derrotar a los enemigos contamos con nuestra espada, que flota a nuestro lado hasta que le damos la orden de atacar. El hecho de que no necesitemos agarrar la espada para atacar nos otorga varias ventajas: podemos atacar mientras trepamos por las paredes o el techo y podemos ordenar a la espada que realice un ataque a larga distancia para eliminar a enemigos alejados o para golpear interruptores que están fuera de nuestro alcance. También podemos clavar la espada al suelo para mantenernos en nuestra posición (por ejemplo para que el aire de una turbina no nos arrastre) o usarla para generar un campo de fuerza de duración limitada que nos guarde de los ataques enemigos. Este campo de fuerza depende de la energía de la espada, que se renueva automáticamente, pero que se agota rápidamente si la utilizamos para hacer ataques a distancia. La energía de la espada está representada en forma de círculo azul en el indicador de la parte inferior izquierda de la pantalla. Junto a él se encuentra el indicador de vida de Kit Ballard, de color rosa. La vida también se recupera automáticamente, lo cual contribuye a que los combates sean tan sencillos. La única dificultad real del juego son las fases de plataformas.

En cuanto al plataformeo, Kit Ballard cuenta con los típicos movimientos para avanzar: salto, doble salto, deslizamiento, etc. Además es capaz de trepar por paredes y techos sin dificultad. Los escenarios están repletos de obstáculos, como rayos láser, plataformas móviles, turbinas... Para poder atravesar muchos de ellos tendremos que accionar diferentes interruptores o encontrar las paredes que podemos derribar con nuestra espada para abrir nuevos caminos. Dentro de un mismo escenario existe bastante variedad para hacer que resulte entretenido completarlo.

A todo esto habría que añadir los enfrentamientos de rigor contra gigantescos jefes finales y la posibilidad de desbloquear diferentes elementos, como nuevas espadas y nuevos trajes para Kit Ballard. Aunque la historia no sea especialmente brillante y la estética estilo manga pueda gustar más o menos, sin duda la jugabilidad cumple con creces y ofrece suficiente diversión.

A pesar de que las voces están en inglés, el juego viene con subtítulos en castellano, lo cual siempre es de agradecer. Como punto negativo es necesario comentar que se trata de un juego dividido en dos episodios que se venden por separado. Hasta ahora ha salido el primero, que se puede adquirir a un precio de 1200 Microsoft Points en el bazar de 360 y unos 12 € aproximadamente en la store de PS3. Un precio demasiado alto para un juego descargable, por interesante que sea su jugabilidad. Y más teniendo en cuenta que habría que adquirir la segunda parte por separado cuando esté disponible (y probablemente llegue a un precio similar).

No obstante, el juego me parece lo suficientemente interesante como para darle una oportunidad. Hay que tener claro que no se trata de un juego sobresaliente, como ya hemos comentado, pero con una jugabilidad divertida y atractiva heredera de los clásicos en 2D. Salvo "Trine" y el reciente remake de "Rocket Knight Adventures", no hay muchas alternativas de juegos similares, por lo que aquellos a los que les guste el género harán bien en probar "Blade Kitten".

[Series TV] El Prisionero

2010-09-23T13:58:00.006+02:00

A finales de la década de los 60 se estrenó una serie de televisión británica llamada "El Prisionero". Dicha serie, protagonizada por Patrick McGoohan, se convirtió en una serie de culto con el paso de los años. "El prisionero" narraba la historia de Número 6 (interpretado por el propio McGoohan), un hombre de pasado misterioso que era secuestrado y recluido en un extraño e idílico pueblecito llamado La Villa, donde todos los habitantes responden a un número en lugar de un nombre. Tras la aparente tranquilidad de La Villa, dirigida por el enigmático Número 2, se escondían inquietantes secretos, siendo el primero de ellos quién estaba detrás de su existencia y el motivo por el que se retenía a sus habitantes. Mientras que la mayoría de residentes de La Villa aceptaban su cautiverio, Número 6 buscaba siempre la manera de escapar.

La serie resultó tan innovadora como polémica, pues fue una de las primeras series que apostó por al ambiguedad y el misterio para tener en vilo al espectador. Narrada desde el punto de vista subjetivo de Número 6 (quien no sabía por qué había sido recluido en La Villa), la serie nunca llegó a revelar todos sus secretos. En ocasiones su narrativa recurría a escenas oníricas y surrealistas, mostrando las manipulaciones a las que era sometido Número 6. Aunque podría considerarse una serie de misterio e intriga, "El Prisionero" se adentró en terrenos más propios de la ciencia ficción, tratando temas como el control mental, el robo de identidad y la manipulación de la consciencia.

En 2009 se realizó una revisión del concepto de la serie original en forma de miniserie de seis episodios. No sería apropiado hablar de remake, pues en realidad no es un remake como tal, sino más bien una reconstrucción y ampliación del punto de partida de la serie de los 60 adaptándolo a la época actual. No obstante, esta miniserie conservó muchos elementos de su predecesora, como puede ser la peculiar estética de La Villa, su predilección por la ambiguedad y las escenas oníricas o el hecho de que sus misterios no llegan a ser revelados en su totalidad. La miniserie de "El Prisionero" contó con Jim Caviezel como Número 6 y con el siempre fantástico Ian McKellen como Número 2. Dicha miniserie ha sido emitida recientemente en nuestro país a través de Canal+.

Tras estos datos introductorios vamos a centrarnos en la miniserie de "El Prisionero". Ésta comienza cuando nuestro protagonista, cuyo nombre y cuyo pasado nos son completamente desconocidos, despierta en mitad de un vasto entorno desértico. No tarda mucho en cruzarse con un maltrecho anciano llamado Número 93 que trata de escapar de unos perseguidores desconocidos. Tras la muerte del anciano, nuestro protagonista comenzará a investigar para comprender qué es lo que está sucediendo y llegará a un pueblecito de aspecto idílico y un tanto retro llamado La Villa. Allí conocerá a Número 2, el responsable de La Villa, y se le adjudicará un número: el 6. Sorprendido por la actitud de los habitantes de La Villa, que no parecen preocupados por su situación ni por las manipulaciones a las que son sometidos allí, Número 6 tratará de seguir el ejemplo de Número 93 y escapar de allí sin conseguirlo. Una vez aceptada su condición de prisionero pero con la idea de escapar aún en mente, Número 6 se propondrá entonces tratar de averiguar qué se esconde tras La Villa y su dirigente.

Mientras todo esto sucede, se nos va narrando una segunda línea argumental en lo que en un principio parece una serie de flashbacks sobre la situación que llevó a Número 6 hasta La Villa. Nótese que he dicho que en un principio parece una serie de flashbacks, pues a medida que la miniserie avanza hacia su resolución esta segunda línea argumental comienza a entrelazarse de forma sorprendente e inesperada con los sucesos que transcurren en La Villa, revelando nuevas preguntas cuyas respuestas aportan una nueva interpretación sobre el gran misterio de la existencia de La Villa. Esta segunda línea argumental nos presenta a Michael, un trabajador de una importante empresa que ha decidido renunciar tras descubrir ciertos secretos turbios, y a Lucy, una chica de motivaciones desconocidas con la que comparte una noche apasionada cuyas consecuencias se irán desvelando poco a poco.

Tras el intrigante planteamiento inicial, las pistas que se van desvelando progresivamente en ambas líneas argumentales comienzan a entrelazarse y entonces todo adquiere una nueva dimensión mucho más siniestra y compleja de lo que parecía en un principio. Finalmente, la conclusión de la miniserie resultan tan inquietante como sugerente, cerrando de forma magistral estos seis capítulos y comenzando un nuevo capítulo cuyo desarrollo queda a la imaginación del espectador.

"El Prisionero" es, en cierto sentido, un duelo a varios niveles. Es un duelo entre Número 6 y Número 2 en la ficción, pero también es un duelo interpretativo entre los dos actores protagonistas. He de decir que, aunque Jim Caviezel cumple con creces su papel, se ve completamente eclipsado por ese auténtico monstruo de la interpretación que es Ian McKellen. El veterano actor da vida al enigmático y en ocasiones contradictorio Número 2, el dirigente de ese extraño y surrealista pueblo situado en mitad de la nada. Número 2 es el gran manipulador que controla los destinos de los habitantes de La Villa, pero incluso él no es más que otra marioneta en manos de la verdadera mano en la sombra que orquesta todo lo que allí sucede (de ahí que él no sea el Número 1, sino el Número 2). Uno de los temas mejor llevados y más interesantes de la miniserie es el que plantea el precio que ha tenido que pagar Número 2 para asegurar el bien de La Villa; para asegurar el bien común.

Número 2 también proporciona algunas de las mejores reflexiones de la miniserie. Ésta no sólo plantea una serie de misterios, sino que también invita a reflexionar sobre diferentes temas que van desde la filosofía más abstracta hasta la ciencia más objetiva, pasando por el debate acerca de la sociedad. Usando la ciencia ficción como trampolín, "El Prisionero" plantea preguntas tremendamente interesantes acerca de los diferentes planos en los que funciona nuestra mente, la forma en la que interpretamos subjetivamente aquello que no son más que reacciones químicas en nuestro cerebro (por ejemplo, cuando nos enamoramos), el delicado equilibrio en el que se basa la convivencia social, lo predispuestos que estamos a aceptar una mentira cuando queremos creer en ella, etc. Más que una serie sobre un pueblo misterioso y un hombre que trata de escapar de él, "El Prisionero" es un exquisito estudio sobre la naturaleza humana.

La estética de la miniserie respeta la esencia de la de su predecesora, aunque opta más por una fotografía basada en amplios parajes desérticos desprovistos de vida (lo cual tiene incluso una motivación profunda una vez conocidas todas las pistas sobre la naturaleza de La Villa). Tanto los vehículos como las casas tienen un cierto aire retro, como si estuviesen un par de décadas desfasados respecto al presente. Lo mismo sucede con el vestuario de sus habitantes, que por lo general presentan un aspecto impecable (casi todos, especialmente Número 2, visten trajes de un blanco impoluto), lo cual contrasta con el aspecto algo desaliñado y las ropas oscuras y desgastadas de Número 6. En este aspecto la miniserie está muy conseguida.

Al igual que respeta la estética de su predecesora también respecta su predilección por la ambiguedad, las secuencias oníricas y las escenas alucinatorias. Dado que la miniserie está narrada desde el punto de vista de Número 6, en la mayoría de escenas el espectador se enfrenta al mismo desconcierto al que se enfrenta el personaje. No obstante, a medida que avanza la trama se nos van mostrando muchos más detalles, ampliando nuestro foco desde Número 6 hasta un núcleo de personajes clave de La Villa. Todos ellos son piezas de un gran puzle cuya verdadera complejidad no se revela hasta el final.

En conclusión, "El Prisionero" es una miniserie que recicla a la perfección un concepto clásico y lo amplía, llevándolo hacia nuevos horizontes. Su argumento está magistralmente hilado y asegura el interés del espectador hasta el final, llevándole progresivamente a través de dos líneas argumentales entrelazadas hacia una conclusión francamente sorprendente. Por otro lado, tanto su estética como la calidad del trabajo de los actores aseguran que resulte lo suficientemente atractiva a los espectadores que no estén acostumbrados a este tipo de producciones que apuestan más por la ambiguedad y la reflexión que por la acción. Finalmente, al estar compuesta sólo por seis capítulos, su visionado no conlleva demasiado tiempo. Merece mucho la pena darle una oportunidad y, tras completarla, dedicar un rato a rumiar las ideas que presenta, mucho más profundas de lo habitual en las series de ficción actuales.

[Cómic - Reseña Breve] Mass Effect Redemption

2010-09-17T23:00:00.002+02:00

"Mass Effect Redemption" es una miniserie de cuatro cómics que forma parte del universo expandido de la saga de videojuegos de ciencia ficción "Mass Effect" de BioWare. Esta miniserie narra una historia que sirve de puente entre el primer y el segundo juego, además de servir de prólogo para uno de los contenidos descargables de este último. El argumento de dichos cómics fue elaborado por Mac Walters, uno de los escritores de los juegos de BioWare, por lo que la coherencia entre los cómics y los videojuegos puede darse por supuesta.

Editados recientemente por Panini en un tomo recopilatorio a un precio de 12,95 €, los cuatro números de "Mass Effect Redemption" están protagonizados por la Doctora Liara T´Soni, la asari que se unió al grupo de combate del Comandante Shepard durante el primer juego. Aunque "Mass Effect Redemption" se sitúa oficialmente entre el primer y el segundo juego, sería más correcto decir que se sitúa entre el prólogo y el comienzo de la acción de "Mass Effect 2". Es decir, entre la destrucción de la Normandía y el momento en el que Shepard despierta en las instalaciones de Cerberus.

Un ataque por sorpresa destruye la nave espacial Normadía y el Comandante Shepard es dado por muerto. Sin embargo, Liara no acepta lo sucedido y comienza una investigación por su cuenta para tratar de encontrar a Shepard... o al menos lo que queda de él. Su búsqueda le llevará a la peligrosa estación espacial Omega, situada en el Sistema Términus. Allí descubrirá las fuerzas que se han puesto en marcha y tratan de apoderarse del cuerpo de Shepard, entre ellas la misteriosa organización prohumana llamada Cerberus. Por suerte, Liara no estará sola durante su búsqueda, pues recibirá la ayuda de un aliado: un drell llamado Feron.

Durante el curso de "Mass Effect Redemption" Liara se encontrará con diversos personajes que tendrán un papel muy importante en "Mass Effect 2". Es el caso de Miranda, una de las agentes de Cerberus, o del misterioso líder de dicha organización: el enigmático Hombre Ilusorio. El cómic sirve para explicar algunas de las crípticas afirmaciones de Liara durante "Mass Effect 2", así como para introducir un contenido descargable llamado "Lair of the Shadow Broker", continuación directa de los eventos narrados en la conclusión de este cómic.

El dibujo corre a cargo de Omar Francia, dibujante e ilustrador que ya ha trabajado anteriormente en cómics de ciencia ficción dentro de la franquicia Star Wars (concretamente la serie "Star Wars Legacy"). Su dibujo, aunque carente de grandes alardes, resulta agradable y muestra unas composiciones de página bastante conseguidas. Es necesario destacar la fidelidad que consigue respecto a lo visto en los videojuegos, tanto en la estética de los escenarios como en la apariencia de las diferentes especies alienígenas y el diseño del armamento que utilizan los personajes. Quien haya jugado a los juegos de BioWare reconocerá inmediatamente todos los elementos que se muestran en el cómic.

Las portadas son obra del ilustrador Daryl Mandryk, artista conceptual de videojuegos y portadista habitual de la editorial americana Dark Horse, editorial que lanzó originalmente estos cómics en USA. Su trabajo como portadista de "Mass Effect Redemption" es impecable, pues las cuatro portadas son realmente magníficas.

La edición de Panini, aunque algo cara para contener sólo cuatro números, es de gran calidad, siendo su único punto negativo el hecho de que algunas traducciones son diferentes a las de los juegos (por ejemplo, "Coleccionistas" en lugar de "Recolectores"). Por lo demás se trata de una muy buena edición.

Evidentemente, al formar parte del extenso mundo de ficción de la saga "Mass Effect" y hacer tantas referencias a lo visto en los juegos, "Mass Effect Redemption" es un cómic dirigido principalmente a los jugadores que quieran ampliar sus conocimientos sobre la saga. Eso no quiere decir que alguien que no haya jugado antes a "Mass Effect" y "Mass Effect 2" no pueda disfrutar de "Mass Effect Redemption", pero está claro que el disfrute de los que lo hayan hecho será exponencialmente mayor. Por lo tanto, se trata de un producto especialmente recomendado para los seguidores de la franquicia de ciencia ficción de BioWare.

[Cine - Series TV] Especial Star Trek

2010-09-15T14:32:00.003+02:00

[Cine] Star Trek VI: The Undiscovered Country

2010-09-15T01:30:00.004+02:00

La anterior película de Star Trek había sido un fracaso, tanto de taquilla como de crítica. La serie de "Star Trek: The Next Generation" ya se había consolidado con cierto éxito, mostrando una nueva tripulación, un nuevo Enterprise y nuevas aventuras mucho más acordes a la época. La productora clamaba por poner fin a la etapa clásica de Star Trek, aunque desconfiaba de la idea de rodar una nueva película ante el fiasco de la anterior. Llegó a barajarse una idea llamada "Star Trek: The First Adventure" según la cual se comenzaría una nueva saga con versiones más jóvenes de los personajes originales interpretados por otros actores. De esta forma se podría narrar la época en la que Kirk y Spock estaban aún en la academia. Finalmente, esta idea fue rechazada por el propio Gene Roddenberry, el creador de la serie original. Los actores originales merecían una digna despedida, por lo que se contactó con Nicholas Meyer, director de la película más exitosa de la saga ("The Wrath of Khan"), y comenzó a prepararse un nuevo guión. Leonard Nimoy (Spock) se puso en contacto con el director para sugerirle una idea: la nueva película se inspiraría en la caída del muro de Berlín y el fin de la Guerra Fría. De esta forma, en 1991, poco después del 25º aniversario de la primera emisión de la serie original, se estrenó "Star Trek VI: The Undiscovered Country" ("Aquel país desconocido"). La película se dedicó a Gene Roddenberry, que falleció poco antes del estreno.

La historia comienza con el Capitán Sulu, antiguo tripulante del Enterprise y actual capitán de la nave estelar Excelsior. Mientras su nave finaliza una misión cerca del espacio neutral que separa el territorio de la Federación del territorio del Imperio Klingon, ambos en una inestable tregua, los instrumentos detectan una increíble explosión. La luna Praxis, principal productora de energía del Imperio Klingon, ha sido destruida a causa de un accidente. La atmósfera del mundo central del Imperio ha sido dañada y los Klingon se enfrentan por primera vez en su historia a la extinción. Dado que durante décadas la mayor parte de su presupuesto se dedicaba únicamente a la carrera armamentística y militar, los Klingon no poseen los medios para superar la situación en la que se encuentran.

Gracias a la mediación del Capitán Spock se han dado los primeros pasos para forjar una alianza entre el Imperio Klingon y la Federación. Sin embargo, aunque es su única esperanza de supervivencia, muchos Klingon rechazan semejante alianza. Lo mismo sucede con muchos oficiales de la Federación, entre ellos el Capitán Kirk, quien sufrió una gran pérdida a manos de los Klingon. Sin embargo, el mando de la flota estelar ordena a Kirk que escolte al Canciller Klingon Gorkon hasta la Tierra para firmar un tratado de paz, aún en contra de los deseos de Kirk.

No obstante, mientras el Enterprise (cuya tripulación de veteranos está a punto de abandonar el servicio) escolta a la nave del Canciller, ésta es atacada y el Canciller es asesinado. El Capitán Kirk y el Doctor McCoy son acusados del crimen y llevados al Imperio Klingon, donde son juzgados y encarcelados en un remoto planeta prisión. El Capitán Spock y el resto de la tripulación del Enterprise no sólo deberán rescatar a los suyos, sino que también tendrán que descubrir la verdad sobre el asesinato del Canciller Gorkon antes de que la última esperanza de paz en la galaxia se pierda para siempre.

Las referencias al fin de la Guerra Fría son bastante evidentes. La explosión de la luna Praxis se basa en el incidente de Chernobyl, mientras que el personaje del Canciller Gorkon se basa en Mikhail Gorbachev. En cierto sentido, los Klingon siempre habían ejercido en Star Trek el mismo papel que los comunistas en el mundo real. Al igual que el régimen comunista, el Imperio Klingon acaba enfrentándose a una situación insostenible que le lleva a buscar la paz tras años y años de guerra más o menos encubierta. Evidentemente, esto no es del agrado de muchos guerreros Klingon, que temen que la paz con la Federación signifique el fin de su cultura y de su civilización. Muchos harían cualquier cosa por sabotear el tratado de paz.

Sin duda nos encontramos ante el argumento más profundo y más inteligente de toda la saga. Por primera vez el Enterprise se enfrenta a un adversario al que no se puede vencer con la ciencia ni mediante la lucha y la audacia. Se trata del poder de los prejuicios. Los Klingon desconfían de los humanos y los humanos desconfían de los Klingon, en un círculo eterno que se alimenta de sus mutuos odios y rencores. Y cuando al fin surge alguien que habla de paz para romper el círculo vicioso, acaba siendo asesinado. En cierto sentido esta situación no se diferencia de otras muchas que hemos vivido en el mundo real.

Toda la película es un llamamiento a la paz. Se dice que Gene Roddenberry vio el montaje final de la película unos días antes de morir y que criticó algunas escenas por considerarlas "demasiado militaristas". Por desgracia, su fallecimiento hizo que su protesta no pudiera verse satisfecha. Aún así, el mensaje de la película es claro. A pesar de las diferencias, tanto humanos como Klingon (o cualquier otra especie) son iguales y deberían luchar por un único objetivo: la paz y el bien común. Esto está en absoluta consonancia con los valores inocentes y optimistas de la serie original.

La película cuenta con un desarrollo sobresaliente, manteniendo la tensión y el interés en todo momento, pues el espectador es muy consciente de lo que está en juego en esta ocasión. Momentos como el juicio de Kirk y McCoy y su destierro al planeta penal resultan absolutamente fantásticos y funcionan a la perfección dentro de la trama, convirtiendo a "Star Trek VI: The Undiscovered Country" en una auténtica obra maestra dentro de la saga.

También cuenta con uno de los mejores elencos de personajes secundarios, como el General Klingon Chang, la Teniente Valeris (nueva tripulante de la nave y nueva protegida vulcaniana de Spock) o Martia, la metamorfa que ayuda a Kirk y a McCoy en el planeta penal. Por su parte, aunque la tripulación clásica ha perdido a Sulu, ahora capitán de su propia nave, el reparto original sigue funcionando a la perfección a pesar de su avanzada edad (han pasado 25 años desde la serie original). Esta película resulta especialmente emotiva por resultar su última misión juntos, pues todos estaban a punto de retirarse, tanto en la ficción como en la vida real.

Al ser la película más reciente es la que cuenta con mejores efectos especiales, aunque éste no es su único aspecto destacable. También cuenta con una de las mejores bandas sonoras de la saga, en esta ocasión compuesta por Cliff Eidelman, y con uno de los mejores maquillajes vistos en Star Trek hasta el momento. Probablemente los mejores Klingon de toda la etapa original son los que aparecen en este largometraje.

Nos econtramos ante la que es, objetivamente, la mejor película de la saga. "The Wrath of Khan" es la más impactante y "The Voyage Home" es la más divertida, pero "The Undiscovered Country" es la más madura, la más compleja y la más profunda, además de ser todo un broche de oro para la etapa clásica de Star Trek. Los verdaderos fans de la saga no pueden reprimir una lágrima viendo a su adorada tripulación reunida por última vez, demostrando que no importa la edad de los actores cuando los personajes funcionan. Justo al final, la etapa clásica alcanza la madurez absoluta y entretiene, emociona e inspira como pocas veces lo había hecho antes.

Con la última escena de "Star Trek VI: The Undiscovered Country", en la que el Enterprise se dirige hacia el infinito, concluye la etapa clásica de Star Trek. William Shatner volvería a interpretar el papel del Capitán Kirk en una película más ("Star Trek: Generations"), donde compartiría protagonismo y le cedería el testigo oficialmente al nuevo capitán del Enterprise, el Capitán Jean-Luc Picard de la serie "Star Trek: The Next Generation". Semejante relevo generacional se produciría en la reciente película de Star Trek de J. J. Abrams, en la que Leonard Nimoy cedería el testigo al Spock del nuevo reparto. No obstante, la etapa clásica había terminado. El espíritu de Star Trek continuó en otras series ("The Next Generation", "Deep Space Nine", "Voyager" y "Enterprise") y películas con mayor o menor suerte, pero la etapa clásica había terminado. Un grupo de fans rescataron el olvidado proyecto de "Star Trek: Phase II" y comenzaron a rodar una segunda temporada no oficial de la serie clásica (con resultados bastante notables, por cierto, como se puede ver en su página), pero la etapa clásica había terminado. Que esta serie de entradas dedicadas al Star Trek clásico sirvan como sincero homenaje de mi parte a uno de los fenómenos más apasionantes de la cultura moderna y a todo un mito del cine y la televisión.

Especial Star Trek:

[Cine] Star Trek V: The Final Frontier

2010-09-14T19:30:00.004+02:00

Tras el éxito de las dos películas dirigidas por Leonard Nimoy (Spock), la productora decidió probar suerte y dejar la dirección de la quinta parte de la saga en manos de William Shatner (Kirk), la otra gran estrella de Star Trek. El escaso presupuesto y los problemas de producción provocaron que la historia original sufriese diversas reescrituras que disminuyeron considerablemente su calidad, generando la que se considera de forma unánime la peor película de la saga. Muchos fans, especialmente los detractores de Shatner, echaron la culpa de este fracaso a la labor de dirección del actor, aunque es necesario decir que la mala fama de esta película es excesivamente exagerada. Aunque la película tienen grandes fallos (probablemente debidos al escaso presupuesto y no a la incompetencia de Shatner), también tiene grandes aciertos. A pesar de todo, poca gente valoró sus méritos. Estrenada en 1989, "Star Trek V: The Final Frontier" ("La Última Frontera") supuso el peor momento de la saga.

Kirk, Spock y McCoy se toman unos días de permiso en la Tierra, haciendo una acampada y disfrutando de la naturaleza. Su descanso es bruscamente interrumpido cuando surge una emergencia en el planeta Nimbus III, mundo colonizado como parte de un acuerdo de paz entre la Federación, el Imperio Klingon y el Imperio Romulano. Lo que supuestamente iba a convertirse en un ejemplo de la paz universal acabó convirtiéndose en un mundo fronterizo poblado por criminales y escoria. Allí, en Nimbus III, tres embajadores (uno de la Federación, otro Klingon y otro romulano) han sido secuestrados por un vulcaniano llamado Sybock. Al parecer, Sybock es un vulcaniano renegado que ha renunciado al camino de la lógica y mantiene una misteriosa relación con Spock.

La tripulación del Enterprise vuelve a reunirse una vez más y viaja hasta Nimbus III para rescatar a los embajadores, sólo para descubrir que éstos se han puesto del lado de Sybock y les han hecho caer en una trampa. Sybock, que usa los talentos telepáticos vulcanianos para manipular la mente de la tripulación (o, según él, para liberarlos), toma rápidamente el control del Enterprise. Su intención es usar la nave estelar para atravesar la barrera del interior de la galaxia y encontrar el planeta donde se originó la vida, la fuente de la creación, donde espera poder comunicarse con el mismísimo Dios. Sólo Kirk, Spock y McCoy consiguen conservar su voluntad ante las manipulaciones de Sybock y tratan de detenerle, aunque en su interior temen que el vulcaniano pueda estar en lo cierto y que vaya a ponerlos en contacto con el creador.

Nos encontramos ante un argumento no exento de interés, pero su desarrollo errático, las escenas que tuvieron que ser reescritas y el bajo presupuesto influyeron mucho en el resultado final. Parte de la película resulta bastante insustancial, aunque su mensaje no lo sea. "Star Trek V: The Final Frontier" es una crítica hacia las religiones y los fanatismos; una crítica hacia las creencias mágicas e irracionales y hacia la esperanza en la felicidad obtenida en un hipotético paraíso más allá de nuestra existencia. En oposición a esto, la película defiende un mensaje mucho más personal y una vivencia más intimista de la creencia en Dios y en el más allá (pues realmente no critica la religión como forma de vivencia espiritual, sino la religión como herramienta de manipulación y control sobre las masas). "Star Trek V: The Final Frontier" nos dice que no debemos buscar a Dios en las palabras de un profeta, ni en un remoto lugar más allá del tiempo y el espacio, sino en el interior de nuestro corazón. Es una lástima que la gran mayoría del público se haya fijado en las carencias de la película sin apreciar el mensaje que contiene.

En efecto, la película cuenta con algunas escenas absolutamente olvidables que parecen sacadas de los momentos más estrafalarios de la serie original (el numerito de Uhura con las plumas es de lo peor de toda la saga). Los efectos especiales no acaban de funcionar bien y ni siquiera la aparición de los Klingon acaba de funcionar, pues se presencia acaba convertida en algo meramente testimonial. Algunos momentos cómicos parecen fuera de lugar y las escenas de acción resultan poco creíbles, dado que los actores ya eran bastante mayores y no estaban para muchos trotes.

Sin embargo, la película también tiene algunos momentos destacables, como la acampada del trío protagonista (la cual abre y cierra la película), que demuestra lo bien compenetrados que están los tres actores y lo carismáticos que resultan en pantalla. Aunque Kirk comente al principio que los hombres como ellos no tienen familia, queda constatado al final de la película que todos los años que han permanecido juntos sirviendo en el Enterprise los ha convertido en familia. De hecho, toda la tripulación constituye una gran familia independientemente de sus orígenes, etnias, razas o credos.

Poco más aporta esta película a la mitología de la saga, pues muchas de las situaciones que presenta se quedan en algo anecdótico que no acaba de ser desarrollado del todo: la situación de Nimbus III, la inestable tregua entre las tres grandes potencias, la amenaza de los Klingon que pretenden obtener fama acabando con la vida del legendario Capitán Kirk... Sin duda el potencial de esta película nunca acabó de despegar. Tampoco el clímax de la historia consigue la fuerza necesaria para destacar, pues, aunque se insinúan las pistas necesarias para comprenderlo todo, quizá es demasiado ambiguo para el espectador medio. Aún así, cosas más extrañas y absurdas se vieron en la serie original que la aparición del supuesto Dios con el que Kirk y los suyos se encuentran en el centro de la galaxia.

La banda sonora corrió a cargo una vez más de Jerry Goldsmith, quien recuperó el tema principal del primer largometraje, aunque el resto de composiciones, salvo un par de notables excepciones, no alcanzan el nivel de sus anteriores partituras para la saga.

En definitiva, "Star Trek V: The Final Frontier" es el peor largometraje de Star Trek, aunque está lejos de merecer las exageradas críticas que ha recibido a lo largo de los años (la mayoría por parte de los propios fans de la saga). La película tiene mucho fallos, pero también tiene sus pequeñas virtudes y puntos positivos que merecen ser destacados, como la camaradería entre el trío protagonista o su bello mensaje sobre la vivencia personal e íntima de la creencia en Dios. Por desgracia eso no la libró de ser un fracaso en taquilla. Por aquel entonces ya había comenzado "Star Trek: The Next Generation", una nueva serie protagonizada por una nueva tripulación que recuperaba el espíritu de la serie original. Dado que los actores de la primera tripulación ya eran bastante mayores, había llegado el momento de cerrar definitivamente la saga original. La próxima película sería la última.

Especial Star Trek:

[Cine] Star Trek IV: The Voyage Home

2010-09-14T15:40:00.002+02:00

Tras el éxito de la anterior entrega de la saga, Leonard Nimoy (Spock) volvió a ponerse tras las cámaras para dirigir la siguiente película. Originalmente, "Star Trek IV: The Voyage Home" iba a ser la conclusión de la saga, por lo que cerraría la línea argumental iniciada en "The Wrath of Khan" y continuada en "The Search for Spock". Además de esto, la película recuperaría uno de los elementos de la serie original que aún no había sido visto en la saga cinematográfica: los viajes en el tiempo. "Star Trek IV: The Voyage Home" (incomprensiblemente traducida como "Misión Salvar la Tierra" en nuestro país) se estrenó en 1986 y llevó a Kirk y a los suyos al lugar más inesperado de todos. En esta ocasión viajarían al pasado de la Tierra, al propio año 1986.

Tras reunirse de nuevo con un Spock más ajeno a las emociones que nunca, Kirk y sus compañeros deciden volver a la Tierra para presentarse ante el mando de la flota estelar y afrontar las consecuencias de sus actos (el robo y destrucción del Enterprise y el sabotaje del Excelsior). A bordo de la nave Klingon que secuestraron en la anterior película se dirigen hacia la Tierra, encontrándola sumida en el caos. Un vehículo sonda de origen desconocido está emitiendo una llamada que altera la atmósfera terrestre, provocando maremotos y tempestades. Si su mensaje no recibe respuesta pronto, destruirá la Tierra.

Spock investiga la señal, descubriendo que no va dirigida hacia al ser humano sino hacia otra forma de vida del planeta extinguida tiempo atrás: la ballena gris. El mensaje del vehículo sonda es similar a los cantos de la ballena gris, pero con estos animales extinguidos no hay forma de emitir una respuesta. La única solución posible es viajar al pasado y traer a una ballena gris para que pueda comunicarse con el vehículo sonda, evitando así la destrucción. Ayudándose de la gravedad del Sol y forzando al límite la nave Klingon, Kirk y los suyos viajan hacia atrás en el tiempo, llegando hasta 1986.

Más extraña para ellos que cualquier mundo alienígena, la Tierra de finales de los 80 les hará enfrentarse a más de una situación hilarante mientras tratan de encontrar a las ballenas que necesitan y de reparar la nave para poder efectuar el viaje de regreso.

Continuando la dinámica de la película anterior, "Star Trek IV: The Voyage Home" aprovecha a nuestros protagonistas desplazados en el tiempo para mostrar situaciones cómicas que provoquen la sonrisa en el espectador. Se trata de la película más ligera de la saga, con un argumento muy sencillo que trata sobre el ecologismo y la defensa de la naturaleza, pero también de la película más divertida. Escenas como la del Señor Chekov preguntando con su impagable acento ruso a un policía por la localización de los buques nucleares (recordemos que en aquella época aún no había terminado la Guerra Fría), la de Scotty tratando de comunicarse con un retrógrado computador de los 80 que ni siquiera reconoce su voz o la del Doctor McCoy comparando la medicina de la época con la de la Edad Media son absolutamente memorables. Es inevitable no reír con ellas y eso es precisamente lo que pretende la película. El viaje en el tiempo no es más que una excusa para desatar todo el potencial cómico de los actores.

Curiosamente, mientras esta película nos muestra la visión más cercana, graciosa y entrañable de los personajes (por fin Scotty, Uhura, Chekov y Sulu reciben mayores dosis de protagonismo), también nos muestra al Spock más alienígena y desconectado del mundo emocional. La escena inicial en Vulcano en la que Spock pone a prueba su mente mediante las preguntas que le realizan varios ordenadores simultáneamente (y que concluye con el propio Spock perplejo, incapaz de responder a la sencilla pregunta "¿cómo se siente?") es sin duda uno de los mejores momentos de la historia del personaje. No obstante, los intentos de Spock por comprender las emociones y por pasar desapercibido en la Tierra del pasado también propician escenas tremendamente cómicas y divertidas. La escena del autobús o el uso de Spock de las "metáforas floridas" de la época son absolutamente tronchantes.

Ya ha quedado patente que nos encontramos ante la película más graciosa y entretenida de la saga, pero también comentábamos que se trata de la de argumento más ligero. En efecto, "Star Trek IV: The Voyage Home" deja atrás los misterios científicos, los dilemas éticos y los combates entre naves estelares que caracterizaron a las entregas anteriores. En su lugar recurre a un sencillo argumento que esconde una evidente metáfora de corte ecologista sobre la conservación del medio ambiente y la protección de las especies en peligro, especialmente las ballenas grises. La nave Klingon de Kirk y los suyos incluso llega a interceptar un barco ballenero, impidiendo que sus arpones lleguen hasta una pareja de ballenas. No obstante, lejos de resultar infantil, creo que la defensa de estos valores es más que apropiada para el espíritu de Star Trek, que ya desde la serie original mostró su progresismo en materia social y ecológica.

La banda sonora, compuesta en esta ocasión por Leonard Rosenman, empieza con una potente fanfarria inicial para luego mostrarnos temas propios de la década de los 80 que acompañan a nuestros protagonistas en sus peripecias en el pasado. No se trata de una mala banda sonora, aunque sin duda ciertos temas sólo pueden ser disfrutados por aquellos que disfruten de la música ochentera.

Decíamos al principio que "Star Trek IV: The Voyage Home" fue concebida inicialmente como conclusión de la saga, pues cerraría todos los argumentos pendientes. Efectivamente, la película supone una cierta conclusión, acabando con el juicio a la tripulación. Como era de esperar, el hecho de que hayan salvado el mundo supone un atenuante para el tribunal, que perdona todos los cargos excepto uno: desobedecer las órdenes de un superior. Como consecuencia de esto, el Almirante Kirk es degradado a capitán y destinado al mando de una nave estelar, puesto que nació para ocupar. Dicha nave estelar no podía ser otra más que el Enterprise, reconstruido una vez más y listo para vivir nuevas aventuras.

La saga podría haber terminado aquí perfectamente, pero concluir una saga ya mítica no iba a ser tan fácil. "Star Trek IV: The Voyage Home" tuvo una gran acogida y, aunque el reparto ya empeza a evidenciar claramente el paso del tiempo (habían pasado veinte años desde la serie original), resultaba tan carismático y funcionaba tan bien junto que los fans clamaban por una nueva reunión. A la saga aún le quedaba por ofrecer su mejor momento... y su peor momento.

Especial Star Trek:

[Cine] Star Trek III: The Search for Spock

2010-09-13T18:00:00.001+02:00

Tras la exitosa segunda parte era evidente que habría una nueva película de Star Trek. En lo que parecía la concesión de un capricho a una de las estrellas más populares del reparto, la productora dejó la dirección en manos de Leonard Nimoy (Spock). Sin embargo, éste supo manejarse muy bien tras las cámaras, elaborando una de las películas más entretenidas de la franquicia. Curiosamente, también fue una de las películas con menos pretensiones. Su rodaje no estuvo exento de problemas, pues incluso llegó a producirse un incendio en uno de los estudios, pero finalmente "Star Trek III: The Search for Spock" ("En Busca de Spock") se estrenó en 1984.

Situada argumentalmente justo tras la conclusión del largometraje anterior, "Star Trek III: The Search for Spock" narra el regreso de la tripulación del Enterprise a la Tierra. Tras lo sucedido en el combate contra Khan, Kirk da por perdido a su amigo Spock. Además, la Federación ha decidido retirar al Enterprise del servicio activo tras los daños sufridos en dicho combate. La tripulación recibirá nuevos destinos, lo que supondrá el fin de las aventuras de la mítica nave estelar. Sin embargo, una crucial conversación con el Embajador Sarek, el padre de Spock, desvela a Kirk la posibilidad de recuperar a su amigo perdido. Dispuestos a hacer cualquier sacrificio para volver a ver a Spock, Kirk y su tripulación desobedecen las órdenes del mando de la flota y roban el Enterprise. Su búsqueda les llevará al Planeta Génesis, el mundo originado por la detonación del dispositivo terraformador aparecido en la anterior película.

Pero la tripulación del Enterprise desconoce que la Teniente Saavik y David Marcus, el hijo de Kirk, se encontraban investigando Génesis cuando un grupo de Klingon renegados dirigidos por el Comandante Kruge los secuestró con la intención de recrear el dispositivo Génesis para ser usado como arma de destrucción. Mientras el Planeta Génesis comienza su ciclo final y amenaza con destruirse, Kirk y los suyos tendrán que arriesgarlo todo para enfrentarse a los Klingon y buscar a su compañero desaparecido.

En un giro inesperado, en esta película vemos hasta dónde están dispuestos a llegar nuestros protagonistas para recuperar a Spock. Si en la anterior película el propio Spock decía que el bienestar de la mayoría supera al bienestar de la minoría... o de un solo, en este nuevo largometraje la tripulación del Enterprise hace todo lo posible por demostrar que el bienestar de uno solo es más importante que el bienestar de la mayoría. Para llegar hasta Génesis deben desobedecer las órdenes del mando de la flota estelar, agredir a sus propios camaradas de la Federación, robar una nave estelar e incluso sabotear la nave que se envía para perseguirles. Pero ninguno de ellos tendrá que sacrificar más que al Almirante Kirk, que afronta en esta película una de las pérdidas más dramáticas de su trayectoria; pérdida que, además, le marcará para siempre.

No obstante, a pesar de lo que pueda parecer "Star Trek III: The Search for Spock" es una de las películas más divertidas de la saga, pues introduce un elemento nuevo en la franquicia: el humor. Aunque la serie original trató con mayor o menor suerte (normalmente lo segundo) introducir escenas cómicas, esto se ignoró por completo en las dos primeras películas. En este tercer largometraje vemos pequeños retazos de humor para aliviar la tensión dramática y hacer que la historia resultase más divertida, lo cual funciona realmente bien. De hecho, estos pequeños toques de humor, tras consolidarse en la siguiente película, acabaron convirtiéndose en una de las señas de identidad de la saga.

Esta película también realiza otras aportaciones a la mitología del Universo Star Trek. Por primera vez vemos hasta dónde llega la amplitud de la flota estelar, ya que se nos muestra la gigantesca estación que sirve como dique de las naves estelares. También se nos presenta una nueva nave, el USS Excelsior, llamada a convertirse en el sustituto del Enterprise en contra de los deseos de Kirk y su tripulación. Por primera vez da la sensación de que la Federación no sólo está compuesta por unas pocas naves que raramente se cruzan, sino que constituye un conjunto verdaderamente amplio y poderoso.

Sin embargo, la contribución más importante de esta película es sin duda la de convertir a los Klingon en los auténticos adversarios de Kirk y los suyos. Tras su breve aparición al comienzo de "Star Trek I: The Motion Picture", los Klingon vuelven más crueles y violentos que nunca. Con una estética y un lenguaje mucho más elaborados que en su anterior aparición, su imagen en pantalla resulta de gran potencia y atractivo. No en vano los Klingon son recordados como uno de los iconos más importantes de Star Trek. Es en "Star Trek III: The Search for Spock" cuando realmente comienzan a adquirir su estatus de archivillanos. Entre los Klingon que aparecen en la película, destaca el expresivo Comandante Kruge, interpretado por Christopher Lloyd (a quien todos recordamos como el mítico Doc Brown de "Regreso al Futuro", papel que interpretaría un año después de ponerse en la piel del Kruge).

Finalmente, esta película se adentra en los siempre fascinantes misterios de la cultura vulcaniana, ofreciéndonos nuevos datos sobre las costumbres y creencias de Vulcano. Se podría considerar que todo el argumento de la búsqueda de Spock no es más que una excusa, ya que es bastante intrascendente y se aprovecha de los cabos sueltos (el Planeta Génesis, la Teniente Saavik y el hijo de Kirk) dejados por la anterior película. Sin embargo, el misterio que rodea al regreso de Spock, a pesar de ser bastante predecible, es tan interesante que no podemos más que perdonar dicha intrascendencia.

En su época se trató de mantener el secreto acerca del regreso de Spock en el más absoluto de los misterios. Aunque se anunció que Leonard Nimoy iba a situarse tras las cámaras, su nombre no figuró en los títulos iniciales, planteando la duda de si volvería a interpretar el papel de Spock. Evidentemente, Spock se había vuelto una parte tan importante de Star Trek que su regreso era inevitable. A pesar de ello, Nimoy supo jugar bien sus cartas y aprovechó las posibilidades de los misterios vulcanianos para cambiar al personaje y suscitar la inquietud del espectador. Spock nunca había resultado tan fascinante.

Como comentábamos anteriormente, a pesar de ser una película algo intrascendente, más preocupada por entretener al espectador que por otra cosa, "Star Trek III: The Search for Spock" continuó admirablemente la saga, añadiendo ciertos elementos que la enriquecerían aún más y proporcionarían la base para futuras historias. Probablemente se trata de la película de Star Trek que menos parece Star Trek. Por primera vez vemos a la tripulación actuando al margen de la Federación, sin sus uniformes y convertidos en criminales (aunque sea por motivos honestos). En una de las escenas más inesperadas, incluso se ven obligados a sacrificar el Enterprise, teniendo que secuestrar una nave Klingon (un Ave de Presa Klingon, vehículo que también utilizarían en la siguiente película). A pesar de todo esto, de los problemas de producción y del escaso presupuesto, la película cumple con creces sus objetivos. La banda sonora, elaborada de nuevo por James Horner, incluso supera a la de la anterior película, resultando mucho más potente y sugerente.

"Star Trek III: The Search for Spock", pese a que proporciona cierta sensación de conclusión, acaba con un evidente "continuará", pues la intención era continuar el argumento en una segunda película que también sería dirigida por Nimoy y que sería, supuestamente, la conclusión de la saga. Pero aún quedaba mucho por contar.

Especial Star Trek:

[Cine] Star Trek II: The Wrath of Khan

2010-09-12T16:30:00.001+02:00

El éxito de la primera película de Star Trek había propiciado la producción de una secuela. Sin embargo, la productora no estaba contenta con Gene Roddenberry, creador de la serie original y productor del primer largometraje. El proyecto que había ideado para su secuela no convenció a la productora, lo cual, junto al tremendo gasto en efectos especiales de "Star Trek: The Motion Picture", hizo que se le apartase de su cargo. Roddenberry pasó a ser el consultor ejecutivo, lo que permitió que la productora pudiese hacer los cambios que deseaba en la franquicia, obviando casi por completo la primera película. Para empezar, el presupuesto de la secuela debía ser mucho más ajustado. De igual forma, los misterios científicos y los dilemas éticos, auténticos protagonistas del primer largometraje, debían dejar paso a la acción. Para ello era necesario un villano que se convirtiese en antagonista de la tripulación del Enterprise. El nuevo director rescató a uno de la serie original: Khan. De esta forma, en 1982 se estrenó "Star Trek II: The Wrath of Khan" ("La Ira de Khan").

Han pasado varios años desde la última misión de Kirk y Spock. Ambos se encuentran ahora en la Tierra, desempeñando el papel de profesores en la academia de la flota estelar. Sus cadetes, como la Teniente Saavik (una vulcaniana que sigue los pasos de Spock), se convertirán en la nueva generación de la flota estelar. Para ponerlos a prueba, Kirk, Spock y el resto de veteranos del Enterprise, regresan a su nave estelar para evaluar a los cadetes en su primer vuelo espacial. La nave se encuentra ahora bajo el mando de Spock, ascendido a capitán. El Almirante Kirk no es más que un observador, ya que no se espera ningún tipo de problema durante el vuelo de prueba.

Por otro lado, la nave estelar Reliant participa en un proyecto científico que experimenta con un dispositivo de terraformación llamado Génesis, capaz de convertir un planeta yermo en un oasis lleno de vida. Mientras su capitán y su primer oficial (el Señor Chekov, antiguo tripulante del Enterprise) exploran un mundo desértico candidato a ser terraformado, se encuentran con un grupo hostil. Chekov reconoce rápidamente al hombre que está al mando de los atacantes. Se trata de Khan.

Años atrás (en un capítulo de la serie original titulado "Space Seed") el Enterprise encontró una nave a la deriva cuya tripulación estaba congelada criogénicamente. Al despertarla, descubrieron que se trataba de hombres y mujeres del siglo XX que habían huído del planeta Tierra. Se trataba de personas diseñadas genéticamente para ser seres humanos perfectos y su líder, Khan, había sido un famoso tirano y dictador en su época. Tras un intento fallido de apoderarse del Enterprise, Khan y los suyos habían sido exiliados a un planeta remoto. Nada había vuelto a saberse de ellos... hasta ahora.

Enloquecido por el odio, pues el exilio había supuesto la muerte de su esposa, Khan se apodera del Reliant y se lanza a una loca carrera en busca de la venganza. Su objetivo es Kirk, a quien considera responsable de todo. El Enterprise, ahora con una tripulación compuesta por cadetes que jamás han entrado en combate, tendrá que enfrentarse al Reliant, lo cual obligará a Kirk a tomar el mando una vez más para uno de los enfrentamientos más memorables de la saga.

Objetivamente, "Star Trek II: The Wrath of Khan" no es la mejor película de la franquicia, pero sin duda es la película más dramática e impactante. Pese a tener un presupuesto inferior al de la primera, la estética y el diseño son absolutamente magníficos. Una vez más los uniformes fueron rediseñados, alcanzando en esta ocasión la perfección absoluta con los definitivos uniformes rojos. De igual forma, el puente del Enterprise también sufrió ciertos cambios que lo hicieron mucho más atractivo. Esta película introduce también un elemento no visto en la anterior: los combates entre naves estelares. De hecho, esta película sentó las bases de los combates entre naves estelares de la franquicia. Dejando a un lado los efectos especiales y las rápidas secuencias de acción, los combates espaciales en Star Trek son batallas de estrategia, astucia e ingenio entre los capitanes de las naves estelares. Por desgracia, la banda sonora (compuesta por James Horner en esta ocasión) no llega al nivel de las composiciones del primer largometraje.

Por otro lado, los actores están fantásticos. El contenido Almirante Kirk (William Shatner) del primer largometraje da rienda suelta a sus interpretaciones más desatadas (de hecho, esta película incluye la sobreactuación más memorable de la carrera de Shatner, parodiada en infinidad de ocasiones). Por su parte, el Capitán Spock (Leonard Nimoy) protagoniza uno de los momentos más emotivos de la saga. Sin embargo, quien acapara toda la atención es la némesis de Kirk, el vengativo Khan, interpretado magistralmente por el actor mejicano Ricardo Montalbán, quien también lo interpretó en la serie original años atrás. Khan resulta tremendamente carismático a pesar de ser un personaje bastante plano. Sus extraordinarios diálogos, los mejores de toda la película, le elevaron a la categoría de auténtico mito dentro del Universo Star Trek.

"Star Trek II: The Wrath of Khan" estaba llamada a convertirse en el nuevo punto de referencia a partir del que iniciar una nueva línea argumental. La anterior película prácticamente se ignoró por completo y se añadieron nuevos elementos argumentales que serían de gran importancia en las siguientes películas, las cuales narrarían las consecuencias derivadas de las acciones de Khan. También se añadieron nuevos conceptos que enriquecieron aún más la mitología de la saga.

En esta película se presenta el personaje de la Teniente Saavik, así como el personaje de David, hijo del Almirante Kirk. Ambos tendrían gran protagonismo más adelante. También se presenta por primera vez el ejercicio estrella de la academia estelar: el ejercicio Kobayashi Maru. Ideado como una prueba sin solución que enfrenta a los cadetes examinados con una situación irresoluble para medir su carácter, el único que consiguió superar el ejercicio fue el propio Kirk.

Kirk aparece en un papel fuera de su registro habitual, como profesor y evaluador en lugar de como aguerrido capitán de una nave estelar. "Star Trek II: The Wrath of Khan", casi sin pretenderlo, añade otra de las características que marcarían las películas restantes: la lucha de los protagonistas contra el inevitable paso del tiempo. En efecto, casi veinte años después del rodaje de la serie original, la tripulación del Enterprise comienza a evidenciar los efectos de la edad. Lejos de mostrar a un grupo de jóvenes y guapos tripulantes que viajan por el espacio, las siguientes películas nos mostrarán a un grupo de viejas glorias que nunca se rinden a pesar de haber dejado atrás sus mejores años. En lugar de viajar movidos por el ansia de aventura, serán las circunstancias las que les obliguen a volver a la acción.

"Star Trek II: The Wrath of Khan" prepara sutilmente el camino para sus secuelas, repartiendo las piezas sobre el tablero: el dispositivo Génesis, la Teniente Saavik, el hijo de Kirk... y el misterio de Spock. Por razones que no comentaré para no desvelar el final de la película, Spock lleva a cabo una de las acciones más dramáticas y emotivas que ha visto la historia del Enterprise. Las consecuencias de esta acción tendrán importantes repercusiones en el futuro, aunque no las veremos hasta las siguientes películas.

"Star Trek II: The Wrath of Khan" recaudó algo menos que la primera película, pero resultó mucho más rentable al haber sido menor la inversión en efectos especiales. La película se convirtió en un inmediato éxito entre los fans, los cuales suelen considerarla como la mejor película de la franquicia. También impactó con fuerza a futuros profesionales del medio, como el director Quentin Tarantino, quien ha confesado que es su película favorita (y, de hecho, "Kill Bill Vol. 1" comienza con una cita extraída de ella). No cabe duda de que esta película es uno de los momentos álgidos de la franquicia y uno de los largometrajes de ciencia ficción que más impacto ha tenido sobre la cultura popular. A pesar de ello, Star Trek aún tenía mucho que ofrecer.

Especial Star Trek:

[Cine] Star Trek I: The Motion Picture

2010-09-11T16:30:00.001+02:00

Durante la década de los 70, la serie original de "Star Trek" se había convertido en un tremendo éxito gracias a las reposiciones. Diversos proyectos se pusieron en marcha para rodar una película basada en la serie, siendo escritos varios guiones por Gene Roddenberry, creador de la serie, y Harlan Ellison, famoso escritor de ciencia ficción y autor de uno de los capítulos más memorables de la serie original. Sin embargo, ninguno de estos proyectos llegó a concretarse. Finalmente se decidió abandonar esa idea y preparar una segunda temporada de la serie en un proyecto que sería conocido como "Star Trek: Phase II". Ante las presiones de la productora, Paramount Pictures, el proyecto volvió a convertirse de nuevo en una película. Todos los trabajos anteriores fueron descartados y se comenzó desde cero de nuevo. Finalmente, tras un largo y accidentado recorrido, en 1979 se estrenó "Star Trek: The Motion Picture" ("Star Trek: La Película"), primer largometraje de una saga que maravillaría a millones de espectadores.

Una nube energética de un tamaño descomunal (82 unidades astronómicas, es decir, 82 veces la distancia entre la Tierra y el Sol) se aproxima al espacio de la Federación de Planetas Unidos en rumbo directo hacia la Tierra. En su camino ha destruido tres naves de guerra Klingon y una estación espacial de la flota estelar. El mando de la flota decide enviar a la única nave capaz de interceptar a esta amenaza: el USS Enterprise. Sin embargo, el Enterprise se encuentra en plena fase de reparación y reacondicionamiento, por lo que muchos de sus nuevos sistemas no han podido ser probados aún. Ante su familiaridad con la nave y con su tripulación, la flota pone al mando al Almirante James Kirk, antiguo capitán del Enterprise.

Tras varios años alejado de los mandos de una nave estelar, Kirk se ve obligado a tomar el control en detrimento del Capitán Decker, actual capitán de la nave. Aunque los miembros más veteranos de la tripulación (Scott, Uhura, Sulu y Chekov) se alegran de recuperar a su viejo camarada, Kirk siente que la tripulación está incompleta sin el Doctor McCoy y el Señor Spock. Al primero consigue convencerlo para que vuelva a servir en una nave estelar a pesar de sus reticencias, pero Spock ha abandonado el servicio activo y se ha retirado a su mundo natal, Vulcano, para someterse a un ritual que eliminará para siempre de su interior cualquier atisbo de emoción.

Inesperadamente, Spock regresa a la nave con la poco clara intención de contactar con la inteligencia que se encuentra detrás de la nube energética. Una sonda proveniente de dicha nube explora el Enterprise y acaba con la vida de la Teniente Ilia (hacia la que el Capitán Decker siente algo más que simple amistad) para luego crear una réplica artificial suya con la que poder comunicarse con la tripulación. De esta forma, nuestros protagonistas descubren que la inteligencia que se encuentra tras la gigantesca nube responde al nombre de V´ger y su objetivo es viajar hasta la Tierra en busca de su creador.

Si bien el argumento no se aleja demasiado de lo visto en la serie original, en cuestiones de diseño y producción esta película se encuentra a años luz de "Star Trek: The Original Series". Los efectos especiales fueron uno de los grandes problemas durante su rodaje, pero consiguieron niveles realmente espectaculares. De hecho, el aspecto visual de la película apenas acusa el paso del tiempo. También es necesario comentar que existe una versión del director con un acabado visual mucho más pulido.

Los interiores del Enterprise fueron rediseñados por completo, con un aspecto mucho más sobrio y menos colorista que los decorados de serie B de la serie original, lo cual fue todo un acierto. Los uniformes también fueron rediseñados por completo, pero con menos suerte en esta ocasión, pues a pesar de resultar elegantes no eran tan vistosos como los uniformes originales. Los Klingon, enemigos surgidos de la serie clásica, también fueron rediseñados, siendo en esta película cuando aparecen por primera vez con lo que más tarde acabó convirtiéndose en su rasgo más característico: las protuberancias en la frente. En esta primera película también se introducen las primeras líneas en idioma Klingon y en idioma vulcaniano, enriqueciendo en gran medida el Universo Star Trek.

A pesar de esto, este película también cuenta con ciertos guiños a los nostálgicos de la serie original, recuperando a dos de sus personajes más queridos: la Enfermera Chapel (esposa del creador de la serie y secundario habitual en muchos capítulos) y la Asistente Janice (asistente personal del Capitán Kirk que únicamente apareció durante la primera temporada). De igual forma, y a pesar de los cambios, la aparición de los Klingon con la que se inicia la película también puede considerarse un guiño a los seguidores de la serie original, pues aún estaban lejos de convertirse en el peligroso enemigo que serían más adelante. No obstante, hay que remarcar el hecho de que la película puede ser comprendida perfectamente sin necesidad de haber visionado antes "Star Trek: The Original Series", pues a pesar de ser cronológicamente posterior se trata de un nuevo comienzo para la franquicia.

La película retoma y amplía los mejores elementos de la serie original, como es el protagonismo del trío Kirk-Spock-McCoy y las relaciones entre ellos (la profunda amistad entre Kirk y Spock y la desconfianza que siente el Doctor McCoy hacia la naturaleza vulcaniana de Spock), las peculiaridades de la cultura de Vulcano, la tripulación interracial, la misión de contactar con nuevas formas de vida, etc. También muestra un especial cuidado a la hora de hablar de conceptos científicos, proporcionando una mejor y más creíble explicación acerca del funcionamiento del Enterprise y sus motores warp. Finalmente, muestra por primera vez la Tierra en el futuro, incluyendo esa imagen ya mítica de la ciudad de San Francisco (sede de la academia de la flota estelar), con su característico puente siendo sobrevolado por pequeñas naves.

La banda sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith, quien compuso un nuevo tema principal y dio a luz algunas de las mejores partituras compuestas para una película de ciencia ficción. De hecho, la banda sonora de "Star Trek: The Motion Picture" brilla con luz propia. Se trata de una auténtica joya que acompaña y da fuerza a la película de manera absolutamente fantástica. Su sugerente argumento encuentra en la banda sonora el mejor apoyo, capaz de transmitir la sensación de asombro ante lo desconocido.

La película tuvo un gran éxito, aunque éste se vio moderado por el tremendo gasto que supusieron los efectos especiales. A pesar de ello, su acogida permitió preparar una secuela. Dejando un tanto a un lado esta primera película, las siguientes constituyeron un gran arco argumental que se continuaba de una a otra y que elevaba la franquicia Star Trek hasta cotas nunca antes vistas. Lo mejor estaba aún por llegar.

Especial Star Trek:

[Series TV] Star Trek: The Original Series

2010-09-09T17:30:00.001+02:00

En 1966 se estrenó "Star Trek", una serie de televisión de presupuesto tan modesto que prácticamente se consideraba una producción de serie B. Su temática se movía dentro del género de la ciencia ficción y narraba las aventuras de la tripulación de la nave estelar Enterprise a lo largo y ancho de la galaxia. En su tercer año en antena, los índices de audiencia eran tan bajos y las presiones por su cancelación tan insistentes que su creador y productor ejecutivo, Gene Roddenberry, comenzó a desvincularse de ella. Finalmente, tras 79 episodios, la serie fue cancelada. Tiempo después, ya durante la década de los 70, las reposiciones de la serie obtuvieron un éxito abrumador y la convirtieron inmediatamente en una serie de culto generadora de todo un fenómeno social. El resultado: cinco series derivadas (una de ellas de animación), once películas, cientos de libros y cómics, decenas de videojuegos... y un impacto en la cultura audiovisual de proporciones absolutamente desmesuradas.

"El espacio: la última frontera. Estos son los viajes de la nave estelar Enterprise, en una misión que durará cinco años, dedicada a la exploración de mundos desconocidos, al descubrimiento de nuevas vidas y de nuevas civilizaciones... hasta alcanzar lugares donde nadie ha podido llegar."

Con estas líneas, narradas por el Capitán Kirk (William Shatner), comenzaba la cabecera de "Star Trek". En ellas ya se puede intuir parte del espíritu de la serie. La tripulación del Enterprise constituye un grupo de exploradores, de aventureros. Amparados en la ciencia que diseñó su nave estelar, exploran la galaxia. No son guerreros, aunque tengan que luchar en ocasiones. Todo lo contrario, pues la suya es una misión de paz.

El visionario Gene Roddenberry ideó un futuro absolutamente adelantado a su tiempo. En el futuro de "Star Trek" la humanidad, así como sus aliados de otros planetas, se encuentran unificados bajo la Federación de Planetas Unidos. Los prejuicios raciales y sexuales han desaparecido por completo, así como los conflictos entre naciones. La Tierra se encuentra completamente en paz. Las guerras, el hambre, la pobreza... todo eso ha quedado en el pasado. La humanidad se ha lanzado al espacio, colonizando nuevos mundos y buscando los secretos del cosmos. Aunque la Federación tenga una estructura militar, es obvio que su intención es claramente antimilitarista. Sus miembros actúan más como científicos y diplomáticos que como militares. Su objetivo último es la búsqueda de conocimiento.

La tripulación del Enterpise es fiel reflejo de esta filosofía. Se trata de una tripulación formada por miembros de distintas razas, grupos étnicos y naciones. En ella, tanto hombre como mujeres, comparten los puestos de responsabilidad. Quizá esto no parezca gran cosa en la actualidad, pero si nos trasladamos a la década de los 60 nos haremos una idea de lo progresistas que resultaban estas ideas. Mientras los prejuicios raciales entre blancos y negros alcanzaban niveles nunca vistos y el machismo era la tendencia imperante, "Star Trek" hablaba de una sociedad igualitaria y carente de todo prejuicio. Mientras el mundo se sumergía en la Guerra Fría y crecía la enemistad entre Estados Unidos y la Unión Soviética, "Star Trek" nos mostraba una tripulación formada por gente de distintos países trabajando codo con codo. La serie incluso ponía a una mujer (y además negra) en un puesto de gran responsabilidad como oficial de comunicaciones del Enterpise y, además, a un ruso como navegante de la nave, lo cual era poco menos que impensable en la época.

Sin duda, éste es uno de los principales atractivos de la serie: su optimismo y su creencia en un futuro mejor para todos. Mientras que otras producciones de ciencia ficción auguraban que el uso de la tecnología acabaría provocando un futuro de guerra y sufrimiento, para "Star Trek" el conocimiento científico y los avances tecnológicos suponen la salvación de la humanidad, el fin de las guerras y la consecución de una auténtica edad dorada. Es más, pues estos avances científicos conllevan también la consecución de una sociedad utópica, en la que no existe el dinero y todos, independientemente de su sexo, raza o nacionalidad, trabajan por el bien común.

Toda esta ideología se refleja en el elenco protagonista, cuyos miembros han sido elevados a la categoría de mitos de la televisión. El Capitán James Kirk (William Shatner) es americano; el oficial científico, el Señor Spock (Leonard Nimoy), es un alienígena medio humano medio vulcaniano; la oficial de comunicaciones, Nyota Uhura (Michelle Nicols), es africana; el oficial médico, el Doctor Leonard McCoy (DeForest Kelley), es americano; el piloto de la nave, Hikaru Sulu (George Takey), es japonés; el ingeniero jefe, Montgomery Scott (James Doohan), es escocés y el navegante de la nave, Pavel Chekov (Walter Koening), es ruso. Diferentes razas, diferentes nacionalidades (incluso diferentes planetas), pero un mismo objetivo: llegar a donde nadie ha podido llegar.

El protagonismo descansa principalmente sobre el Capitán Kirk, el Señor Spock y el Doctor McCoy. Kirk es el hombre de acción, valiente y arrojado, además de un conquistador nato para el sexo opuesto. Spock es el hombre de ciencia, dividido entre su naturaleza humana emocional y su naturaleza vulcaniana que sólo concibe la lógica pura. Finalmente, McCoy es el escéptico, el cínico del grupo. Tres personajes bien diferentes caracterizados por tres actores absolutamente opuestos que alcanzan un equilibrio casi perfecto. Evidentemente, la pareja formada por Kirk y Spock recibe especial tratamiento, pues a pesar de ser prácticamente antagónicos comparten lazos de amistad. La emotividad de Kirk, acentuada por las ya clásicas sobreactuaciones de Shatner, contrasta fuertemente con la frialdad casi robótica y la impasividad de Spock. De igual forma, la intuición y la pasión de Kirk contrastan con el intelectual uso de la lógica de Spock. Ambos personajes se complementan a la perfección y juntos constituyen una unidad mayor que la suma de sus partes.

Por otro lado, la serie no sólo resultó revolucionaria a nivel social, sino que incluso resultó pionera en el aspecto tecnológico, adelantando avances que aún tardarían décadas en llegar. "Star Trek" introdujo conceptos como las pantallas táctiles, la comunicación inalámbrica mucho antes de que apareciese el primer teléfono móvil, el escáner médico mucho antes de que se inventase el TAC o las cintas de memoria mucho antes de la aparición del disquete.

En el aspecto argumental, "Star Trek" introdujo conceptos actualmente básicos dentro de su género, como son el viaje a velocidades superiores a la de la luz (velocidades warp o velocidades de pliegue espacial), las reacciones entre materia y antimateria, las paradojas temporales, las dimensiones alternativas, los mundos paralelos, las formas de vida carentes de forma física, el teletransporte (ideado originalmente como una forma de ahorrar costes de producción evitando tener que rodar escenas en las que la nave aterrizase) y un largo etcétera. Si bien es cierto que los argumentos de los diferentes capítulos oscilan entre lo ridículo y lo genial, no cabe ninguna duda de que constituyen uno de los más importantes pilares de la ciencia ficción. Infinidad de libros, series y películas posteriores se basan en las ideas que presentó "Star Trek".

No obstante, el auténtico momento de gloria de "Star Trek" llegaría algo más tarde, con las películas. La serie original, a pesar de sus muchos momentos brillantes, ha envejecido bastante mal (a pesar de haber sido remasterizada para obtener un mejor acabado visual). El hecho de que se tratase de una serie de bajo presupuesto y que en ocasiones tuviese que recurrir a lo que era, probablemente, los escenarios y el atrezzo de otras producciones (de ahí que muchas historias estén ambientadas en mundos similares al pasado de la tierra y parezcan sacadas de un western) le resta gran parte de su potencia. Por lo tanto, a pesar de sus interesantísimas historias, muchos capítulos se hacen largos y repetitivos. Por supuesto hay que tener en cuenta que se trata de una serie de la década de los 60, con un ritmo y una narrativa muy diferentes de los de las series actuales. Hay que saber tolerar sus puntos negativos para poder disfrutar de sus puntos positivos.

Más allá de su valor como curiosidad histórica y origen de auténticos iconos culturales del siglo XX como el Enterprise o el Señor Spock, la serie original de "Star Trek" destaca por su extraordinario contexto, su original diseño de producción (especialmente destacable es el diseño de las naves estelares y de los clásicos uniformes de la Federación) y por sus brillantes ideas, desarrolladas con mejor o peor suerte. La esencia de la serie sería retomada, perfeccionada y elevada hasta niveles increíbles en la posterior saga de películas, pero la semilla la encontramos en estos 79 episodios. Como suele decirse, el resto es historia.

Especial Star Trek:

[Videojuegos - Impresiones] Shank

2010-09-05T20:40:00.002+02:00

¿Que sucedería si pusiésemos a Quentin Tarantino ("Pulp Fiction", "Reservoir Dogs", "Kill Bill") y a Robert Rodriguez ("El Mariachi", "Desperado", "Machete") a desarrollar un videojuego? Pues que probablemente el resultado final fuese muy parecido a "Shank", juego que ya se encuentra disponible en formato descargable tanto para Xbox 360 como para PS3. Más adelante también se lanzará una versión para PC.

Desarrollado por Klei Entertainment y distribuido por EA, "Shank" es un beat'em up cuya ambientación bebe del western y del cine de los dos directores antes mencionados. Argumentalmente nos encontramos con una historia de venganzas y personajes de dudosa moralidad al más puro estilo "Kill Bill". Nuestro protagonista contempló impotente cómo su novia fue secuestrada por un grupo de matones y nuestra misión es ayudarle en su búsqueda de rescate y venganza.

Gráficamente nos encontramos con un juego en 2D de scroll lateral. El diseño de personajes, las animaciones y, sobre todo, las grandes cantidades de gore gratuito y completamente exagerado están en consonancia con la estética del juego. A esto le añadimos unas escenas de video, igualmente en 2D y con un cierto estilo de serie de animación flash, que hacen gala de espectaculares peleas con litros de sangre y abundantes desmembramientos. Para redondear el juego, la banda sonora (que se puede descargar de forma gratuita desde la página oficial del juego) es digna de un western de serie B y acompaña perfectamente a la acción. En su conjunto, el apartado estético es uno de los aspectos más atractivos del juego.

Jugablemente, puede dar la impresión de que se trata de un simple machacabotones que consiste sencillamente en avanzar y matar a todos los que se crucen en nuestro camino. Sin embargo, el juego es algo más que eso. Contamos con algunas sencillas fases de plataformas entre combate y combate y con enfrentamientos contra enormes jefes finales con grandes cantidades de vida. A esto hay que añadir el hecho de que la dificultad está bastante ajustada, ya que no se trata de un juego que destaque por su facilidad. En la mayoría de ocasiones nos encontraremos superados en número por unos contrincantes muy agresivos y fuertemente armados. Además, cada vez que morimos debemos comenzar el nivel desde el principio.

Como beat'em up que es, su mecánica no es complicada, aunque esconde más posibilidades de lo que puede parecer en un primer contacto. Tendremos varios movimientos básicos: salto, ataque rápido, ataque fuerte y disparo. También tendremos la posibilidad de agarrar a un enemigo o de saltar sobre él desde el aire. Nuestro juego dependerá de la manera en que combinemos estas posibilidades. Por ejemplo, podemos agarrar a un enemigo, golpearle rápidamente varias veces, acabar con un ataque fuerte que lo lance por el aire y, mientras está suspendido, dispararle. Elegir el movimiento adecuado en los enfrentamientos contra varios rivales es fundamental, ya que algunos movimientos (como agarrar o saltar sobre el enemigo) nos dejan expuestos a los ataques. Además, ciertos enemigos vendrán equipados con armas de fuego y tendremos que esquivar sus disparos si no queremos que nuestra barra de vida se reduzca drásticamente. Como era de esperar, todos los combates cuentan con su correspondiente dosis de fluido vital derramado.

Originalmente tendremos un par de cuchillos para el ataque rápido, una motosierra para el ataque fuerte y un par de pistolas para disparar, pero hay que mencionar que el juego cuenta con varias armas más a nuestra disposición, desde katanas hasta uzis.

El juego también cuenta con un modo multijugador para dos jugadores en una misma consola (sin embargo, no cuenta con multijugador online), que narra acontecimientos previos al modo para un jugador, por lo que puede considerarse una especie de precuela. También cuenta con diversos extras desbloqueables, desde trajes alternativos para nuestro protagonista a imágenes de jugador y artworks. Estos detalles son de agradecer y además muestran el cuidado que han puesto los desarrolladores en su producto.

No obstante, el juego cuenta con un gran punto negativo, puesto que ha llegado enteramente en inglés, tanto voces como textos. Unos subtítulos en castellano son lo mínimo exigible para un juego que cuesta 1200 Microsoft Points en 360 (unos 14€ en PS3), precio que dicho sea de paso es algo excesivo para un juego descargable. Por lo tanto, si eres fan del género y te interesa "Shank" tendrás que poner en la balanza sus principales méritos (su estética y jugabilidad) junto a sus principales defectos (está enteramente en inglés y es bastante caro) y decidir si merece la pena o no. Personalmente, recomiendo darle una oportunidad, pues a pesar de sus defectos es un juego atractivo y divertido.